Holodeck

S.O.P.A.: GUERRA NA INTERNET

2012-01-29T15:56:00.007-02:00

O ano de 2012 teve início com um episódio histórico, marcado pela batalha entre a indústria de entretenimento e as gigantes da internet. No dia 18 de Janeiro, mais de 10 mil sites realizaram um protesto virtual contra uma lei, apresentada no Congresso dos Estados Unidos, que tem como objetivo combater a pirataria on-line de conteúdos protegidos por direitos de propriedade intelectual. A queixa foi organizada pelo site www.sopastrike.com.

VÍDEO - MAIS DE 10 MIL SITES PROTESTAM CONTRA SOPA

Mais de 10 mil sites protestam contra SOPA por superalbertofilho

A iniciativa, que incluiu a desativação de alguns sites durante 24 horas, buscou impedir a aprovação do projeto de lei conhecido pela sigla SOPA (Stop Online Piracy Act), em sua versão na Câmara de Representantes, e PIPA (PROTECT IP Act), no Senado.
O principal autor da proposta na Câmara e presidente do comitê, o republicano Lamar Smith, disse que o projeto de lei procura proteger consumidores, negócios e empregos "de ladrões estrangeiros que roubam propriedade intelectual dos EUA".
A favor da lei está o setor de entretenimento, com as indústrias de cinema, TV e música, provedoras de TV a cabo e internet, além de empresas farmacêuticas e publicações. No lado oposto, as empresas do Vale do Silício a criticam pesadamente, sustentando que a legislação promove a censura, altera a operacionalidade da internet e prejudica sua capacidade para a inovação.

VÍDEO: PROTECT IP

Protect IP Act Breaks the Internet por superalbertofilho

O texto do projeto de lei propõe pena de até cinco anos de cadeia para pessoas condenadas por compartilhar material pirateado dez ou mais vezes ao longo de seis meses.
A proposta também prevê punição para sites acusados de "permitir ou facilitar" a pirataria, que podem ser fechados e banidos de provedores de internet, sistemas de pagamento e anunciantes, em nível internacional. Entre eles estão o Google, Yahoo!, Wikipédia, YouTube, Facebook, Foursquare, Reddit, Wordpress, e Mozilla.
Sem fazer distinção, qualquer site conectado via hiperlink com outro site apontado como pirata pode, ser banido da internet a pedido do governo, assim como pelas gravadoras, editoras e estúdios de filmes.
Além disso, motores de busca seriam solicitados a apagar links para tais sites e os provedores obrigados e interromper o acesso - especialmente os estrangeiros.
Twitter e Facebook poderiam ser punidos por permitir que usários publiquem conteúdo "proibido" nas redes sociais. O Google poderia ser acusado de manter anúncios publicitários e links para sites piratas nos seus serviços de internet.

VÍDEO: SOPA = DITADURA DIGITAL

SOPA: DITADURA DIGITAL por superalbertofilho

Neste sentido, o SOPA estabelece o uso, no território Americano, de um mecanismo de censura sobre a Internet semelhante ao utilizado em países como a China, Irã e Síria, sob o argumento de coibir a pirataria online, ou seja, práticas sociais históricas utilizadas para ter acesso alternativo à qualquer obra cultural: trocar, compartilhar, emprestar, tal como ocorre nas Bibliotecas. E isso não afetará apenas os Estados Unidos, pois o além de concentrar a maior parte da infra-estrutura da rede, o país concentra quase todos os serviços e sites que utilizados diariamente pela população mundial, e que podem ser afetados.

O co-fundador da enciclopédia virtual Wikipédia, Jimmy Wales, afirmou em entrevista que "A política para a internet não deveria ser ditada por Hollywood".
Em mensagem publicada em seu blog, governo do presidente Barack Obama expressou sua oposição a qualquer legislação que imponha censuras à internet e sugeriu que, caso aprovadas, as leis podem ser vetadas pelo presidente.
Um dia depois que as gigantes da Internet e outras empresas se uniram no protesto contra a lei antipirataria dos Estados Unidos, os legisladores do país abandonaram na quinta-feira (19) o projeto de lei de regulação da internet, informou a imprensa.

MEGAUPLOAD

VÍDEO: ANUNCIO DE PRISÃO

FBI prende dono do Megaupload por superalbertofilho

No mesmo dia (19), o criador do site de compartilhamento de arquivos Megaupload, Kim Schmitz ou Dotcom, acusado pelos Estados Unidos de dirigir o maior portal de pirataria na internet, era preso na Nova Zelândia a pedido do FBI (polícia federal dos EUA), junto com três diretores do site. Os americanos o acusam de ter causado US$ 500 milhões em prejuízo à indústria de entretenimento.

VÍDEO: MEGAUPLOAD MEGA SONG

Megaupload Mega Song por superalbertofilho

Com 37 anos Schmitz, alemão de nascimento, é incluído pelas estatísticas locais no grupo das dez pessoas mais ricas da Nova Zelândia. O Megaupload, assim como o Megavideo e Megalive, compõem o seu grupo Megaworld com sede em Hong Kong.
Dotcom pode enfrentar uma pena de até 55 anos de prisão caso seja deportado aos Estados Unidos e declarado culpado pelos delitos que as autoridades do país lhe acusam.

VÍDEO: ANONYMOUS

Protesto do Anonymous contra a SOPA. por superalbertofilho

Ao mesmo tempo, enquanto o Congresso dos EUA debatia a nova legislação, o grupo de hackers Anonymous realizou seu maior ataque cibernético, em vingança contra o fechamento do Megaupload.com pelo FBI.
Os sites da Justiça Americana, FBI, Universal Music, Motion Picture Association of America e da Associação da Indústria de Gravação da América saíram do ar e uma intensa troca de mensagens se seguiu no microblogue Twitter, com promessas de ataque a outros sites.

DOCUMENTÁRIOS COMPLETOS

Potências mundiais preparam-se para a guerra na Internet: os hackers controlam os conflitos cibernéticos e sabem como fazer fortuna à custa dos cidadãos e dos utilizadores das grandes empresas. Publicidade, fraudes, propagação de vírus destrutivos não são mais do que o início das novas possibilidades, uma vez que, a cada dia, a delinquência na Internet é uma feira onde se manifesta a criatividade individual e coletiva nas formas mais surpreendentes.
O documentário abaixo viaja até à Rússia, Estados Unidos, Estónia e Israel para investigar a competição entre piratas informáticos e governos, investigando o modo como a indústria de softwares mal-intencionados acumulam um arsenal de armas de destruição massiva que podem decidir o resultado de uma guerra.

VIDEO: CIBERGUERILHA, A ARTE DA GUERRA VIRTUAL

Ciberguerilha: A Arte da Guerra Virtual por superalbertofilho

Enquanto as ciências da computação procuram abranger cada vez mais todas as áreas e atividades do nosso cotidiano, governos, empresas e o público em geral tornam-se vítimas do terrorismo cibernético, da espionagem industrial e múltiplas formas de fraude. Este outro documentário investiga o mundo do crime cibernético: as vítimas, os invasores, seus métodos e suas motivações.

VIDEO: HACKERS CRIMINOSOS E ANJOS, DISCOVERY CHANNEL

Hackers Criminosos e Anjos, Discovery Channel por superalbertofilho

ANIMAÇÃO: “ROSA”, DE JESÚS ORELLANA

2012-01-26T12:41:00.003-02:00

ROSA é um curta-metragem de animação ambientado em um mundo pós-apocalíptico. Num futuro próximo, a humanidade desapareceu deixando para trás uma enorme megalópole desprovida de vida natural. Entre a destruição desperta Rosa, parte do projeto cyborg Kernel, a última tentativa de salvar a raça humana, restaurar o ecossistema e recuperar espécies de plantas extintas. Vagando entre as ruínas da cidade sem vida, Rosa logo descobre que ela é a única entidade a despertar, e deve lutar pela sobrevivência.

VIDEO: CURTA-METRAGEM DE ANIMAÇÃO ‘ROSA’, DE JESÚS ORELLANA

Rosa - Jesús Orellana por superalbertofilho

O spot foi criado inteiramente pelo autor de graphic novels Jesús Orellana (1981), sem orçamento. O artista, nascido em Tarragona, já trabalhou em muitos projetos para a editora francesa ‘Les Humanóides Associes’.
Em 2009 Orellana começou a desenvolver o seu projeto. Entre janeiro de 2010 e fevereiro de 2011, ele completou os 323 planos que compõem os 9'50" minutos de duração desse curta-metragem de animação espetacular. Atualmente ele mora em Barcelona com sua parceira, a artista Maria Llovet.

Desde a sua estreia mundial no Festival de Cinema de Seattle, ROSA foi selecionado em diversos festivais ao redor do mundo como Screamfest, Toronto After Dark, World Anima ou Los Angeles Film Festival Shorts.
Em outubro de 2011 a animação foi exibida durante a cerimônia de abertura do festival de Sitges, considerado o melhor festival do mundo especializado no gênero de fantasia.
Na sequência da sua passagem bem sucedida através de festivais, o curta tem atraído a atenção das maiores agências de talentos e produtores de Hollywood.

SITE OFICIAL: http://rosamovie.blogspot.com/

ARQUITETURA POLÊMICA: ‘THE CLOUD’

2012-01-19T23:01:00.009-02:00

A incorporadora Dreamhub apresentou, em dezembro de 2011, um mega empreendimento residencial de altíssimo luxo, desenvolvido para o bairro Yongsan Business, em Seul, na Coréia do Sul.
Os arquitetos do escritório holandês de design e arquitetura MVRDV criaram duas torres ligadas pelo meio por uma ‘nuvem de pixels’, chamadas ‘The Cloud’.

A torre sul atinge uma altura de 260 metros com 54 andares e a torre norte chega a 300 metros, com 60 andares.
A partir do 27 º andar fica posicionada uma aglutinação de cubos irregulares que liga as torres. O volume - um conjunto de blocos no formato de uma ‘nuvem’ - avança para fora dos pisos se estende por 10 andares do empreendimento.

A nuvem abriga o Sky Lounge - um grande átrio de ligação, um centro de bem-estar, centro de conferências, academia, várias piscinas, restaurantes e cafés, que ocupam uma área de 14.357 m2.
No topo da nuvem estão uma série de espaços externos, públicos e privados, entre pátios, decks, jardins e piscinas. Para permitir o acesso rápido a nuvem é acessível por elevadores expressos especiais.

O espaço ainda conta com 9.000 m2 de officetel (Office-Hotel) uma tipologia típica coreana para a locação de escritórios por dia, e 25.000 m2 de apartamentos panorâmicos, com lay-outs específicos.

O restante dos andares são ocupados por apartamentos residenciais de luxo que variam de 80m2 a 260m2, dos quais alguns oferecem pé-direito duplo, pátios ou jardins. A cobertura das duas torres são reservadas para apartamentos de 1200m2 com jardins.

Cada torre é acessada através de um grande lobby no nível do chão. A arquiteta e paisagista Martha Schwartz desenvolveu uma série de praças, jardins e piscinas para cercar os novos edifícios. O estacionamento é oculto no subterrâneo e a estação de metrô mais próxima está a uma distância de cinco minutos a pé
O projeto das torres, com uma superfície total de 128.000 m2, deverá estar concluído em 2015.

YONGSAN DREAM HUB

O bairro Yongsan Business é alvo de um projeto maior. O Yongsan Dream Hub é um plano diretor de ampliação do distrito financeiro de Seul, encomendado pelo governo e projetado pelo ‘New York architects Studio Libeskind’, comandado por Daniel Libeskind, um dos maiores nomes da arquitetura moderna.

VÍDEO: YONGSAN DREAM HUB

Yongsan Dream Hub por superalbertofilho

ARCHIPELAGO 21 é um projeto inovador para o centro urbano superlotado e adota como os seus principais conceitos a simplicidade e a ousadia. O YIBD (Yongsan International Business District) divide-se em "ilhas" independentes que, ao mesmo tempo, trabalham juntas para estar em harmonia.
Nesta paisagem surpreendente de ilhas, o ‘mar’ assume o seu papel. Cada ilha mostra a sua própria individualidade e está em conformidade com os padrões humanos.
Elas se reúnem como um todo para tornar a vida urbana grande, diversa e dinâmica.
Embora a escala de desenvolvimento seja extensa, as ilhas vizinhas oferecem um ambiente amigável para os pedestres, baseando-se na análise da densidade e tamanho de toda a área. YIBD também é projetado para os moradores, assegurando uma vida feliz e agradável.

Archipelago 21 por superalbertofilho

POLÊMICA

Desde a sua apresentação, o empreendimento motivou protestos de familiares das vítimas dos atentados de 11/09. Eles consideram que o projeto remete à uma imagem semelhante à dos ataques ao World Trade Center. Os críticos acusam os arquitetos de terem se utilizado do episódio como um golpe de publicidade para o projeto. A polêmica foi parar na mídia de massa dos EUA e diversos programas de TV atacaram o projeto.

VIDEO CNN

CNN critica 'The Cloud' por superalbertofilho

Segundo o Studio MVRDV, ocorreu uma verdadeira tempestade midiática e eles receberam emails com ameaças e telefonemas de pessoas enfurecidas, chamando-os de amigos da Al-Qaeda, ou pior. Deste modo, a empresa divulgou nota em seu site oficial, se desculpando com o público.

