O Google divulgou na quarta-feira (4 de abril) as primeiras fotos dos óculos com tecnologia de realidade aumentada que a companhia está desenvolvendo.
Rumores de um sistema de realidade aumentada do Google já vinham persistindo há algum tempo, mas finalmente a companhia confirmou, oficialmente, que está trabalhando no “Project Glass”. Este é um dispositivo portátil, como os óculos, que sobrepõe dados conectados a internet na vida real.
Em uma postagem na rede social Google+ os funcionários do laboratório “Google X” – responsável pelo projeto - publicaram um vídeo descrevendo o quanto o dispositivo vai influenciar todos os aspectos da vida, e pediram a opinião dos usuários sobre o protótipo.
O protótipo mostrado pelo Google não possui um par de lentes como alguns esperavam – o display é uma pequena tela transparente que paira acima do olho direito do usuário. A inovação se conecta diretamente à Internet através de uma conexão 3G ou 4G, e mostra uma sobreposição de dados, on line, para as situações do cotidiano.
Os detalhes ainda são muito escassos, mas o vídeo introdutório do Google mostra muitas situações de uso. Nas imagens, um homem anda pelas ruas de Nova York e se comunica com os amigos, vê mapas, informações e tira fotos pelo comando da voz.
VIDEO: GOOGLE’S PROJECT GLASS
Basicamente, o ‘Project Glass’ examina, continuamente, a área imediata de atuação e fornece informações usando o que parece um motor heurístico (pesquisa de documentos existentes) visual. A interface é controlada por voz, possivelmente aumentada pelo rastreamento visual. A tecnologia combina uma câmera, microfone e outros sensores para criar uma espécie de sobreposição de tecnologia para o mundo real.
O Google não está dizendo muita coisa sobre o ‘Project Glass’ no momento - nem mesmo se ele roda em Android como rumores anteriores. Mas pode-se notar que os serviços de celular, vídeo chat, Google’s Voice Actions, Google Latitude, Google Maps, Navegação e Google Plus são totalmente integrados, pelo menos na demonstração do vídeo.
Podemos esperar que um programa experimental (similar ao Chrome Cr48) esteja em construção e, certamente, em junho, vamos ouvir falar mais sobre a tecnologia Google I/O.
Não há nenhuma palavra sobre quando o ‘Project Glass’ irá se expandir ou se ele pode se tornar um produto de consumo algum dia. Mas certamente todo mundo quer um, agora.
Hoje os meios de comunicação e os suportes tecnológicos começam a fazer parte do cenário artístico. Desde a última década do século passado, artistas vêm trabalhando na interface entre a arte, ciência e tecnologia, com o objetivo de criar novas propostas estéticas que expressem o espírito da sociedade da informação: Arte computacional, Sky-arte, arte por satélite, arte da tele presença, tele invenção, imersão, realidade virtual, arte transgênica, bioarte e arte robótica. A ‘Artemídia’ inaugura o pensamento para uma nova estética. A informática, as telecomunicações e a biotecnologia, hoje juntas sob a denominação “revolução digital”, têm contribuído bastante no debate teórico e na produção artística que faz uso de dispositivos tecnológicos. A maioria dessa produção é realizada numa parceria entre artistas e pesquisadores - engenheiros, biólogos, físicos e cientistas da computação -, que se unem em uma proposta comum e incentivam a pesquisa científica.
OS NOVOS ESPAÇOS CONTEMPORÂNEOS DA CULTURA
Neste sentido, espaços culturais de ponta vêm surgindo e outros, instituídos, se reinventam e se adaptam à nova realidade para abrigar mostras de Artemídia. São espaços pós-modernos onde, ao mesmo tempo em que segmentam (atendendo à demanda das diversas possibilidades da arte), hibridizam (unindo no mesmo espaço essas diversas possibilidades).
SCIENCE GALLERY, NO TRINITY COLLEGE
A‘Science Gallery’ é um novo centro de ciência, público, localizado no coração de Dublin, onde as ideias se encontram. A galeria reúne pessoas com diversos interesses e conhecimento, incluindo pensadores criativos e jovens inovadores, para conectar, explorar, criar, debater e trocar ideias sobre ciência, tecnologia e as artes, abrindo esses campos para novos públicos.