“A MVRDV lamenta profundamente qualquer conotação que o projeto ‘The Cloud’ evoque à respeito do evento de 11/09.
The Cloud foi projetado com base em parâmetros como a luz solar, espaços exteriores, a qualidade de vida para os habitantes e a cidade. É um dos muitos projetos em que a MVRDV realiza experimentos para elevar a cidade à um nível de reinvenção da tipologia, muitas vezes solitária, do arranha-céus. Não era nossa intenção criar uma imagem que remetesse aos ataques, nem vimos a semelhança durante o processo de design. Pedimos sinceras desculpas a qualquer pessoa cujos sentimentos foram afetados, não era nossa intenção.
A inspiração do projeto ‘The Cloud’ foi visualizada, na primeira imagem, em nosso site, uma nuvem que cobre o centro do Arranha-céus.”

Por enquanto não se sabe se o projeto vai ser alterado, mas até Março as autoridades de Seul deverão decidir se aprovam ou não o design final. Segundo os contratos, as torres deveriam ser concluídas até 2015.

MERCEDES-BENZ CLASSIC CENTER: RESTAURAÇÃO E COMÉRCIO DE CLÁSSICOS DA MARCA

2012-01-12T17:37:00.004-02:00

Já se passaram mais de 120 anos desde que Gottlieb Daimler e Karl Benz inventaram o automóvel e criaram as empresas que deram origem à Mercedes-Benz. E neste caso, a história é um ativo que gera fluxo em caixa e promove ganhos simbólicos que reforçam a imagem e o valor da marca.

Mercedes-Benz (1894-1915) por superalbertofilho

Deste modo, a Daimler AG criou duas instituições para preservarem a tradição do próprio nome: o ‘Museu Mercedes-Benz' e o ‘Mercedes-Benz Classic Center' - um centro de atendimento para venda de peças e carros antigos restaurados pela marca. Neste sentido Stuttgart, na Alemanha, é o porto de escala para os proprietários e potenciais compradores de automóveis clássicos da empresa em todo o mundo.
O museu fatura algo em torno de € 5 milhões por ano só com ingressos. Mas o maior lucro acontece com a venda de peças para os carros antigos: cerca de € 10 milhões por ano.

MERCEDES-BENZ CLASSIC CENTER

O departamento corporativo de veículos históricos da marca, o ‘Mercedes-Benz Classic Center’, oferece serviços para as marcas Benz, Daimler, Mercedes e Mercedes-Benz.
O Centro cuida de toda a frota histórica da empresa, composta atualmente por 700 raridades: 160 no museu, 80 em exposições ao redor do mundo e o restante dos carros na reserva - desde protótipos que nunca entraram em produção até alguns modelos mais recentes que, um dia, serão clássicos.
O espaço também recebe os clássicos de clientes do mundo todo - incluindo reis e sultões - respeitando os exigentes padrões de qualidade da marca. Cada carro conta sua própria história, e é isto que torna o restauro de carros antigos tão excitante para os funcionários do ‘Mercedes-Benz Classic Center’.

VÍDEO: MERCEDES-BENZ CLASSIC CENTER

Mercedes-Benz Classic Center por superalbertofilho

Na oficina trabalham 25 técnicos e artesãos que podem levar um ano para restaurar um veículo. Equipamentos de alta tecnologia e a especialização, assim como os recursos técnicos e o estoque de peças da Daimler AG, são a garantia de qualidade e originalidade. São mais de 50.000 peças de reposição, originais, armazenadas no Centro, e que podem ser adquiridas em qualquer concessionária Mercedes-Benz no mundo todo.
O centro também compra, restaura e vende modelos clássicos da marca. Seus especialistas oferecem consultoria competente e exaustiva à todos os potenciais compradores de Mercedes-Benz clássicos. Antes de serem oferecidos para venda no showroom, cada carro é verificado cuidadosamente na oficina do Classic Center.

VÍDEO: MERCEDES-BENZ CLASSIC CENTER – O PATRIMÔNIO

Mercedes-Benz Classic Center: o patrimônio por superalbertofilho

Todo esse valor histórico em torno da marca permitiu que, em algumas concessionárias na Alemanha, existam áreas dedicadas aos chamados “Young Classics” - carros à venda com cerca de 20 anos de idade, em perfeito estado de conservação, e valores em torno de € 25 mil.
O centro ainda oferece, além da extensa gama de modelos de carros, uma loja com acessórios, literatura e relógios, bem como a oportunidade de comemorar no cenário intemporal e elegante dos carros clássicos.

MERCEDES-BENZ MUSEUM

O Mercedes-Benz Classic Center também cuida das exposições para novo Museu Mercedes-Benz em Stuttgart, na Alemanha que, desde a sua inauguração, em 2006, já recebeu mais de 3,5 milhões de visitantes nos seus 16,5 mil metros quadrados.
O Museu conta com 1500 objetos expostos que mostram 120 anos da história da marca, incluíndo 160 veículos clássicos - desde o Benz Patent Wagen, o triciclo motorizado de 1886, que deu início à história do automóvel.

Benz Patent Wagen 1886 por superalbertofilho

Logo na entrada do edifício - uma obra-prima da arquitetura contemporânea em forma de espiral - um elevador leva os visitantes até ao nível superior do Museu, de onde duas rampas em forma de espiral descem pelos nove andares até retornar ao ponto de partida. O primeiro percurso relata a história da marca em ordem cronológica, e o segundo percurso mostra a enorme exposição de veículos da marca ao longo dos tempos. Além da história, o espaço também especula sobre o futuro do automóvel, com novas tecnologias e conceitos.
O museu ainda oferece uma loja com produtos da marca, uma arena externa, aberta, para eventos, e restaurantes internacionais, inclusive para jantares de gala.

VÍDEO: MERCEDES-BENZ MUSEUM

Mercedes-Benz Museum por superalbertofilho

ENXERGUE SUPER: ACREDITE NO CONHECIMENTO

2012-01-09T17:55:00.002-02:00

Há mais de 10 anos um vídeo, narrado pelo jornalista Pedro Bial, ficou famoso ao dar um conselho para uma vida melhor: use filtro solar (veja o vídeo no final da postagem). Mas a equipe da Revista Superinteressante (http://super.abril.com.br/ ) resolveu atualizar o conselho, e agora sugere: ouça o conhecimento científico.
No ano passado, a publicação lançou a campanha “Enxergue Super”, e propôs que as pessoas enxerguem o mundo com um olhar diferente do olhar comum, traduzindo a essência da revista e do site.

VIDEO: “ESQUEÇA O FILTRO SOLAR E ACREDITE NO CONHECIMENTO”

Esqueça o filtro solar e acredite no conhecimento por superalbertofilho

A primeira etapa da campanha foi o lançamento do curta-metragem “Esqueça o filtro solar e acredite no conhecimento”, que traz dicas para uma vida baseada na ciência, com 12 conselhos científicos para uma melhorar a qualidade de vida. Toda a campanha é baseada nesses 12 conselhos. Ao final da campanha, será lançada uma versão extra do vídeo com novos conselhos.
Segundo Edson Bottura, gerente do Núcleo Jovem da Abril, a campanha busca mostrar como a Superinteressante ajuda seus leitores a entender o mundo em que vivemos, separando a verdade do mito, o importante do irrelevante, o novo do velho.

Veja a ficha técnica do curta clicando aqui - http://www.publiabril.com.br/noticias/729

VIDEO: “FILTRO SOLAR” NA VOZ DE PEDRO BIAL

Filtro Solar por superalbertofilho

ARQUITETURA: "ORNAMENTO E CRIME", O MANIFESTO DE ADOLF LOOS

2012-01-07T13:28:00.003-02:00

Adolf Loos (1870 – 1933) foi um notável arquiteto de Brno, na República Checa. Introduziu um novo conceito em sua obra - o “Raumplan”, que desenvolve a planta em diferentes cotas. Através das variações de altura das divisões, bem como das proporções adotadas e das mudanças de materiais, é estabelecida uma hierarquia entre os diversos espaços; criam-se zonas dentro da casa, definindo também graus de intimidade de cada divisão.
Precursor da ‘nova objetividade’, polemizou com os modernistas que formavam a denominada Secessão de Viena e que representavam um ponto de vista antagônico ao do racionalismo arquitetônico.

Adolf Loos: Arquitetura por superalbertofilho

Em 1897, Loos deu início a uma série de artigos no ‘Neue Freie Presse’, de Viena, onde estabeleceu a sua reputação internacional. O arquiteto analisou uma vasta gama de males sociais, identificados como os fatores que motivam a luta por uma transformação da vida cotidiana - cada vez mais focados no excesso de decoração ‘tradicional vienense’ e nos produtos mais recentes da Secessão de Viena e da Werkstätte Wiener.
Em 1898, Loos publicou um ensaio que marcou o início de uma longa oposição teórica ao popular movimento ‘art nouveau’. Suas teorias culminaram em um curto ensaio intitulado "Ornamento e Crime", publicado em 1908.

Raiffeisenbank, 1909

Para ele, a falta de ornamento na arquitetura era um sinal de força espiritual, e considerava o ornamento penal por causa da economia do trabalho e do desperdício de materiais da civilização industrial moderna. Ele argumentou que, como ornamento já não era mais uma importante manifestação da cultura, o trabalhador dedicado à sua produção não poderia ter, pago, um preço justo pelo seu trabalho. O ensaio se tornou um manifesto teórico e um documento-chave na literatura modernista, e foi amplamente divulgado no exterior.

Villa Müller 1926

Loos foi recebido com entusiasmo pela vanguarda francesa. "Ornamento e Crime" foi traduzido em 1920 para a Esprit Nouveau, uma publicação editada por Le Corbusier, Dermee Paul, e Ozenfant. Apresentou regularmente no ‘d'Automne’, e se tornou o primeiro estrangeiro a ser eleito para o júri. Construiu algumas das suas obras mais significativas durante este período - A Casa Tzara em Paris (1926-1927), Moller Villa, em Viena (1928), Villa Muller (1930), Villa Winternitz em Praga (1931-1932) e o Khuner Country House, em Payerbach, na Áustria inferior. Monolítico na natureza, estas obras contrastavam fortemente com a arquitetura de vidro que dominou o estilo racionalista da década de 1920.
Para visualizar ou fazer o dowload do manifesto “Ornamento e Crime” – clique aqui

Adolf Loos: ornamento por superalbertofilho

Sua arquitetura é funcional, tem em conta as qualidades dos novos materiais ("Teoria do revestimento"). Para Loos, a arquitetura é diferente das artes aplicadas, é a mãe de todas elas, e só inclui nestas últimas aos cemitérios e aos monumentos comemorativos. O resto das tipologías arquitetônicas deverão ser funcionais, eliminando o ornamento. Ele mesmo financiou uma revista - “Dás Andere” (“O Outro”), onde expunha suas ideias.

Em 1912 fundou uma escola de arquitetura, que não chegou a ser oficializada, mas onde ensinou alguns arquitetos importantes, como Neutra ou Schindler. Durante alguns anos foi também professor da universidade parisiense da Sorbonne.

Casa de Josephine Baker, 1927

Em 1930, em seu sexagésimo aniversário, Adolf Loos foi oficialmente reconhecido como um mestre da arquitetura, e agraciado com uma renda anual, honorífica, pelo presidente da República da Checoslováquia. Seus ensaios foram publicados coletados no ano seguinte. Adolf Loos morreu em 23 de agosto de 1933 e foi enterrado sob uma lápide simples de seu próprio projeto. Sua contribuição mais significativa para a arquitetura continua seu discurso literário.

‘AUSSTELLUNG - DIE MACHT DES ORNAMENTS’

VÍDEO: ‘AUSSTELLUNG - DIE MACHT DES ORNAMENTS’

Ausstellung: Die Macht des Ornaments (Orangerie... por superalbertofilho

Em 2009 a cidade de Viena apresentou a exposição ‘Ausstellung - Die Macht des Ornaments’, no Orangerie - Unteres Belvedere.
Banido em 1908 por Adolf Loos e seu famoso ensaio “Ornamento e Crime", na última década a arte do ornamento foi re-estabelecida em formas geométricas, elementos florais, abstratos e caligráfico de sistemas de classificação, que servem como uma linguagem subversiva do questionamento da religião, da tradição e da identidade cultural.
A exposição no Orangerie desenha uma linha temporal, de Viena, que percorre desde a virada do século até o presente, apresentado obras de Gustav Klimt, Josef Hoffmann e Otto Carl Czeschka assim como obras de artistas contemporâneos da Áustria e da Alemanha (Adriana Czernin, Hahnenkamp, Brigitte Kowanz, Raimund Plested, Esther Stocker, Jörn Stoya), dos EUA e Grã-Bretanha (Sarah Morris, Philip Taaffe), Índia (Sakshi Gupta, Raqib Shaw, Hema Upadhyay), Paquistão (Aisha Khalid, Imran Qureshi, Rashid Rana), Líbano (Mona Hatoum) e Irã (Parastou Forouhar, Shirin Neshat, Monir Shahroudy Farmanfarmaian).

O CINÉMA VÉRITÉ DE CLAUDE LELOUCH: “C'ÉTAIT UN RENDEZ-VOUS”

2012-01-04T22:43:00.004-02:00

Em agosto de 1976 o cineasta francês Claude Lelouch adaptou uma câmera giroscópica no pára-choque de uma Ferrari 275 GTB e convidou um amigo - piloto profissional de Fórmula 1 - para fazer um trajeto no coração de Paris, no menor tempo possível. O resultado do projeto foi o curta-metragem “C'était un rendez-vous”, um exemplo do que se considera ‘cinéma vérité’, uma vez que é realizado em um único ângulo e sem edição. A duração da performance foi limitada ao tempo máximo de gravação permitido pela câmera - de 10 minutos.

VIDEO: C'ÉTAIT UN RENDEZ-VOUS

Crossing Paris por superalbertofilho

O piloto completou o percurso em menos de 9 minutos. Cálculos feitos por grupos independentes concluiram que o carro nunca passou de 140 km/h, mas Lelouch afirma que a velocidade máxima atingida pelo carro foi de 200 km/h.
O trajeto começa no túnel da Périphérique, vai em direção a Avenue Foch, e termina na Basílica do Sagrado Coração (Sacre Cœur), no bairro de Montmartre. Locais famosos como o Arco do Triunfo, o obelisco da Praça da Concórdia, e a avenida Champs-Élysées aparecem durante o trajeto. Lelouch não conseguiu permissão para interditar nenhum trecho do percurso.
O curta-metragem mostra um condutor guiando em alta velocidade pelas ruas de Paris, às 5:30 da manhã, avançando sinal vermelho, quase atropelando pedestres e entrando em ruas de mão única na contra-mão. Tudo ao som das altas rotações do motor, troca de marchas e cantadas de pneus.

O PERCURSO

Quando o filme foi exibido ao público pela primeira vez, Claude Lelouch foi preso e liberado logo depois, sem nenhuma punição. Ele mesmo reconheceu a afronta moral do filme e se disse preparado para os futuros problemas decorrentes do projeto. Mesmo assim o cineasta nunca revelou o nome do piloto que conduziu a Ferrari. As especulações da época consideraram os pilotos mais conhecidos da época, como Jacques Laffite, Jacky Ickx, Jean-Pierre Beltoise, Jean Ragnotti, Johnny Servoz-Gavin, dentre outros.
O filme foi proibido e passou a circular apenas na cena underground. Sua distribuição foi considerada uma ameaça - já que poderia incentivar os motoristas a dirigir perigosamente, mas a limitação de cópias conferiu ao filme o status de cult e reforçou a admiração dos aficcionados por carros devido aos abusos da condução. Décadas depois, com a crescente popularidade do filme - em 35mm, ele foi remasterizado e lançado em DVD.

Em 2006, trinta anos depois do lançamento do filme, o Lelouch revelou, em um ‘making of’, que o carro que carregou a câmera não foi a Ferrari 275GTB, como todos pensavam, mas sim uma Mercedes-Benz 450SEL 6.9; no entanto, a velocidade do carro parece não ter relação com o som reproduzido. Então, como já se especulava, o som utilizado seria um ‘overdub’ do 275GTB, dando a impressão de velocidades muito mais elevadas.

VIDEO: RENDEZ VOUS - MAKING OFF
30 anos despois, Claude Lelouch se põe ao volante do Mercedes original do curta "Rendez vous" para repetir o percurso original.

Rendez-vous Making off por superalbertofilho

Ao mesmo tempo, percebe-se claramente que um Mercedes, sedan, não faria curvas tão justas com uma suspensão tão macia. Também, o som do motor acompanha todos os movimentos - de aceleração, frenagem e curvas - com uma precisão muito difícil de ser reproduzido numa época em que não haviam computadores e nem softwares de simulação. Então, fica a dúvida se o cineasta fez estas declaraçõesa, 30 anos depois, a fim de promover o lançamento do DVD com uma polêmica ou queria ter o patrocínio da Ferrari. Eu continuo acreditando que o carro utilizado nas filmagens é a Ferrari e não o Mercedes.

DESIGN: O BUICK STREAMLINER 1948 DE NORMAN E. TIMBS

2012-01-02T17:14:00.007-02:00

O engenheiro mecânico Norman E. Timbs criou, em 1948, um ícone dos carros clássicos - o Buick Streamliner. O design de Timbs abandonou o estilo que dominava o design dos automóveis americanos naquela época (cromados excessivos e barbatanas traseiras), e buscou a exuberância em curvas longas, projetadas sobre uma carroceria de alumínio feita à mão. As formas eram minimalistas, com fluidez nas linhas e a ausência de portas.

O motor V8 de um Buick 1947, colocado na traseira, tem acesso com o acionamento hidráulico do painel traseiro – uma inovação. Sua localização empurra o cockpit para frente, conferindo originalidade ao design. A suspensão utilizada foi a de um Ford de 1947 modificada. Este conjunto de fatores causa impacto na condução do carro, assim como para quem o vê passar.

Norman trabalhou durante mais de 2 anos no projeto de construção deste clássico, onde investiu U$10,000. Quando o projeto foi concluído em 1948, o Buick Streamliner foi usado apenas para o circuito de exposições. Em 1952 o californiano Jim Davis comprou o carro e passou a exibi-lo por Manhattan Beach. Estas foram as últimas coordenadas do Buick Streamliner em quase meio século.

Em 2002 a criação de Timbs foi encontrada no deserto, praticamente intocada. Então o clássico foi à leilão e arrematado pelo casal Gary e Diane Cerveny de Malibu, na Califórnia. A restauração – completa e fiel - foi realizada por Dave Crouse da Custom Inc. em Loveland, no Colorado. O clássico reapareceu no Amelia Island Concours d'Elegance de 2010, concorrendo na categoria Motor Trend Cover Cars, mas não venceu.

Buick Streamliner 1948 no Concours d'Elegance de... por superalbertofilho

‘SUMMER OF LOVE’: O VERÃO DO AMOR DE 1967

2011-12-22T11:34:00.003-02:00

O verão de 1967, conhecido como ‘Summer of Love’, foi um acontecimento que mudou o Mundo. O evento teve origem numa passeata pela paz no dia 18 de abril de 1967, em Nova York, e reuniu centenas de milhares de participantes - a maior manifestação popular realizada nos Estados Unidos, até então.

A marcha pela paz em NYC, 1967 por superalbertofilho

O movimento contou com a participação de intelectuais, astros da música, Hippies, professores e pessoas da classe média, para protestar contra a Guerra do Vietnã. Entre eles estava o líder do movimento pelos direitos civis, Martin Luther King Junior.

Anti-Vietnam War Movement Documentary por superalbertofilho

Ao mesmo tempo, emergiam novos referenciais. Conceitos como paz, amor, liberdade sexual, maconha, LSD, underground e contracultura, começaram a antagonizar aos da Guerra do Vietnã, materialismo, consumismo, individualismo. Comunidades hippies surgiam em todo lugar: Nova York, Seattle, Atlanta, Los Angeles, Chicago, Vancouver, no Canadá, e através da Europa - contribuindo fundamentalmente para o movimento contracultural que se estabelecia nos Estados Unidos e na Europa.

Griffith Park em Los Angeles no Summer of Love... por superalbertofilho

Mas o epicentro de maior destaque dessa transformação aconteceu no distrito de Haight-Ashbury, em San Francisco – que passou a ser considerada a capital dos hippies, onde milhares de jovens estabeleceram residência temporária e se expressaram através da música, das drogas e da prática do amor livre.

San Francisco no Summer of Love em 1967 por superalbertofilho

O ‘Verão do Amor’ é considerado uma nova experiência social. A oposição à guerra inspirou estilos de vida "alternativos", numa nova era onde as pessoas ‘fariam amor, não guerra’. A geração dos hippies foi única em todos os sentidos. Eles contestavam questões como o meio ambiente, racismo, pobreza, e consumismo.

Teaser do The Summer Of Love: One Summer Dream por superalbertofilho

Tudo começou em janeiro de 1967, quando aconteceu a reunião ‘World’s First Human Be-In’ no Golden Gate Park, em San Francisco, que reuniu cerca de 20 mil jovens cantando, dançando, e cobertos de flores, colares e pulseiras de contas.
A partir de então, a cidade passou a esperar a chegada de 100 mil hippies para o verão de 1967, chamado ‘Summer of Love’, o verão do amor. Vieram 200 mil. A Comissão de Parques precisou liberar áreas em torno de Haight-Ashbury para acampamento.

World’s First Human Be-In, 1967 por superalbertofilho

O ano de 1967 também foi o mais importante da História da Música dos anos 60. A música “San Francisco” (Be Sure to Wear Flowers in Your Hair), lançada em junho de 1967 para promover o Festival Pop de Monterey, foi o hino desse Verão e ficaria para sempre associado a essa época como um símbolo fundamental. “Se você for a S. Francisco, não deixe de colocar flores em seus cabelos”, dizia a canção escrita por John Phillips, da banda ‘Mamas and The Papas’, cantada por Scott Mackenzie.
Na Europa Central, os jovens adotaram "San Francisco" como um hino à liberdade, e foi amplamente tocada durante revolta da Primavera de Praga na Checoslováquia, em 1968, contra o domínio soviético.

“San Francisco” (Be Sure to Wear Flowers in Your... por superalbertofilho

O Festival Pop de Monterey, realizado na Califórnia em Julho, foi uma espécie de introdução desse extraordinário verão – o ‘Summer of Love’, onde atuaram gratuitamente (com exceção de Ravi Shankar, que cobrou três mil dólares para tocar sua cítara) músicos como Jimi Hendrix, Janis Joplin - ainda com os Big Brother and the Holding Company -, Otis Redding, os Mamas and Papas, The Who e vários outros.

Ao mesmo tempo, os discos mais memoráveis eram lançados no mundo, criando o conhecido ‘ano da música’: foi o ano do lançamento do álbum de estréia do The Doors, The Velvet Underground, David Bowie e Jimi Hendrix, além do primeiro álbum de nível internacional dos Bee Gees. Também foi o ano em que surgiram bandas como Creedence Clearwater Revival e Genesis.
O disco Sgt. Peppers Lonely Heart Club Band (Beatles, 1967), contribuiu muito para o movimento do ‘Summer of Love’: elevou o rock à categoria de arte e chocou a paisagem musical.

Monterey Pop Festival, 1967 por superalbertofilho

Fatos curiosos: em 31 de março de 1967, Jimi Hendrix incendiou sua guitarra em público pela primeira vez e sofreu queimaduras nas mãos. A performance se tornaria sua marca nos shows. Em 25 de junho, os Beatles apresentam "All You Need Is Love" no especial ‘Our World’, que foi a primeira transmissão de TV ao vivo para o mundo inteiro. Na apresentação participaram Eric Clapton, membros dos Rolling Stones e The Who. Em 9 de novembro, Rolling Stone Magazine publica sua primeira edição. Em agosto, morreu o empresário Brian Epstein, um fator importante na futura separação dos Beatles.

HIPPIES

Os Hippies, junto com a Nova Esquerda e o Movimento dos Direitos Civis, foram o tripé daquilo que surgiu como Contracultura. A palavra ‘Hippies’, foi publicada pela 1ª vez no artigo “A New Haven For Beatniks”, de 5 de setembro de 1965, assinado pelo jornalista Michael Fallon em San Francisco. No texto ele usou o termo hippie para se referir à nova geração de beatniks que se mudou de North Beach para o distrito de Haight-Ashbury, em S. Francisco. Mas o termo foi massificado pela mídia a partir de 1967, depois que o colunista Herb Caen, do “San Francisco Chronicle”, passou a se referir aos hippies, diariamente.

A contracultura nos anos 60 por superalbertofilho

Por causa da educação mais liberal, que estimulou a expressividade crítica, ocorreu um posicionamento contra o stablishment e os hippies pregavam a favor do paganismo, religiões e filosofias orientais, liberação sexual, LSD, expansão de consciência, vida em comunidades, paz, amor e liberdade pessoal. A cultura hippie era mais comportamental que musical, mesmo assim influenciaram a música nos EUA e na Europa, com a fusão de rock, folk, blues e rock psicodélico.

Cabelos e barbas compridos eram considerados uma associação à contracultura. A língua oficial era o rock. E mesmo o movimento sendo caracterizado pela busca da paz, não recuava diante da opressão e da injustiça.

Os Hippies (1967) por superalbertofilho

Em San Francisco, surgiu o entorno da esquina da Haight com Ashbury, um reduto negro que foi redecorado com cores psicodélicas, artigos orientais, muito incenso e LSD. Vida comunitária, amor livre, culto à natureza, religiões orientais, astrologia, tarô. Nascia o psicodelismo.

A cultura das drogas nos anos 1960 por superalbertofilho

A exploração turística foi tão grande que, a partir desse evento, os hippies deixaram Haight-Ashbury, e foram viver em comunidades rurais alternativas. Passaram a produzir mercadorias naturais e artesanais, que logo foi engolido pelo sistema, que percebeu o potencial comercial desses produtos com grande apelo conceitual, natural. Então a indústria se adapta e também muda.