O espaço consiste em um teatro multimídia com 144 assentos, estúdios, café e um impressionante espaço de galeria, proporcionando um local ideal para a apresentação de novos talentos, através de uma programação com exposições, eventos e workshops.
Com um público-alvo de jovens com 15 anos para cima e uma ênfase na criação de uma comunidade colaborativa, a ‘Science Gallery’, lançou em fevereiro de 2008, através do evento LightWave, um festival de nove dias que explora a arte e a ciência de controlar a luz, que já possui mais de 2.000 membros.
VIDEO: THE SCIENCE GALLERY - TOUR
EVENTOS NA SCIENCE GALLERY
LIGHTWAVE: ideias iluminadas
O Lightwave é um festival aberto, de nove dias, que incluiu palestras, workshops, performances e um ‘LightClub’ onde novas ideias iluminadas se desenvolvem ao longo de um encontro. Entre os oradores do festival, em 2009, estavam Beau Lotto, professor JR Gott, Pete Vukusic e David Edwards. Após o festival a exposição interativa ‘Lightwave’ continuou exposta na The Science Gallery.
O evento distingue tudo a partir de um universo em forma de cubo, para conversações sobre o peixe elétrico e um novo tipo de célula de combustível para fornecer a luz fora da rede na África. Desafia as trevas para explorar a nossa relação com a luz.
VIDEO: LIGHTWAVE
ARTBOTS: arte e tecnologia
O show de talentos robóticos ‘ArtBots’ é um evento que se propõe a celebrar a união de arte e tecnologia, e as aplicações não-violentas e ''não-muito-competitivas'' da robótica, mostrando ''robôs artísticos'' ou ''arte feita por robôs''.
A mudança do evento, em 2005, de Nova York para Dublin, na ‘Science Gallery’ do Trinity College, reforçou o caráter internacional da mostra, que conta com artistas de diversos países.
VIDEO: ArtBots
LOVE LAB: a ciência do desejo
O amor tem sido a inspiração para compositores, poetas e artistas desde o início dos tempos, mas agora os cientistas estão sugerindo que é tudo uma questão de química.
O evento ‘Love Lab’ provoca a investigação de uma série de diferentes disciplinas, incluindo a neurociência, psicologia, genética, fisiologia e bioquímica, e foi curada por alguns dos principais cientistas da Irlanda, incluindo o Professor Luke O'Neill – vencedor da Medalha Boyle, o geneticista Dr. Aoife McLysaght, a Professora Fiona Newell, e o cientista da revista ‘Science’ John Bohannon.
VIDEO: A CIÊNCIA DO DESEJO
CENTRO CULTURAL FACT, EM LIVERPOOL
O Centro Cultural FACT (Foundation for Art and Creative Technology) tem liderado, no Reino Unido, há 20 anos, a cena artística do vídeo, cinema e novas mídias, através de exposições inovadoras, educação e projetos de pesquisa. Ainda, a organização busca ser pioneira nas novas formas de interação artística e social com os indivíduos e as comunidades.
Durante sua história, o FACT tem curado e já apresentou mais de 250 obras de mídia digital de artistas como Pipilotti Rist, Bill Viola, Apichatpong Weerasethakul, Vito Acconci e Isaac Julien.
VIDEO PROMOCIONAL BBC: FACT
A fundação é membro do LARC (Liverpool Arts Regeneration Consortium), uma organização que tem parceria com oito das principais organizações culturais em Liverpool, criada para ajudar a garantir que o setor cultural desempenhe um papel importante na regeneração da Cidade de Liverpool e região.
O FACT é uma instituição de caridade e uma companhia limitada garantida.
O ‘Programe FACT’ é o núcleo artístico da organização, que encomenda e apresenta projetos de artistas do cinema, vídeo e novas formas emergentes de mídia, trabalhando com uma grande variedade de organizações parceiras.
O programa oferece quatro temporadas de exposições por ano, conectadas por um tema comum. Em 2009 o tema foi ‘UNsustainable’ (insustentável), em resposta ao Ano do Meio Ambiente do Conselho Municipal de Liverpool. Em 2010, Inovação e Bem-estar foram examinados sob o tema do Progresso.
Ainda, as exposições que têm sido curadas pelo FACT adquirem vida própria, depois de serem mostradas no prédio da fundação - passam a realizar temporadas nacionais e internacionais.