O espírito criativo e positivo iniciado em 1961 começou a desaparecer com a visão da Guerra do Vietnã, os assassinatos de John e Robert Kennedy, e de Martin Luther King. O Movimento Hippie colaborou com aspectos inovadores, criativos e humanizadores, e deixou marcas para o futuro: Amor Livre; Vida em comunidade; Negação de todas as regras do capitalismo; Decisões em conjunto; Agricultura de subsistência; Troca solidária; Moda: Roupas brilhantes de inspiração indiana, estampas inspiradas em motivos psicodélicos; Valores religiosos com influência oriental; Pacifismo; Bases do Movimento Ambientalista.

A tentação Hippie - Documentário de 1967 por superalbertofilho

Saiba mais sobre os Hippies no blog Psicodelia Brasileira

NOTA DE FALECIMENTO: KIM JONG-IL

2011-12-20T15:09:00.004-02:00

O líder da Coreia do Norte, Kim Jong-Il, faleceu no sábado (17), às 8h30 (horário local), vítima de um ataque cardíaco. A notícia foi divulgada na segunda-feira (19) pela televisão estatal do país comunista - KCTV e pela agência de notícias sul-coreana Yonhap.
A KCTV informou que Kim "morreu de um grande esforço mental e físico" durante uma viagem de trem. "Nosso querido líder Kim Jong-il morreu no sábado -17, às oito e meia da manhã, enquanto viajava para realizar suas funções de liderança", disse, entre lágrimas e com traje de luto, a apresentadora do canal norte-coreano.

VÍDEO: KIM JONG-IL, LÍDER DA COREIA DO NORTE, MORRE APÓS 17 ANOS NO PODER

Kim Jong-il, líder da Coreia do Norte, morre... por superalbertofilho

KIM JONG-UM

A Agência Central de Imprensa Coreana (KCNA), canal privilegiado do regime comunista, pediu à população que reconheça o filho mais novo de Kim Jong-Il, Kim Jong-Um, como sucessor na chefia do Estado norte-coreano. "Todos os membros do Partido (dos Trabalhadores), os militares e o povo devem seguir fielmente a autoridade do camarada Kim Jong-Un e proteger e reforçar a frente unida do partido, do Exército e da cidadania", afirma uma nota da KCNA.
Kim Jong-un, foi apontado pela agência estatal de notícias como "grande sucessor" de seu pai na liderança da Coreia do Norte.
"Temos que transformar esta tristeza em valor sob a direção de Kim Jong-un e temos que lutar para que a grande revolução tenha êxito neste momento difícil". "O comando de Kim Jong-un é seguro e definitivo para cumprir a revolução e a brilhante sucessão", conclui o escritório da KCNA.

Até agora, porém, pouco se sabe sobre o filho mais novo de Kim Jong-il. As atenções estavam concentradas no seu meio-irmão Kim Jong-nam e em outro irmão, Kim Jong-chol, ambos mais velhos que ele. Mas no último ano Kim Jong-un já havia sido nomeado general de quatro estrelas e vice-presidente da Comissão Militar Central do Partido dos Trabalhadores. Analistas da situação apontam as nomeações como um possível sinal de que ele estaria sendo preparado para o lugar de Kim Jong-il.
A Comissão Nacional de Defesa da Coreia do Norte é o mais importante órgão do governo do país, e Kim Jong-il era o presidente dessa comissão.

VIDEO: KIM JONG-UN ESTÁ PREPARADO PARA LIDERAR?

Kim Jong-un está preparado para liderar? por superalbertofilho

O que se sabe é que ele foi educado na Suíça, assim como seus irmãos, mas teria evitado influências ocidentais, jantando fora apenas com o embaixador do seu país e voltando para a Coreia do Norte quando não tinha aulas. Desde que voltou para Pyongyang teria frequentado a Universidade Militar Kim Il-sung.
Já foram lançados poemas e uma música (chamada Pegadas), compostos especialmente para promover as virtudes de Kim Jong-un como líder.
Cerca de 10 milhões de retratos dele estariam sendo preparados para distribuição entre os norte-coreanos, junto com retratos de Kim Jong-il.

17 ANOS NO PODER

Kim Jong-il estava à frente da dinastia comunista hereditária da Coréia do Norte há 17 anos. Herdou a liderança do Estado em 1994, após a morte do seu pai Kim Il-Sung, fundador da República Democrática da Coreia do Norte, instaurando assim a primeira dinastia comunista da história, onde impera o culto à personalidade, a censura, as execuções e as prisões arbitrárias.

Logo depois que Kim Jong-il assumiu o poder, o país enfrentou um período de muita fome por causa de reformas econômicas que fracassaram e das lavouras que produziram pouco. Com isso, estima-se que dois milhões de pessoas tenham morrido.
O regime do líder norte-coreano foi muito criticado por abusos dos direitos humanos e permaneceu isolado devido ao seu programa de armas nucleares.
Durante o governo de Kim Jong-il os recursos do país foram voltados para os militares e, em 2006, a Coreia do Norte realizou seu primeiro teste nuclear. Três anos depois, o país realizou o segundo teste.

VÍDEO: PARADA DO EXÉRCITO NORTE-COREANO NAS COMEMORAÇÕES DE 75 ANOS

Parada do exército norte-coreano nas... por superalbertofilho

Negociações envolvendo vários países para desarmar a Coreia do Norte estão paradas há meses.
Desde a apoplexia sofrida em 2008, suas aparições públicas foram poucas e sua figura refletia, cada vez mais, uma aparência frágil e decrépita.
Este ano, o líder norte-coreano tinha viajado em maio em seu trem blindado à China, principal aliado da Coreia do Norte, e em agosto também usou o mesmo meio de transporte para ir ao extremo oriente da Federação Russa.

FUNERAL

O funeral do líder norte-coreano será realizado em Pyongyang no dia 28 de dezembro (quarta-feira), informou a agência do regime comunista - KCNA. O filho mais novo do líder norte-coreano presidirá o funeral de seu pai, e o país permanecerá de luto até um dia depois, 29 (quinta).

VIDEO: PRIMEIRAS IMAGENS DO FUNERAL DE KIM JONG-IL

Primeiras imagens do funeral de Kim Jong-Il por superalbertofilho

A KCTV informou que o corpo do ditador Kim Jong-il pode ser enterrado no Palácio Memorial de Kumsusan, onde também fica o mausoléu de Kim Il-sung, e é um dos principais pontos de visita da Coreia do Norte. Esta informação foi confirmada pela KCNA

REAÇÕES PELO MUNDO

O anúncio da morte despertou alertas na região e em todo o mundo. Os presidentes dos Estados Unidos e da Coreia do Sul, Barack Obama e Lee Myung-Bak, conversaram por telefone e concordaram em reforçar a cooperação em termos de segurança.

O presidente da Coreia do Sul pediu a seus cidadãos que mantivessem a calma após o impacto provocado pelo anúncio da morte do ditador norte-coreano. O Exército da Coreia do Sul declarou um alerta e o governo sul-coreano aumentou a vigilância ao longo da fronteira norte-coreana junto com as Forças Combinadas da Coréia do Sul e dos Estados Unidos, embora não tenham sido observadas atividades incomuns.
Coreia do Sul e Coreia do Norte continuam tecnicamente em guerra desde o conflito de três anos entre os dois países, que acabou com um armistício em 1953.

O governo japonês também convocou uma reunião do gabinente de segurança e expressou condolências pela morte de Kim, um ato inesperado pelas relações tensas entre os dois países.

As Bolsas de Seul e Tóquio registraram baixas expressivas na segunda-feira após o anúncio da morte de Kim Jong-Il. Em Seul, o índice KOSPI perdeu 3,43%, a 1.776,93 pontos, em consequência da incerteza sobre o futuro do vizinho Estado comunista, que possui armamento nuclear. Em Tóquio, a queda foi de 1,26%. O índice Nikkei cedeu de 105,60 pontos, a 8.296,12 unidades.

A Casa Branca pediu, na segunda-feira, ao novo governo da Coreia do Norte que cumpra com seus compromissos na área nuclear, após a morte do líder Kim Jong-Il.

VÍDEO: O MUNDO REAGE À MORTE DO DITADOR DA COREIA DO NORTE

O Mundo reage à morte do ditador da Coreia do... por superalbertofilho

A China, um dos raros aliados da Coreia do Norte, apresentou nesta segunda-feira "profundas condolências" pela morte do dirigente norte-coreano Kim Jong-Il. Analistas consideram que a morte de Kim Jong-Il preocupa os dirigentes chineses, que estão obcecados com a estabilidade e provavelmente temem que Kim Jong-Un não tenha tempo suficiente para controlar o governo e os militares.

O governo de Cuba decretou 72 horas de luto oficial a partir de terça-feira (20) em homenagem ao líder da Coreia de Norte. Ainda, durante o luto oficial, a bandeira cubana "será hasteada a meio mastro nos prédios públicos e instituições militares".
O opositor cubano Elizardo Sánchez, que dirige a ilegal Comissão Cubana de Direitos Humanos e Reconciliação Nacional, expressou aos jornalistas sua esperança que "não aconteça na ilha um esquema de dinastia" como na Coreia do Norte.
Em 2006, os Estados Unidos denunciaram que, em Cuba, se estava tentando impor uma "sucessão dinástica" depois que o então presidente Fidel Castro, muito doente, passou o poder para seu irmão, Raúl.

DOCUMENTÁRIO: “A HISTÓRIA SECRETA DA OBSOLESCENCIA PROGRAMADA ”

2011-12-17T12:37:00.001-02:00

"O mundo é grande o suficiente para atender às necessidades de todos, mas sempre demasiado pequeno, para a ganância de alguns." (Mahatma Gandhi)

Baterias que "morrem" 18 meses depois de lançadas, impressoras que bloqueiam a impressão após um determinado número de impressões, lâmpadas que queimam em mil horas ... Por quê, apesar dos avanços em tecnologia, produtos de consumo duram cada vez menos?

Filmado na Catalunha, França, Alemanha, EUA e Gana, "Obsolescência programada" faz uma viagem através da história de uma prática empresarial que envolve a redução deliberada da vida de produtos para aumentar seu consumo.
Segundo o documentário, seria possível fabricar lâmpadas baratas que durassem 10 anos, geladeiras p/ durar 25 anos ou carros para rodar 1 milhão de km. Assim, seria possível gastar muito menos com o consumo de produtos industrializados. Mas como foi publicado em 1928, em uma influente revista de publicidade dos EUA: "Um artigo que não se desgasta é uma tragédia para os negócios."

VÍDEO: ‘OBSOLESCÊNCIA PROGRAMADA’ – O DOCUMENTÁRIO COMPLETO E LEGENDADO

O documentário, dirigido por Cosima Dannoritzer e co-produzido pela TV Espanhola, é o resultado de 3 anos de pesquisas, faz uso de imagens de arquivos pouco conhecidos, fornece provas documentais e mostra as desastrosas consequências ambientais decorrentes dessa prática.
Apresenta também diversos exemplos do espírito de resistência que está crescendo entre os consumidores e inclui a análise e opinião de economistas, designers e intelectuais que propõem alternativas para salvar o meio ambiente e a economia.
Existe hoje um crescente movimento para se consumir menos, gastar menos, jogar fora tudo o que nos escraviza nessa roda viva de consumo - a primeira coisa a fazer é livrar-se da TV, a principal ferramenta de ‘programação cerebral’ usada pelas corporações. Ainda, consumir menos, adquirir só o necessário, boicotar as industrias, as corporações.

UMA LÂMPADA NA ORIGEM DA OBSOLESCÊNCIA PROGRAMADA

Edison produziu sua primeira lâmpada em 1881. Durou 1.500 horas. Em 1911, um anúncio na imprensa espanhola destacou os benefícios de uma marca de lâmpadas com um certificado de vida de 2500 horas. Mas como revela o documentário, em 1924, um cartel que reúne os principais fabricantes na Europa e os Estados Unidos negociaram para limitar a vida útil de uma lâmpada para 1000 horas. O cartel foi chamado PHOEBUS e oficialmente nunca existiu, mas o documentário mostra o documento que é o ponto de partida do conceito de "obsolescência programada", que hoje é aplicado na última geração de produtos eletrônicos, como impressoras e iPods e que tem sido aplicado também na indústria têxtil.

AFRICA A LATA DE LIXO ELETRÔNICO DO MUNDO

Esse descarte constante tem graves consequências ambientais. Países como o Gana, na Africa, estão se tornando o LIXÃO do primeiro mundo eletrônico. Periodicamente, desembarcam na África e outras regiões do 3.o mundo (inclusive Brasil) centenas de contêineres cheios de resíduos, sob o rótulo de "material de segunda mão", com a desculpa de ser uma contribuição para reduzir o atraso digital dessas regiões subdesenvolvidas.
Eventualmente essas toneladas de "aparelhos de 2a. mão" que são na verdade lixo industrial toxico acabam em rios ou campos onde crianças brincam.

CONSUMIDORES REBELDES NA INTERNET

Ao longo da história da ‘duração programada’, o filme desenha também um quadro da história da economia nos últimos cem anos e aponta um fato interessante: a mudança de atitude nos consumidores através do uso de redes sociais e da Internet.

Além da denúncia, o documentário mostra empresários que estão implementando novos modelos de negócio e ouve as alternativas propostas por intelectuais como Serge Latouche , que propõe a revolução do “decrescimento e a redução do consumo para liberar tempo e desenvolver uma nova forma de riqueza, como a amizade e o relacionamento com outros seres humanos, que são coisas que não se desgastam com o uso.”