VIDEO: FACT – RETROSPECTIVA 2008
Em 2008, uma exposição reuniu trabalhos de Bioarte. A exposição Sk-interfaces abordava algumas das questões mais polêmicas da atualidade, fundindo ciência, tecnologia e arte. Ao todo, 15 artistas internacionais participaram da exposição.
Na ocasião, o curador da exposição, Jens Hauser, disse que "O que antes era entendido como uma superfície que representa o limite do eu, entre o dentro e o fora, hoje pode ser visto como uma fronteira instável".
Veja mais sobre a mostra Sk-interfaces clicando aqui.
CORNERHOUSE, EM MANCHESTER
O Cornerhouse é um dos principais centros para o cinema e artes visuais no Reino Unido. Localizado no coração da cidade de Manchester, aberto sete dias por semana, são 3 andares de galerias de arte contemporânea, três salas de projeção mostrando o melhor do cinema independente, um bar, café e livraria. No espaço, também é operada a Cornerhouse Publicações, um serviço de distribuição internacional para livros e catálogos de artes visuais contemporâneas. Ainda, o espaço é um gestor independente de caridade através do Centro Internacional de Greater Manchester para cinema e arte visual contemporânea.
Os patronos do Cornerhouse são: Danny Boyle, Damien Hirst e Helen Mirren.
Desde que o Cornerhouse foi inaugurado em 1985, após a conversão da loja de móveis antigos Shaw e do Cinema Tatler Club num espaço multimídia, alcançou uma reputação internacional de excelência artística e inovação, e recebe mais de 500.000 visitantes por ano. Tem um volume de negócios de € 2,3 milhões, anuais com caixa, negociação, captação de recursos e patrocínio.
Sua missão é ser um lugar onde o público, artistas e cineastas se reúnem para debater experiências, práticas culturais e idéias, através de um programa único, que visa estimular, divertir e informar.
O Cornerhouse é constituída por duas empresas: uma instituição de caridade que é uma companhia limitada por garantia (Greater Manchester Centro de Artes) e uma empresa comercial (Greater Manchester Arts Services). Estas empresas são geridas por conselhos de administração. A Cornerhouse emprega 30 funcionários de tempo integral, 20 funcionários em tempo parcial e ainda possui um staff com cerca de 35 funcionários casuais. O bar e as atividades de restauração são fornecidos por um parceiro externo.
CINEMA
Cornerhouse possui três salas de cinema: 1 na Estação Rodoviária Oxford, com 299 lugares e 2 no edifício principal, na Oxford Street, uma com capacidade para 170 e outra com 58 lugares. Em média, 35 títulos são exibidos por mês. O programa é de âmbito internacional e oferece filmes novos, inovadores e de vídeo, que resulta na seleção de uma gama muito ampla de trabalho.
Cornerhouse também realiza dois festivais de cinema por ano (Viva! Festival de filmes Espanhóis e Latino-Americanos, e a exibição: ‘novos talentos na imagem em movimento’), juntamente com uma série de turnês programadas.
PROGRAMA DE ARTES VISUAIS
As galerias do Cornerhouse apresentam o melhor das artes visuais contemporâneas para a cidade, exibindo trabalhos de importância internacional, iniciando e recebendo exposições itinerantes e, ao mesmo tempo, identificando oportunidades de apoio e promovendo os artistas do país.
O programa fornece uma plataforma de lançamento para jovens artistas britânicos e estrangeiros, através de exposições individuais, temáticas, retrospectivas e comissionamento de novos trabalhos, além do programa de exposições formal. A equipe do Programa Cornerhouse também organiza uma grande variedade de eventos pontuais e projetos de artistas de curto prazo, em todo o edifício principal. Ainda, colabora com outras galerias, o que resulta em turnês nacionais e internacionais para exposições do Cornerhouse e no seu reconhecimento mundial.
Entre abril de 2008 e março de 2009, o programa de exposições atraiu um público de mais de 55.000 pessoas nas sete exposições agendadas.
VIDEO: CORNERHOUSE – PASSAGEM DE EXPOSIÇÃO
PROGRAMA DE ENGAJAMENTO
O Cornerhouse está registrado como uma instituição de caridade e ensino, e se esforça para incentivar a aprendizagem ao longo da vida. O programa de participação situa-se no centro das suas atividades.
São eventos formais e informais, atividades incluem apresentações de filmes, palestras, convidados, notas de programa, os pacotes de informações, discussões, debates e visitas a exposições. Cursos noturnos também ocorrem durante todo o ano, com uma programação para os cinemas e as exposições.
A colaboração com uma série de organismos nacionais e locais é crucial para a manutenção da diversidade do programa artístico e iniciativas educacionais, assim como no incentivo da formação de público. Há colaborações regulares com o Goethe Institut, Instituto Cervantes e muitas instituições de ensino local e superior e organizações artísticas na cidade e fora dela.
SHOWROOM & WORKSTATION
O Showroom Cinema e Workstation Creative Business Centre é baseado numa versão adaptada de um prédio construído em 1930, localizado no centro da cidade de Sheffield, perto da estação de trem. O edifício abandonado foi adquirido para a reconstrução do Sheffield Media & Exhibition Centre Ltd (SMEC) em 1989 e inaugurado, em fases, a partir de 1993, até1998. Agora se tornou é um centro internacional e importante pólo cultural, assim como um dos maiores cinemas da cena independente da Europa, com quatro auditórios de luxo, espaços de educação, um café / bar e apresenta uma programação de filmes contemporâneos clássicos, do mundo todo.
O ‘Showroom’ realiza, regularmente, festivais e eventos criativos que dão a oportunidade de conhecer especialistas de diferentes mídias, aprender novas habilidades e cultivar idéias novas.
A ‘Workstation’ é uma estufa para o setor de indústrias criativas, com mais de 60 empresas arrendatárias trabalhando com clientes na região do Reino Unido, além de outras.
Aberto 364 dias do ano, a Exposição e Workstation Creative Business Centre é um centro cultural vibrante no coração de Sheffield, um lugar para conhecer, trabalhar, aprender e jogar.
Andrew Warhola nasceu na cidade de Pittsburgh, em 1928. Conhecido como Andy Warhol, foi um artista multimídia (pintor, gravador e cineasta) norte-americano, e um fundador do movimento ‘Pop Art’.
Sua família, de imigrantes da classe operária da Eslováquia, vivia em Pittsburgh, e frequentava a igreja bizantina de São João Crisóstomo. Andy tinha dois irmãos mais velhos, Ján e Pavol, que nasceram na atual Eslováquia.
Estudou no liceu de Schenley onde, na terceira série, teve Coréia de Sydenham - uma doença do sistema nervoso que provoca movimentos involuntários das extremidades e causa manchas de pigmentação na pele. Então ele tornou-se hipocondríaco, desenvolvendo um medo de hospitais e médicos.
Andy mostrou talento artístico cedo. Muitas vezes, quando estava confinado na cama, ele desenhava, ouvia o rádio e colava imagens de estrelas de cinema ao redor de cama. Depois Warhol descreveu esse período como muito importante no desenvolvimento de sua personalidade, conjunto de habilidades e preferências.
Em 1945, aos 17 anos, estudou na Escola de Belas Artes no Carnegie Institute of Technology, em Pittsburgh, Pensilvânia (agora Carnegie Mellon University), onde se graduou em design. Com sua produção no curso ganhou um prêmio do Instituto e a exposição dos seus trabalhos. Acabou a licenciatura com uma menção honrosa em desenho, e foi para Nova York em 1949, à procura de emprego como artista comercial.
Trabalhou como ilustrador de importantes revistas, como Vogue, Harper's Bazaar e The New Yorker, além de fazer anúncios publicitários e displays para vitrines de lojas. Também, com a expansão rápida da indústria fonográfica e da introdução do disco de vinil, a RCA Records contratou Warhol para projetar capas de álbuns e materiais promocionais.
Começa aí uma carreira de sucesso como artista gráfico, quando ganha diversos prêmios como diretor de arte do Art Director's Club e do The American Institute of Graphic Arts.
ANDY WARHOL: A MASTER OF THE MODERN ERA (documentary for educational purposes)
Em 1952 realizou a sua primeira exposição na Hugo Gallery: «15 Desenhos baseados nos escritos de Truman Capote». A exposição, um sucesso não só comercial como artístico, lhe permitiu viajar pela Europa e Ásia. Esta série foi mostrada em diversos lugares durante os anos 50, incluindo o MOMA - Museu de Arte Moderna, em 1956.