ANKOKU BUTOH (BUTÔ): A DANÇA DAS TREVAS

2011-12-14T00:56:00.002-02:00

O Japão do pós-guerra era indignação e dor, e um estilo de dança refletiu as feridas e a decadência dessa sociedade: o Butoh, ou Butô. A dança foi rejeitada em seu próprio país, mas ganhou o mundo com sua estética impressionante e temas polêmicos. Ficou conhecida como a “dança das trevas”.
O butô nasceu no ambiente da vanguarda japonesa, em fins da década de 1950, num contexto sociocultural marcado pela 'invasão' ocidental. Suas apresentações tocam temas como o nascimento, a morte, o inconsciente, a sexualidade, o grotesco.

Numa época atormentada entre o progresso e a tradição de antes da invasão ocidental, o butô questiona o corpo como um instrumento e o afirma como um processo, como condição da existência de um corpo em crise, que tenta dissipar os sedimentos acumulados. Sua matéria prima é a imperfeição e a precariedade humanas. Com esse conteúdo crítico, o butô vai agitar a apatia reinante nos meios artísticos e marcar os pontos de reflexão sobre a vida e a identidade do corpo cultural.

O Butô recupera a vitalidade e a força de um corpo domesticado pelas atividades cotidianas e esmagado pelas regras estabelecidas. O desenho de cada gesto é simbólico e estimula idéias, associações e emoções, tramando uma visibilidade. O corpo é o veículo de expressão dos elementos vitais: terra, água, fogo e ar. A dança realizada por esse corpo começa no coração, que em japonês é pensante.

Os ideogramas da palavra butoh dão idéia da teatralidade da dança, que até hoje não consta dos calendários oficiais como uma arte típica japonesa. O ideograma “bu” evoca as danças xamânicas, movimentos vibratórios dos corpos dos xamãs em transe, para provocar chuva. O caractere “toh” simboliza o fato de pisar a terra, em chamar para si as forças dos espíritos da terra ou ainda a vontade de sacudir, acordar ou abalar o mundo.
Seus dançarinos quase não usam vestimentas, para eles o corpo veste a alma. E é através da alma, das emoções e da vivência, que se forma a dança. A maquiagem melancólica, o branco sobre todo o corpo, faz com que os músculos sejam realçados, e suas formas expressivas delineadas em movimentos essenciais.

TATSUMI HIJIKATA

Criada por Tatsumi Hijikata (1928-1986), a dança Butô surgiu das ações teatrais, performáticas, que ele desenvolveu na década de 40, durante a invasão cultural por parte do ocidente. Foi em bares, boates, cabarés e pelas ruas do submundo de Tóquio que, nos anos 60, Hijikata dava início a essa nova forma de expressão, considerada marginal, chamada de Ankoku Butoh - dança das trevas. Hoje simplesmente Butô.
Essa forma de expressão, nascida literalmente na sarjeta, retomou tradições antigas do Japão, técnicas de dança ocidental e, antes de tudo, a idéia quase esquecida de que o dançarino não dança para si, mas para reviver algo muito maior.

'A Girl', Tatsumi Hijikata por superalbertofilho

O butô trilha um caminho que tenta romper com o enfrentamento de si e se entrega à força do corpo próprio. É uma busca pelo reencontro com um corpo perdido, um corpo que deseja ser ele mesmo, não mais rejeitado e saqueado.
O próprio Hijikata se referiu a esse encontro com o corpo. Nas suas palavras:
“Não estou em busca da superficialidade entre as pessoas. Prefiro ir fundo dentro da pessoa, me perder no seu corpo e assim encontrar com seu corpo e sua alma. Eu poderia, por exemplo, desmascará-lo dizendo- lhes: seus olhos são terríveis, você que sempre viveu, assim como todo mundo, e isso é porque você esteve sempre tão alienado da sua carne e do seu sangue”.

Butah, Tatsumi Hijikata por superalbertofilho

KAZUO OHNO

Além de Hikijata, outro mestre máximo do butô é Kazuo Ohno (1906-2010), uma lenda dessa arte que celebrizou a dança da luz - uma contraposição a dança das trevas.
Seu encontro com Tatsumi Hijikata - fundador do butô - e as influências da dança moderna levaram Ohno a popularizar o estilo. Minimalista, Ohno sempre se apresentava vestido de mulher. Entre seus trabalhos mais famosos estão os espetáculos "Dead Sea", "Ka Cho Fu Getsu", "My Mother" e "Water Lilies".

Kazuo Ohno por superalbertofilho

Nascido na ilha de Hokkaido em 1906, Ohno entrou para o estúdio de dança comandado por Baku Ishii em 1933. Depois de uma pausa de nove anos nas atividades durante a Segunda Guerra Mundial, em que serviu na China e na Nova Guiné e foi prisioneiro de guerra, Ohno fez sua primeira apresentação na capital japonesa em 1949, aos 43 anos.
De acordo com palavras do próprio Ohno, “Butô é uma das mais arrojadas formas de dança contemporânea, única do Japão. Expressa ao mesmo tempo tantas idéias diferentes que é impossível defini-la. Ela somente choca e surpreende”.
Ele busca no inconsciente comum a todo homem, oriental ou não, a beleza e a decrepitude, a simplicidade e a complexidade, o cômico e o trágico.

Kazuo Ohno: 'Mother' por superalbertofilho

Ohno se interroga sobre o que são os olhos para o corpo e afirma que eles não estão apenas olhando o mundo exterior, mas sim o próprio corpo. São olhos que “sabem olhar através do corpo”. O olho, portanto, no butô, não só está no rosto, mas pode estar no centro da cabeça, no meio do pé, nas costas ou na sola dos pés.

Kazuo Ohno aos 96 anos, Tokyo 2002 por superalbertofilho

Em 2001, aos 95 anos, Ohno ainda arrebatava platéias com suas coreografias que pretendiam revelar “as formas da alma”.
“A minha dança é a reza para a vida. O que me faz dançar é o sofrimento que eu carrego dentro do meu coração. A vida e a morte são inseparáveis, estão juntas dentro de mim enquanto eu danço, a vida é a reza, a fé e a dança é também a mesma coisa”, define Kazuo Ohno.

O corpo na dança butô é ambíguo e revela o obscuro e o luminoso na nossa natureza.
É um corpo mutante, que se metamorfoseia. É um corpo em processo, que admite a sobreposição da vida e da morte, do nascimento e do envelhecimento, admite uma contingência caótica, a possibilidade de criação incessante, um corpo sempre aberto, inacabado. A dor do corpo morto é um tema central quando nos referimos ao butô e conduz à inovação de cada instante, pois a morte é necessária e fundamental para que a vida possa florescer, para que possamos renascer.

Akaji Maro, criador da primeira companhia de dança butô, assim se refere ao corpo morto: “Primeiro, você precisa matar seu corpo para construir um corpo como uma ficção maior. E você poderá ser livre naquele momento”. O corpo morto é capaz de desvendar outras possibilidades para o corpo que dança, gerando novos tipos de organização. Degradar o corpo para experimentar outras formas. Tentar esvaziá-lo e libertá-lo dos automatismos que nele se sedimentam, torna-se dessa forma uma busca constante desse corpo, quando nos referimos à dança butô.

Todo o período de experimentação, que fez o próprio Hijikata e os dançarinos que com ele trabalharam, ultrapassar seus limites, tinha como objetivo testar a possibilidade de ir além dos registros habituais da consciência. O corpo morto parecia capaz de abrigar novos começos. Fazer renascer o corpo. Viver outras vidas. Carregá-las o tempo todo no corpo.

A dança butô revela um corpo que pode “ver com a pele, respirar com o ventre”. Nesse sentido, o interior do corpo permanece vedado ao órgão da visão, aberto por uma faculdade do “sentir”, de um território incomum, de estados singulares de percepção.
Os olhos na dança butô podem ser um exemplo bastante interessante para pensarmos nessa possibilidade de deslocamento e amplificação de um corpo que se refaz o tempo todo, descolonizando-se e recolonizando-se em fluxos contínuos de intensidade, numa criação sempre móvel.

SANKAI JUKU

Sankai Juku-Butoh dance por superalbertofilho

Outro dos principais herdeiros da tradição do mestre Hikijata, o Butô, é o Sankai Juku, grupo criado em 1975. O nome Sankai Juku significa “oficina da montanha e do mar”, uma referência aos dois elementos característicos da geografia japonesa. A companhia já esteve no Brasil com a peça Unetsu -Ovos em Pé por Curiosidade e Kagemi -Além das Metáforas de Espelho.

Sankai Juku - TOKI por superalbertofilho

No Brasil
Além do grupo Sankai Juku, o mestre Kazuo Ohno já veio ao Brasil por três vezes (1986, 1992 e 1997), assim como Natsu Nakajima, Anzu Furukawa, Ko Murobushi, Min Tanaka, Carlotta Ikeda e sua Cia. a Ariadone, também já se apresentaram por aqui.

SABURO TESHIGAWARA

Como a arte também está em evolução, Saburo Teshigawara, difundiu para o ocidente o pós-Butô, assim como ele se define na sua coreografia. Ele nasceu em Tóquio em 1953 e é o mais importante coreógrafo japonês contemporâneo. Iniciou sua carreira em 1981, após sua formação em artes plásticas e dança clássica.

Saburo Teshigawara por superalbertofilho

Gozando de um prestígio significativo no mundo da dança, é convidado para os principais palcos mundiais com a sua companhia Karas (que significa «corvo», um pássaro benéfico na cultura japonesa), que fundou com Kei Myata em 1985.
Paralelamente ao seu trabalho solo e às suas atividades com a companhia, Teshigawara destaca-se no cenário da dança como coreógrafo e diretor. Com sua sensibilidade refinada para escultura e seu grande talento para composição coreográfica, uso do espaço e precisão de movimento, elaborou um universo distinto e único na dança contemporânea. Ele cria a sua própria linguagem, resolutamente inovador e baseado numa investigação permanente sobre a liberdade.

Assista a um trecho do espetáculo "Glass Tooth", onde ele dança sobre pedaços de vidro que simbolizam fragmentos do tempo.

'Glass Tooth' - Saburo Teshigawara por superalbertofilho

Projeto IrRadiando - Oficina de Imagens

2011-12-12T11:19:00.000-02:00

O projeto IrRadiando, executado pela ONG mineira Oficina de Imagens, desenvolve oficinas voltadas para adolescentes, jovens comunicadores e atores envolvidos com o sistema de garantias dos Direitos da Criança e do Adolescente no norte de Minas e nos Vales do Jequitinhonha e Mucuri.
O objetivo é capacitar jovens para a produção crítica de comunicação em rádio e vídeo, e disseminar os princípios do Estatuto da Criança e do Adolescente – tornando a comunicação uma ferramenta de cidadania.
Para isso, conta com uma uma unidade móvel, com estúdio de vídeo e rádio, para viajar pelo interior de Minas oferecendo três opções de oficina para as cidades participantes: rádio e vídeo para os jovens, e Comunicação e Direitos para adultos ligados ao tema da infância e adolescência (assistência social) - que discutem o Estatuto da Criança e do Adolescente, e a confluência entre comunicação e mobilização social na ampliação da cidadania.
Todos os municípios participantes recebem câmeras de vídeo e gravadores de áudio para dar continuidade à produção de rádio e vídeo desenvolvido nas oficinas. O contato com a equipe do IrRadiando acontece pelo site dos Jovens Comunicadores do Semi-árido.

Projeto IrRadiando - bloco 1 por superalbertofilho

Este programa especial, Jogo de Ideias, foi gravado em Padre Paraíso, no Vale do Jequitinhonha, e contou com a direção de fotografia de Beto Magalhães, produtor e diretor de filmes e documentários consagrados.

Projeto IrRadiando - bloco 2 por superalbertofilho

O programa conta com os depoimentos do coordenador do projeto Irradiando, Bruno Vilela; do educador, Bernardo Brant; do também educador e coordenador das oficinas de audiovisual, Victor Santos; de Carlos Jáuregui "Bolívia", coordenador das oficinas de rádio do projeto e de vários jovens que participaram das atividades.

METROPOLITAN MUSEUM LANÇA WEBSITE COM MAIS DE 340 MIL OBRAS DE ARTE

2011-12-09T12:04:00.001-02:00

O Metropolitan Museum de Nova York relançou seu website com ampliações e remodelações que incluem o acesso completo a mais de 340 mil obras de arte da coleção do museu.
Com um design novo e simplificado, o site traz informações completas e recursos multimídias sobre as exposições e galerias do museu, além de um design que facilita a visualização do vasto conjunto de imagens e recursos apresentados.
O site apresenta ainda a visão das quase 400 galerias do museu, com descrição e fotografias, além das obras de destaque de cada uma delas e links para conteúdos relacionados. Há ainda à disposição do internatua muitas imagens em alta resolução com possibilidades de zoom, permitindo a sua exploração detalhada.