Depois de uma carreira como ilustrador comercial bem sucedida, Warhol tornou-se famoso mundialmente por seu trabalho como cineasta, pintor, avant-garde, produtor musical, escritor e membro de diversos círculos sociais que incluía pessoas de rua, boêmios, intelectuais ilustres, celebridades de Hollywood e patronos ricos.
Os anos 1960 marcam uma guinada na sua carreira artística e ele passou a se utilizar da estética e dos conceitos da publicidade em suas obras - reinventa a pop art com a reprodução mecânica e temas acerca do cotidiano, como os artigos de consumo.
Em 1961 realizou a sua primeira obra em série, explorando a imagem de latas da sopa Campbell's, garrafas de Coca-Cola e notas de Dólar, industrializando a sua arte com a impressão em massa. Estas obras foram expostas em Los Angeles, na Ferus Gallery, e depois em Nova Iorque, na Stable Gallery.
Depois Warhol passou a explorar o rosto de celebridades como Marilyn Monroe, Liz Taylor, Michael Jackson, Elvis Presley, Pelé, e Che Guevara, que eram reproduzidos serialmente com variações de cor. A técnica baseava-se em pintar grandes formatos, transferindo fotografias para a tela através de serigrafia. Estas obras foram um enorme sucesso.
No final dos anos 70 e início dos 80, Warhol fracassa com a sua série ‘Death and Disaster’ (Morte e Desastre) - que consistia em reproduções monocromáticas de desastres de automóvel brutais, de uma cadeira elétrica, variações sobre foice e martelo (Hammer and Sickle, 1977), sobre o crânio humano (Skulls, 1976), Torso (1982), ou variações com sombra (Shadows, 1979).
Em 1982, Warhol criou uma série de figuras que incluem o rosto de Mao (1982), com uma dezena de variações em cores berrantes. Além das serigrafias Warhol também se utilizava de outras técnicas, como a colagem e o uso de materiais descartáveis - não usuais - na obra de arte.
Em 1963 a sua tentativa de «viver como uma máquina» teve uma primeira aproximação com a inauguração do seu estúdio permanente - The Factory - A Fábrica. No mesmo ano começou a filmar, realizando filmes experimentais, propositadamente simples e aborrecidos, como - Sleep (Dormir) - que filmou, durante oito horas seguidas, um homem dormindo, ou Empire (Império), onde filmou o Empire State Building do nascer ao pôr do sol.
FILMES EXPERIMENTAIS NESTA EDIÇÃO: SCREEN TESTS, EMPIRE, SLEEP, KISS, EAT E BLOW JOB. MUSICA: HEROIN BY VELVET UNDERGROUND
Mas os filmes foram tornando-se mais sofisticados, começando a incluir som e argumento. O longa-metragem ‘Chelsea Girls’, de 1966, que mostra duas fitas lado a lado documentando a vida na Factory, foi o primeiro filme underground a ser apresentado numa sala de cinema comercial.
VIDEO: THE SHOOTING (2006)
Em 1968, Valerie Solanas, uma freqüentadora da Factory, fundadora e única membro da SCUM (Society for Cutting Up Men - Sociedade para eliminar os homens) invadiu o estúdio de Warhol e o alvejou com três tiros, quase mortalmente.
O artista demorou mais de dois meses para se recuperar, depois de se submeter a uma cirurgia que durou cinco horas. Este fato é tema do filme "I shot Andy Warhol" (Eu atirei em Andy Warhol), dirigido por Mary Harron, em 1996. Quando saiu do hospital tinha perdido muita da sua popularidade junto da comunicação social.
A partir da década de 1970, Warhol radicaliza a idéia de artista multimídia em seu tempo e passa a militar em outras áreas. Dedicou-se então a criar a revista Interview e a apoiar jovens artistas em início de carreira, além de escrever livros e apresentar programas de TV a cabo.
VIDEO: WARHOL AND MACIUNAS
No video acima, imagens da exposição de Andy Warhol no Whitney Museum em maio de 1971. Este filme também mostra a festinha dada por George Maciunas no número 80 da rua Wooster, no Soho, em 29 de junho de 1971. George Maciunas, Andy Warhol, John Lennon e Yoko Ono aparecem. A direção é de Jonas Mekas.
A sua pintura voltou-se para o abstracionismo e o expressionismo, criando a série de pinturas ‘Oxidation’ (Oxidação), que tinha como característica principal ter recebido urina previamente. Também fez experiências retratando pessoas célebres no formato Polaroid.
Em 1977 publicou sua autobiografia ‘The Philosophy of Andy Warhol (from A to B and Back Again)’ e ‘POPism: The Warhol Sixties’ (1982), juntamente com Pat Hackett. Também realizou a mostra ‘Portraits of Jews of the Twentieth Century’, com os retratos de personagens de origem judaica - que incluíram Freud, Einstein, Kafka, Gershwin, Gertrude Stein e diversos auto-retratos -, e a retrospectiva Reversal Series.
Em 1982 aproxima-se da TV a cabo e cria Andy Warhol's TV e Andy Warhol's Fifteen Minutes para MTV, em 1986. Data dessa época a sua intensa colaboração e amizade com Jean-Michel Basquiat, jovem e promissor artista que ele promoveu e ajudou a se firmar no universo das artes plásticas de Nova York, tanto quanto outros como Francesco Clemente e Keith Haring.
VIDEO: ANDY WARHOL'S TV
Seus últimos trabalhos datam de 1986 com a série de pinturas intitulada The Last Supper, baseados em Da Vinci, e um revival do grande tema da pop art intitulado ‘Ads’ que remetem aos trabalhos iniciais baseados na publicidade, no consumo e nos objetos do cotidiano.
Andy Warhol também foi financiador e mentor intelectual da banda The Velvet Underground, que incluía Sterling Morrison, Maureen Tucker, John Cale e Lou Reed.
Em 1967, forçou a entrada da cantora e modelo alemã Nico, na banda. Houve rejeição e conflito por parte da banda e o nome do primeiro álbum foi ‘The Velvet Underground and Nico’, excluindo Nico de certa forma. Logo depois da gravação do álbum White Light/White Heat, Andy Warhol se afastou e Nico foi excluída da banda.
VIDEO: VELVET UNDERGROUND & NICO AT THE FACTORY – circa 1966
Para além dos discos, os Velvet e Warhol produziram o espetáculo Exploding Plastic Inevitable, que utilizava a música do grupo e os filmes do artista. Os Velvet, já famosos, entraram definitivamente na história ao darem o nome à revolução checa de 17 de Novembro de 1989 que derrubou pacificamente o regime comunista - a Velvet Revolution.
Em janeiro de 1987, Warhol não se sentia bem e internou-se no New York Hospital para exames e teve que se submeter a uma cirurgia de vesícula, considerada rotineira. Durante o pós-operatório teve uma arritmia cardíaca e faleceu aos 59 anos de idade, em Nova Jersey.
Em 1994 foi inaugurado o ’The Andy Warhol Museum’ em Pittsburgh, Pensilvânia.
VIDEO: ANDY WARHOL INTERVIEW 1966
Warhol tem sido objeto de numerosas exposições retrospectivas, livros e documentários. Quando morreu, já era célebre há 35 anos. De fato, a conhecida frase cunhada por ele, “In the future everyone will be famous for fifteen minutes” (No futuro, todos serão famosos durante quinze minutos), só se aplicaria no futuro, quando a produção cultural fosse totalmente massificada e a arte fosse produzida e distribuída em massa.
O preço mais alto já pago por uma pintura de Warhol é de US $ 100 milhões por uma tela de 1963, intitulada Oito Elvises. A transação privada foi relatada em um artigo de 2009 da revista The Economist, que descreveu Warhol como o "termômetro do mercado da arte." $ 100 milhões é um preço de referência que só Jackson Pollock, Pablo Picasso, Gustav Klimt e Willem de Kooning tinham alcançado.
DOCUMENTÁRIO: ANDY WARHOL THE COMPLETE PICTURE (2002)
CONTRAPONTO
Em 2007 o crítico de arte Robert Hughes, antigo cronista da revista Time, comentou:
“Warhol foi uma das pessoas mais chatas que já conheci, pois era do tipo que não tinha nada a dizer. Sua obra também não me toca. Ele até produziu coisas relevantes no começo dos anos 60. Mas, no geral, não tenho dúvidas de que é a reputação mais ridiculamente superestimada do século XX”.