VIDEO: DOCUMENTÁRIO COMPLETO SOBRE O NY METROPOLITAN MUSEUM

O Metropolitan Museum de Nova York por superalbertofilho

ARQUITETURA ALTERNATIVA: VILA DE CONTÊINERES

2011-12-07T12:03:00.001-02:00

Em 1937, o americano Malcom McLean inventou grandes caixas de aço para armazenar e transportar fardos de algodão: os contêineres, essenciais para o comércio na economia globalizada. E hoje, até se vive dentro de um.
Na cidade de Amsterdã, capital da Holanda, fica a maior vila de contêineres do mundo – a Keetwonen Student Housing, com aproximadamente 1 000 apartamentos de metal.

Estudantes de Amsterdã se mudam para containers por superalbertofilho

A vila foi construída para atender à demanda por alojamentos estudantis na cidade. Os contêineres foram comprados na China, onde passaram por uma reforma e ganharam os equipamentos básicos de um apartamento, como pia, banheiro, aquecedor e isolamento acústico. Eles foram levados de navio para a Holanda e empilhados com guindastes até formar um prédio de 5 andares, inaugurado em 2006, e hoje abriga estudantes.

Keetwonen new housing project por superalbertofilho

Os contêineres são pequenos, o prédio não tem elevador e o aluguel custa 320 euros por mês - barato para os padrões de Amsterdã, ninguém reclama.
O sucesso foi tão grande que a empresa responsável pelo projeto já construiu outra vila num subúrbio de Amsterdã - e também está erguendo um hotel na cidade de Yenagoa, na Nigéria, para turistas que quiserem ter a experiência de dormir num contêiner. Mas com acomodações de luxo - lata por fora, quatro-estrelas por dentro.

O INSTITUTO ITAÚ CULTURAL E A ARTE CIBERNÉTICA

2011-12-05T11:15:00.002-02:00

Desde sua criação, em 1987, o Instituto Itaú Cultural investe no desenvolvimento de obras e pesquisas de arte e tecnologia, trabalhando sua relação com outras áreas artísticas e culturais. Nos últimos 14 anos, o programa Rumos Itaú Cultural vem mapeando e já selecionou 729 trabalhos de diversas áreas: artes visuais, cinema e vídeo, arte e tecnologia, dança, educação, pesquisa acadêmica, jornalismo cultural, literatura e música.

O programa Rumos Arte Cibernética e a Bienal Internacional de Arte e Tecnologia de São Paulo, Emoção Art.ficial, são exemplos dessa atuação.
Agora, todos os resultados do programa estão concentrados ao alcance do público, de artistas e de produtores culturais. Com isso a Base de Dados Rumos dá continuidade ao processo de difusão da produção cultural brasileira e transparece as ações do Instituto.

A biografia dos selecionados e informações sobre seus trabalhos - sinopse, ficha técnica, música, trecho em vídeo etc - estão disponíveis para consulta. Para navegar pela Base, basta escolher a categoria e a edição do programa no índice.
Também, na Enciclopédia Itaú Cultural de Arte e Tecnologia, é possível encontrar verbetes relacionados ao tema. Acesse!

VÍDEO: ACERVO DE OBRAS DE ARTE CIBERNÉTICA DO INSTITUTO ITAÚ CULTURAL

Acervo Itaú Cultural - Arte Cibernética por superalbertofilho

Mais de 400 mil pessoas já foram tocadas por emoções artificiais durante as cinco edições da Bienal de Arte e Tecnologia do Itaú Cultural. Desde 2002, as mostras não só exibem, mas também ajudam a fazer a história da arte do nosso tempo. Uma forma de arte que se apropria das novas tecnologias, subvertendo seus usos, desafiando as razões para as quais foram criadas. Não importa se são artefatos conhecidos ou o retrato do que de mais avançado existe na ciência.

VÍDEO: ARTISTAS E TECNOLOGIA

ARTISTAS E TECNOLOGIA por superalbertofilho

Pela bienal já passou um robô feito de aspirador de pó que reagia a quem se aproximasse. As imagens captadas por uma câmera instalada sobre um robô espião, que circulou dentro da área da instalação, eram tratadas e recondicionadas, revelando de maneira cômica o aspecto intrusivo das câmeras de vigilância.

VÍDEO: PROJETO SPIO

Projeto Spio - Emoção Artificial 2.0 por superalbertofilho

Na quinta edição da mostra, em 2010, neurônios de rato reproduzidos em laboratório sentiram os visitantes por meio de sensores e controlaram, lá dos Estados Unidos, robôs que, com lápis, desenharam em tubos de PVC. Tudo isso feito para ser arte: tecnologia criada comercialmente, mas utilizada para surpreender, provocar e emocionar.
Na instalação ‘Silent Barrage’, robôs movem-se verticalmente ao longo de várias colunas, deixando rastros que são, na verdade, a representação dos disparos de neurônios de roedores, cultivados num recipiente de vidro localizado a milhares de quilômetros de distância. Paralelamente, sensores ao largo da instalação capturam os movimentos do público, que, por sua vez, também fazem os robôs se deslocarem.

VÍDEO: ‘SILENT BARRAGE’

Silent Barrage - Emoção Art.ficial 5.0 por superalbertofilho

‘Silent Barrage’ é uma obra do coletivo SymbioticA - um laboratório australiano, que une os artistas Guy Ben-Ary e Philip Gamblen, os engenheiros Peter Gee, Nathan Scott e Stephen Bobic e o dr. Steve Potter, neurocientista do Laboratório de Neuroengenharia de Georgia Tech, Atlanta, Estados Unidos. Instalado na Escola de Anatomia e Biologia Humana da Universidade da Austrália Ocidental, o grupo une a arte à ciência, incentivando o pensamento crítico sobre as questões éticas e culturais que envolvem a manipulação da vida.

VÍDEO: SYMBIOTICA LAB – ‘SILENT BARRAGE’, ROBOTIC INSTALLATION, 2009

SymbioticA Lab - Silent Barrage, Robotic... por superalbertofilho

O artista Leonel Moura trabalha na área de inteligência artificial e robótica. Criou o Robotarium em 2007, o primeiro zoológico de robôs, localizado em Alverca, Portugal. Com base nas criaturas portuguesas, cinco pequenos robôs – distintos em sua morfologia e em seu comportamento – foram construídos com exclusividade para a mostra Emoção Art.ficial 5.0 – Autonomia Cibernética.

VÍDEO: ‘ROBOTARIUM’

Robotarium - Emoção Art.ficial 5.0 por superalbertofilho

Moura também criou o ‘RAC3 – Robotic Action Painter’. Um robô artista que realiza pinturas em estilo abstrato gestual baseado em informações em seu código e em inputs do público.

VÍDEO: RAC3 – ROBOTIC ACTION PAINTER

RAC3 – ROBOTIC ACTION PAINTER por superalbertofilho

Desde 2007, ‘RAC3 – Robotic Action Painter’ encontra-se na sala dedicada à evolução da humanidade no Museu de História Natural de Nova York, em permanente atividade criativa. O artefato gera composições originais, decide por si próprio quando o desenho está pronto e assina no canto inferior direito como qualquer artista humano.

INTERATIVIDADE por superalbertofilho

E como toda arte que merece esse nome - cibernética, as obras da bienal não precisam ser entendidas. As exposições são abertas a todos: de leigos, até quem compreende a complexidade de softwares e máquinas que parecem ter intenção e vontade próprias.

Em 2010, quinta edição da bienal, completou uma trilogia de conceitos que vêm orientando a escolha dos trabalhos.

CIBERNÉTICA por superalbertofilho

Em 2006, as obras traziam à tona a questão da interface sob o ponto de vista da cibernética, disciplina que estuda a interação entre entidades sem diferenciar as biológicas das artificiais.
Em 2008, foi a vez da emergência: trabalhos nos quais o ciclo cibernético permitia às próprias máquinas fazerem surgir comportamentos e regras imprevisíveis até mesmo aos seus criadores.

EMERGÊNCIA por superalbertofilho

Agora, em 2010, a bienal é norteada pela noção de autonomia cibernética, pela evolução de regras e padrões derivados dos comportamentos emergentes das próprias máquinas. Grosso modo, é como se as máquinas percebessem que seu próprio comportamento leva a coisas vantajosas ou prejudiciais aos seus objetivos. Com isso, podem mudar de idéia e agir como se tivessem “personalidade”.

AUTONOMIA por superalbertofilho

Para discutir, refletir e provocar as mentes inquietas para idéias tão complexas, a bienal vem sempre acompanhada de um simpósio internacional, que coloca em debate pensadores de diversas áreas.
A quinta edição da Bienal de Arte e Tecnologia do Itaú Cultural - Emoção Art.ficial 5.0 aconteceu entre julho e setembro de 2010, na sede do Itaú Cultural em São Paulo.

JUNGLE JAM: A INSTALAÇÃO SONORA DO GRUPO CHELPA FERRO

2011-12-02T12:15:00.000-02:00

Formado pelos artistas plásticos Luiz Zerbini, Barrão e Sergio Mekler em 1995, o grupo Chelpa Ferro realiza um trabalho que explora a plasticidade do som e sua dinâmica, através de esculturas, objetos, instalações e performances musicais que desafiam os sentidos do espectador, utilizando objetos do dia a dia.
O que os une é o interesse em colecionar, reproduzir e apresentar, em formatos variados, os sons que marcam a experiência urbana atual.

JUNGLE JAM
Convidando o público à uma experiência sensorial, Jungle Jam é uma instalação cinética formada por dezenas de peças idênticas, dispostas em linha horizontal sobre as paredes de uma sala e separadas por intervalos regulares. Cada peça é constituída de um misturador de alimentos portátil (mixer), e de uma sacola plástica ordinária, presa na extremidade do pino, substituindo as peças de corte.
Quando ligados, os motores fazem esses pinos girar com as sacolas, que batem nas paredes e produzem barulhos sincopados. Esses motores são comandados por uma caixa chamada ‘cabeção’, que cria, através de um programa de computador, padrões aleatórios que nunca se repetem, determinando quais motores funcionam a cada momento e quais permanecem parados. Com as mudanças inesperadas e seguidas e qualidade distintas dos sons, o público é surpreendido a cada instante.

Jungle Jam por superalbertofilho

Este experimento sonoro reflete uma cultura de resistência inovadora que se opõe à sociedade moderna pela tecnologia, através do desenvolvimento de recursos criativos e não-oficiais na arte. Através do deslocamento e do intercâmbio visual, escultural e das qualidades artística e fonética dos diferentes elementos, o uso criativo de tecnologia do Chelpa Ferro destaca as possibilidades interdisciplinares que a própria tecnologia permite.

A construção da máquina, projetada para produzir o som, segue a direção que se inicia na década de 1910, com a ‘Intonarumori’ - uma máquina barulhenta criada pelo italiano futurista Luigi Russolo, e que expressou as idéias formuladas em seu Manisfesto ‘The Art of Noises’ (L'arte dei rumori). Este Manifesto foi publicado na revista de arte Lacerba em 1913 e exaltou o ruído da metrópole moderna, que, de acordo com Russolo, domina a vida contemporânea e apresenta uma seleção extraordinária de novos tons e ritmos.

Jungle Jam foi apresentada pela primeira vez em 2006, no Centro Cultural FACT (Foundation for Art and Creative Technology), em Liverpool. Em 2008, foi mostrada pela Caixa Cultural no Rio de Janeiro, e logo após pelo MAM-Bahia, (Museu de Arte da Bahia). De Junho à Setembro de 2010, a obra foi exibida na Kunst Palast, em Düsseldorf e uma nova versão da instalação será apresentada em Londres.
O grupo Chelpa Ferro tem sido destaque nos principais eventos internacionais como as bienais de Veneza (2005), Havana (2003), São Paulo (2002 e 2004) e a Bienal de Liverpool de Arte Contemporânea (2002).

Chelpa Ferro - ON_OFF por superalbertofilho

Aqui, um trecho da performance musical criado pelo grupo Chelpa Ferro e apresentada no Itaú Cultural durante o ON_OFF em 2006, evento que apresenta o trabalho de artistas que utilizam recursos de edição e de composição de imagens e sons ao vivo no processo de criação audiovisual. O ON_OFF integrou a programação da exposição Emoção Art.ficial 3.0 - Interface Cibernética.

Link - http://www.chelpaferro.com.br/

INTERNET: ESTUDANTE NA EUROPA PROCESSA FACEBOOK

2011-11-30T17:15:00.005-02:00

O estudante de direito em Viena, Max Schrems, iniciou um processo contra o Facebook, a maior rede social do mundo criada por Mark Zuckerberg.
Após descorir que os dados apagados do Facebook não são realmente excluídos, quis saber o que havia sido armazenado sobre ele e, com muitas dificuldades, conseguiu um CD com toda a informação coletada durante os três anos em que fez parte desta rede. Quando impresso, o conteúdo do CD formava uma pilha de 1.200 páginas.

VEJA O VÍDEO (legendado)

Estudante processa Facebook por superalbertofilho

Todo o material - histórico de chats, cutucadas, pedidos de amizade, posição religiosa, etc. - era classificado em 57 categorias que possibilitam facilmente a seleção de dados, possibilitando identificar qualquer informação desejada – sobre a vida pessoal, profissional, religiosa ou política. Além desse material, mesmo as mensagens, fotos e outros arquivos que ele havia deletado continuavam armazenados nos servidores do Facebook.
Quando questionado sobre isto, o Facebook afirmou que apenas "removia da página" e não "deletava". Isso significa que, quando uma informação é publicada no Facebook, ela jamais é excluída.

Após descobrir que o Facebook possui servidores na Irlanda, entre agosto e setembro de 2011, Schrems abriu 22 queixas contra a rede social no Irish Data Protection Commissioner, um órgão deste país. Para acompanhar o caso, o estudante de direito criou o site "Europe versus Facebook" [http://europe-v-facebook.org/EN/en.html].

CONTRAPONTO DO HOLODECK

Ótima oportunidade/brecha essa que o estudante de direito Max Schrems encontrou para ganhar visibilidade e, talvez, muito dinheiro. Mas é claro que dá para perceber, desde sempre, que os dados inseridos na rede nunca mais saem de lá: por isso tantos serviços gratuitos. E isto é divulgado abertamente. As informações inseridas pelos usuários é que são os ativos das empresas na Internet – quanto mais dados maior o valor.
Nos sites de compartilhamento de vídeos existem filmes – como os abaixo – já antigos, que alertam os usuários para as ‘possibilidades’ da inserção de dados na rede.

Pense antes de postar por superalbertofilho

Também, há quase 4 anos atrás o brasileiro Nelson Mattos, vice-presidente de engenharia do buscador do Google para a Europa, Oriente Médio e África, que chefia 500 engenheiros espalhados em doze capitais européias, concedeu uma entrevista exclusiva à swissinfo (abril de 2008), onde falou sobre a estratégia da empresa e o futuro da Internet.
O vice-presidente disse que o objetivo do Google (divulgado em 1998) é organizar toda a informação do mundo. Em segundo lugar, fazer com que essa informação esteja disponível a qualquer usuário e que seja útil para ele. E nem toda a informação no mundo é baseada em texto. O volume de imagens, vídeos e áudios que cresce na internet é algo fenomenal.

Segundo Mattos, como a missão da Google é organizar todas as informações do mundo, obviamente aquelas que estão sendo criadas dentro de um ambiente de redes sociais - onde você está interagindo com seus amigos, colocando suas imagens, escrevendo no chat - também são informações. “E é claro que achamos importante poder organizá-las e torná-las disponíveis a qualquer pessoa. Se você tiver procurando imagens, é possível que elas estejam armazenadas dentro de um sistema de rede social.” Ainda, Mattos comentou que a estratégia da Google não é necessariamente competir com todos os sistemas da rede, porém existe a necessidade de permitir a compatibilidade e o transporte de dados entre elas.

Leia a entrevista completa clicando aqui.

INTERNET: ELI PARISER E OS "FILTROS-BOLHA" ONLINE

2011-11-29T12:40:00.001-02:00

À medida em que empresas da Web se esforçam para fornecer serviços sob medida para nossos gostos pessoais (incluindo notícias e resultados de pesquisa), acontece uma conseqüência importante, fundamental para o conhecimentoda humanidade: Caímos na cilada dos "filtros-bolha" e não somos expostos à informações que poderiam desafiar ou ampliar nossa visão de mundo, a nossa compreensão.
No dia 15 de maio deste ano, Eli Pariser lancou o livro “The Filter Bubble: What The Internet is Hiding From You” - algo como "O Filtro Bolha: O que a internet está escondendo de você"

Nele, Pariser mostra de que forma as ferramentas de busca, como o Google e Yahoo!, e até o Facebook, estão filtrando informações e decidindo o que pode ser relevante para cada um de nós se baseando em hábitos de busca, ou seja, editando, de forma invisível, a internet.
São os filtros-bolha, que cada vez mais oferecem apenas os resultados de pesquisa que os algoritmos de busca consideram ser o que queremos. É como se estivéssemos trocando de Big Brother: saindo do poder dos grandes grupos de mídia e caindo nas garras dos “robôs” da internet.
Neste sentido Eli Pariser, presidente do conselho da MoveOn e membro sênior do Instituto Roosevelt argumenta, em sua palestra no TED2011, que as ferramentas de busca personalizada podem estreitar nossa visão de mundo. Afirma que estamos sendo monitorados através de algorítimos, e que isto, definitivamente, é ruim para todos - nós e a democracia.

O Filtro-bolha de Eli Pariser por superalbertofilho

Em sua palestra Eli afirma: “Trata-se de um pensamento que me apavora especialmente porque não vejo outra forma de maturidade intelectual que não seja a de nos expor a idéias e pensamentos contrários aos nossos. E a internet, ao contrário de qualquer outro meio de comunicação, vinha com a promessa de conseguir fazer isso. Mas quando a rede se organiza de forma a nos mimar com informações, idéias e reflexões rigorosamente parecidas com as nossas, além de perdermos a chance de encontrar contrários, podemos mergulhar na vã e perigosa ilusão de que nossa forma de pensar é predominante.”

RICHARD SERRA: ENVOLVENDO O ESPECTADOR

2011-11-27T16:22:00.010-02:00

Richard Serra nasceu na Califórnia em 1939. Manifestou-se no circuito artístico de Nova York seguindo as influências da Arte Povera e do Minimalismo, no mesmo sentido de Donald Judd, Robert Morris e Frank Stella.
Na década de 60, enquanto se aperfeiçoava como pintor na Europa, Serra decidiu que queria envolver o observador diretamente no seu trabalho e, achando que não poderia fazer isso em duas dimensões, decidiu abandonar a pintura e tornar- se escultor.

Em 1970, realizou o equilíbrio entre placas de aço apoiadas em si prórias, sem a ajuda de suporte, concebendo possibilidades esculturais que ainda hoje estão em experimentação.
Desde então suas obras públicas - grandes estruturas de aço no território urbano, têm alterado a percepção do espectador sobre o espaço. Toda sua obra reflete uma atenção pela experimentação e revela uma preocupação com a redefição do espaço.

Com o objetivo de envolver o espectador, Serra possibilitou uma nova forma de interação com a escultura, ampliando as fronteiras e a definição dessa arte. O centro de gravidade e o equilíbrio, a massa e o vazio, a percepção do espaço e a consciência corporal por parte do espectador constituem os temas básicos de sua obra.
Colocando seu trabalho exposto no meio urbano e também em museus, como no MOMA - que precisou passar por uma transformação superlativa para a realização de uma mostra - o escultor escolhe tornar-se público e acessível aos outros.

Richard Serra no MoMA (2006) por superalbertofilho

As obras de Serra têm relevância inclusive entre arquitetos, uma vez que força e transforma os limites do espaço, proporcionando uma nova experiência do homem no mundo. Sua contribuição à arquitetura, está fundamentalmente em tomá-la como um lugar onde o artista estrutura espaços e explora novas possibilidades. Fundamentalmente, Serra desafia e proporciona uma reflexão à construção do espaço.

Richard Serra fala no Gagosian por superalbertofilho

Serra já instalou suas obras em cidades como Nova York, Paris e Londres. Seu trabalho no espaço público considera um local específico e, neste sentido, sua obra não representa apenas o objeto em si, mas a sua relação com o local e com a população.

Em 1987, Serra instalou o seu Tilted Arc (Arco Inclinado) na Federal Plaza em Nova York - uma placa de metal curva de 3,6 metros de altura, que gerou polêmica e foi retirada do local pela mobilização dos habitantes que consideravam a escultura uma armadilha que poderia favorecer o acúmulo de lixo até ser usada como escudo por terroristas e assaltantes. Na discussão Serra alegou que a escultura era concebida especificamente para aquele local e que a sua remoção a destruiría. Em 1989, a peça foi retirada e encaminhada para um ferro-velho.

Torqued Ellipse IV no MoMA (1998) por superalbertofilho

As proporções das esculturas de Serra surpreendem quando se nota que não há nada para sustentá-las – para os leigos em física é um equilíbrio incompreensível. Para ele, o observador deve confiar apenas em sua experiência quando está entre as paredes da escultura. O objetivo principal do escultor é enfatizar o processo de criação, as características do material e, sobretudo, relacionar espectador e obra.

’THE MATTER OF TIME’

‘The Matter of Time’ é uma série composta por oito esculturas:
Torqued Spiral (Closed Open), 2003; Torqued Ellipse, 2003-04; Double Torqued Ellipse, 2003-04; Snake 1994-97; Torqued Spiral (Right Left), 2003-04; Torqued Spiral (Open Left Closed Right), 2003- 04; Between the Torus and the Sphere, 2003-05 e Blind Spot Reversed, 2003-05.

O conjunto desta obra pesa cerca de 1200 toneladas, tem mais de 430 pés de comprimento. As peças em aço, de grande escala, que compõem essa obra, erguem-se como muros, e se entrelacem em labirintos. Para se visitar uma escultura de Serra é preciso entrar nela fisicamente, interagir, sentir a textura, o frio do metal, elas são uma espécie de retorno à cidade. É preciso se perder nelas, perder-se para elas, se entregar as sensações, aos sentimentos que elas despertam.

VÍDEO: INTERAÇÃO COM 'THE MATTER OF TIME', 2005

Interação com 'The Matter of Time', 2005 por superalbertofilho

A experiência do espectador durante o trajeto pelas predes de aço é um aspecto inerente na obra de Serra. O sentido desta criação é ativado pelo ritmo do movimento de cada espectador.
Este conjunto de esculturas se baseia na idéia de temporalidade múltipla, de tempos que se sobrepõem. A duração da experiência de uma peça é diferente à da outra. Por um lado a experiência é interna, privada, psicológica e estética, e de outro, é externa, social e pública. O espectador mergulha em uma viagem, cujas descobertas dependem de sua vontade de investir seu tempo e deixar que suas memórias se fundem na percepção.
Ambas as criações de Serra nos instigam, nos provocam, nos fazem querer ser parte da obra. Andando, caminhando, correndo, tocando, sentindo, olhando, admirando, se permitindo esse tempo, essa brincadeira de se perder e se achar, nessa e para essa sociedade voraz que escolhemos viver.

Montagem de 'The Matter of Time' no Guggenheim... por superalbertofilho

STAATLICHES BAUHAUS: A CASA ESTATAL DE CONSTRUÇÃO

2011-11-23T13:06:00.003-02:00

Em 1919 surgia o Modernismo com a integração de duas escolas na extinta República de Weimar, na Alemanha. O arquiteto Walter Gropius integrou a Escola de Artes e Ofícios e a Escola Superior de Belas-Artes, fundando uma nova escola de arquitetura e desenho - a Staatliches Bauhaus (Casa Estatal de Construção), mais conhecida como Escola Bauhaus.

A ascendência mais próxima da escola está na associação Deutscher Werkbund (Federação Alemã do Trabalho), fundada em 1907 por Hermann Muthesius para incentivar as relações entre os artistas, os artesãos e a indústria. Muthesius desejava criar o que chamava de Maschinenstil (estilo da máquina). Gropius, que foi membro da Werkbund, materializou esse objetivo, em grande parte, na Bauhaus.

O principal campo de estudos da escola era a arquitetura e procurou estabelecer planos para a construção de casas populares baratas por parte da República de Weimar. Mas também havia espaço para outras expressões artísticas: o design e as artes plásticas. Gropius pressentiu que começava um novo período da história com o fim da Primeira Guerra Mundial e decidiu que a partir daí se deveria criar um novo estilo arquitetônico que refletisse a época.

VÍDEO: HABITAÇÃO BAUHAUS: HOUSE OF ZUCKERKANDL

Habitação Bauhaus: House of Zuckerkandl por superalbertofilho

A Bauhaus tinha a finalidade de ressaltar a personalidade do homem - mais importante que formar um profissional, era formar homens ligados aos fenômenos culturais e sociais mais expressivos do mundo moderno – e isso logo definiu o estilo em seus produtos despidos de ornamentos, funcionais e econômicos, cujos protótipos saíam de suas oficinas para a execução em série na indústria. O ensino era elástico, com artistas, mestres de oficinas e alunos participando, em conjunto, das pesquisas. Para Gropius, a unidade arquitetônica só podia ser obtida pela tarefa coletiva, que incluía os mais diferentes tipos de criação, como a pintura, a música, a dança, a fotografia e o teatro.

O estilo Bauhaus era fruto do pensamento dos professores, recrutados, de várias nacionalidades, entre membros dos movimentos abstrato e cubista, que proporcionaram a introdução de movimentos como o expressionismo ou o construtivismo. A escola congregou importantes criadores de vanguarda, que foram responsáveis pelo contato direto com diferentes tendências da arte européia: o construtivismo russo, o grupo de artistas holandeses ligados ao De Stijl (O Estilo) e os adeptos do movimento de pintura alemã Neue Sachlichkeit (Nova Objetividade).

No inicio, Gropius apoiou-se principalmente em três mestres: o pintor americano Lyonel Feininger, o escultor e gravador alemão Gerhard Marcks e o pintor suíço Johannes Itten. A eles se juntaram depois artistas como Oskar Schlemmer, Paul Klee, Wassili Kandinski, László Moholy-Nagy e Ludwig Mies van der Rohe, que vieram reforçar a o afastamento da arte baseada em conceitos históricos e privilegiar um novo ideal artístico, baseado em princípios como a realização do ideal do “novo homem”. Em 1925, Josef Albers e Marcel Breuer passaram a fazer parte do grupo.

VÍDEO: A MAIOR EXPOSIÇÃO BAUHAUS DE TODOS OS TEMPOS

A maior exposição Bauhaus de todos os tempos por superalbertofilho

Em termos de formação a Bauhaus de Gropius era uma escola de artes e ofícios que dispunha de oficinas para vidro, cerâmica, tecelagem, metais, carpintaria e pintura mural, escultura de madeira e de pedra. Ainda oficinas de artes de palco, impressão e encadernação. O Vorkurs - curso preparatório - era exigido a todos os alunos e ministrado nos moldes do que é o moderno. Não se ensinava história na Bauhaus durante os primeiros anos de aprendizado, porque acreditava-se que tudo deveria ser criado por princípios racionais ao invés de ser criado por padrões herdados do passado. Só após três ou quatro anos de estudo o aluno tinha aulas de história, pois assim não iria influenciar suas criações.

Pelo seu caráter reformador e vanguardista, a Bauhaus esteve, por várias vezes, em situações incômodas pelos regimes políticos em vigor. A conjuntura liberal que reinava na República de Weimar acabou com a ascensão do Partido Nacional Socialista na Alemanha. A escola foi considerada uma frente comunista, especialmente porque muitos artistas russos trabalhavam ou estudavam ali. Ameaçada de dissolução pela forte oposição às suas inovações, a Bauhaus mudou-se em 1925 para Dessau, onde ficou até o advento do nazismo. Para abrigá-la, Gropius projetou e construiu um complexo de edifícios que era, em si mesmo, um manifesto de arquitetura moderna e uma das mais extraordinárias obras da década de 1920.

É neste período que as atividades da escola se intensificaram, com o lançamento de publicações e a organização de exposições. Uma clara mentalidade racionalista presidia à elaboração dos projetos. Nesse período acontece a ligação mais efetiva entre arte e indústria, com o desenvolvimento de uma série de objetos - mobiliário, tapeçaria, luminária etc. -, produzidos em larga escala, como as cadeiras e mesas de aço tubular criadas por Marcel Breuer e Ludwig Mies van der Rohe, produzidas pela Standard Möbel de Berlim e pela Thonet.

Em 1928, Gropius passou o cargo de diretor ao suíço Hannes Meyer, abandonando a escola, já então consolidada, junto com Moholy-Nagy e Breuer. A nova direção deu realce ainda maior à arquitetura e assistiu à chegada das influências do construtivismo russo. Em 1930, Meyer, cuja postura esquerdista não era bem vista pelas autoridades, foi substituído pelo arquiteto alemão Mies van der Rohe. Este reorganizou a escola e deu-lhe um novo impulso.
Em 1932, a Bauhaus mudou-se para Berlim, devido à perseguição do recém-implantado governo nazista que encerrou as suas instalações. Contudo, em 11 de Abril de 1933, a Bauhaus em Berlin também é fechada por ordem do governo.

O edifício inicial projetado por Walter Gropius sofreu inúmeras modificações após a Segunda Guerra. Em 1994 iniciou-se um processo de reforma para restabelecer a condição original do edifício. Devido a inexistência do projeto original o trabalho foi árduo e concluído somente em 2007. Ainda hoje é o edifício principal do pólo da universidade, destacando-se o escritório de Walter Gropius, mantido inalterado.
Link: http://www.bauhaus.de/

O LEGADO DA BAUHAUS

Apesar de ter durado apenas 14 anos, a Bauhaus deixou um legado importante, que permanece atual. A emigração dos professores da escola, devido ao nazismo, é fator decisivo na difusão das idéias da Bauhaus pelo mundo todo.
Nos Estados Unidos, para onde se dirige boa parte deles - Gropius, Moholy-Nagy, Breuer, Bayer, Van der Rohe e outros - surge a Nova Bauhaus, em Chicago, 1937/1938 e o Architectes's Collaborative - TAC, escritório de arquitetura criado por Gropius em 1945, quando é professor em Harvard.
Em 1950 inaugurou-se em Ulm, na Alemanha, a Hochschule für Gestaltung (Escola Superior da Forma), dirigida por Max Bill, ex-aluno da Bauhaus de Dessau. A essa última instituição, em especial, coube dar seguimento programático às formulações da antiga Bauhaus - uma escola que se integrou perfeitamente no contexto da civilização do século XX para dar-lhe uma visualidade própria.

DOCUMENTÁRIO COMPLETO: BAUHAUS: THE-FACE OF THE 20TH CENTURY, 1994

Bauhaus: The-Face of the 20th Century -1994 por superalbertofilho

UM FUTURO TOUCHSCREEN: A DAY MADE OF GLASS

2011-11-20T14:52:00.001-02:00

Os avanços tecnológicos parecem ter ganhado uma velocidade nunca vista nos dias de hoje, e isso nos faz pensar em como será o futuro e o que esperar dele.
Levando em conta essa transformação - da interação entre o homem e a tecnologia - a ’Corning Incorporated’, líder mundial em vidros e cerâmicas especiais, com mais de 160 anos de experiência na ciência de materiais e no conhecimento da engenharia de processo, apresentou, dentro do contexto de seus produtos, um vídeo com a sua visão de futuro. A empresa cria e fabrica componentes-chave que permitem sistemas de alta tecnologia para eletrônicos de consumo, controle de emissões móveis, telecomunicações e ciências da vida.

VÍDEO: “A DAY MADE OF GLASS”

A Day Made of Glass por superalbertofilho

O filme “A Day Made of Glass” (um dia feito de vidro), mostra a rotina das pessoas em um futuro ainda não definido, mas que talvez esteja mais próximo do que se imagina. O grande foco está na usabilidade, uma vez que os dispositivos devem se integrar perfeitamente ao cotidiano das pessoas - em casa, no trabalho e no lazer.
De acordo com a visão da empresa, os dispositivos touchscreens serão parte integrante da vida não apenas em computadores, mas também em celulares, espelhos, janelas, fogões, outdoors, freezers, pontos de ônibus, carros e muito mais.
Para completar, os dispositivos móveis estarão ainda mais integrados e minimalistas, servindo não apenas para conversar com familiares, mas também para armazenar dados e conferir conteúdo.

Neste sentido, podemos ver que as tendências apresentadas em “A Day Made of Glass” são muito semelhantes às do teaser “The Future of Screen Technology”, apresentado em 2010 pelo escritório sueco ’TAT’, que projetou a simulação de como seria um dia em 2014. Esta coincidência sinaliza que o futuro já tem um desenho definido para as tendências na tecnologia da informação.

VIDEO: “THE FUTURE OF SCREEN TECHNOLOGY”

Future of Screen Technology por superalbertofilho

PERFORMANCE: ‘DELIRIUM CONSTRUCTION’, A AMBIÇÃO NUA DE SARAH SMALL

2011-11-18T10:13:00.001-02:00

No alto da parede, um mosaico de azulejos metálicos brilha com a luz dos candelabros suspensos no teto. Mas isto não compete com o mosaico vivo, logo abaixo.
Dispostas em camadas nas plataformas, lado a lado, estão 120 pessoas de todas as cores, etnias, formas e idades, a maioria delas nua. A performance, intitulada “Delirium Constructions”, é uma fantasia carnal enquadrada em colunas de pedra, uma enciclopédia da humanidade.
Tudo acontece no Skylight One Hanson, um majestoso espaço Art Deco no prédio do antigo Williamsburgh Savings Bank, no centro do Brooklyn.

Sarah Small, de 32 anos, fotógrafa nascida em Washington, é quem criou este projeto artístico de performance massiva que ela chama de "Tableau Vivant", ou quadro vivo - um procedimento popular na era vitoriana como forma de recriar obras visuais famosas, muitas vezes com um viés erótico. A obra de Small é tanto um retorno a isso, quanto uma experiência em romper os limites modernos de privacidade.

VIDEO: 'DELIRIUM CONSTRUCTIONS' NO SKYLIGHT ONE HANSON (COMPLETO), EM MAIO DE 2011

'Delirium Constructions' no Skylight One Hanson... por superalbertofilho

“Delirium Constructions” foi, de acordo com notas do programa, inspirada pela visita de Samall às galerias de pintura francesa e italiana no Louvre, que se impressionou com a dramaticidade dos agrupamentos de personagens nas pinturas. E assim como nas pinturas, a performance apresenta pessoas agrupadas em diversos estados de reclinamento. Meio distantes, frias, fazendo caretas. Duas jovens louras alinhadas juntas, uma em topless, a outra não. O centro da tela é um par de nus espetaculares: uma mulher muito obesa se alastra ao lado de um homem magro enrolado da cabeça aos joelhos.

Small ensaiou seus modelos de arte para o que se traduz num movimento de fusão entre música, gesto e dois casamentos - no ponto alto da performance, dois casamentos legais são oficializados. Parte homenagem à história da arte, parte celebração da comunhão, parte uma experiência radical, o ‘quadro vivo’ de Samall revela o processo evolutivo da criação da arte e de comunidade, pois leva à reflexão das verdades primarias e pungentes sobre uma saudade atemporal da humanidade, de encontrar a conexão dentro de cada um e de um com o outro.

A peça começa com Shara Worden cantando "Deh tardar vieni non" da obra “Marriage of Figaro”, de Mozart. No início da encenação os figurantes, que à primeira vista parecem estar dormindo, são convocados para a vida por Small, que anda entre eles, apontando como um condutor. Então, eles executam gestos repetitivos até Sarah direcioná-los para um canto uníssono e movimentos rigidamente sincronizados.
Outra cantora, Abigail Wright, nua, também realiza uma participação extensa, ao longo de toda a performance e termina a peça, sozinha, com "C 'est l'amour vainqueur" de Offenbach.

Tudo sobre este projeto atual é enorme: a catedral como espaço de arte decorativa; o número de modelos envolvidos, todos voluntários; os patrocinadores, incluindo Michael Huffington. Até o título é grande: “Tableau Vivant of the Delirium Constructions: A Live Exploration of Implausible Interaction.”
Small também lidera um um quarteto vocal de cappella, dos Balcãs, chamado ‘Black Sea Hotel’, que participa no cadafalso junto com os modelos e com um quarteto de cordas. Ainda, ela traz um diretor musical, um diretor de palco e um coreógrafo.
Enquanto isso, uma equipe de filmagem fica ao redor, planejando o documentário sobre o seu trabalho.

Small, graduada na Rhode Island School of Design, vem ganhando reconhecimento pelo seu trabalho com a câmera - suas fotos apareceram nas publicações Life, Vogue e Rolling Stone, e foram exibidas em galerias de todo o país, assim como na Europa e na Ásia. Em 2009 ela começou a compor instalações vivas para promover a série fotográfica, em curso, que ela chamou de " Delirium Constructions " - retratos cuidadosamente focados, que capturavam emoção dos seus sujeitos.

VIDEO: TEASER DO PROJETO EM 2009

Teaser do projeto em 2009 por superalbertofilho

Nos últimos meses, Sarah e sua equipe têm se dedicado à planejar e concluir o documentário sobre o seu trabalho, ao mesmo tempo em que preparam para uma turnê internacional da performance ao vivo.
O filme, atualmente intitulado ‘The Delirium Constructions’, pretende conduzir o espectador a uma viagem reveladora através de um processo interativo de criação da obra de Small: ‘Tableau Vivant of the Delirium Constructions’. O documentário é impulsionado pelas interações pessoais de Small com o elenco de 120 modelos do Tableau Vivant e a equipe criativa ao longo de dois anos.

Após o lançamento do longa-metragem, Small e sua equipe vão percorrer o mundo com sua performance, e pretendem atuar em cidades como Bruxelas, Tel Aviv, Berlim, Paris e Sydney, em 2013. Oficializando um casamento em cada país, ao longo de sua temporada internacional, Small continuará a unir a realidade e a performance. Enquanto continua a documentar, cinematograficamente, o processo evolutivo de construção dessas obras para a sequência fílmica, Small examinará rituais específicos da cultura do casamento, em paralelo com os estudos - em curso - sobre as questões das relações de intimidade, em todo o mundo.

VIDEO: TRAILER DO TABLEAU VIVANT

Trailer do Tableau Vivant por superalbertofilho

ARTE E MEIO AMBIENTE: A ‘EVOLUÇÃO SILENCIOSA’ DE JASON DECAIRES TAYLOR

2011-11-16T11:42:00.003-02:00

Debaixo das águas cristalinas de Cancun, no México, centenas de esculturas atraem nova vida marinha ao fundo do oceano caribenho. É um trabalho de arte confluente com a conservação ambiental, em que a instalação “Silent Evolution”, de Jason deCaires Taylor, se transforma em recifes artificiais para milhares de espécies marinhas

Filho de pai inglês e mãe Guyanesa, criado entre a Europa e a Ásia, Jason passou grande parte da infância explorando e admirando os recifes de corais da Malásia, onde desenvolveu seu amor pela natureza e pelo mar. Mais tarde foi professor de mergulho submarino em diversos lugares do mundo, quando adquiriu o interesse pela conservação do meio ambiente. Além do mergulho, Taylor ainda explorou a fotografia e o grafite. Formado em artes pelo London Institute of Arts, ele se especializou em escultura e cerâmica.

Hoje, o meio inglês-meio guiano esculpe figuras humanas e naturezas mortas em tamanho natural, de cimento marinho, que são colocadas no fundo do mar, formando “galerias de arte submarinas”, e ficou famoso. Taylor criou o que ele chama de um museu de arte submarino. É dele a criação do primeiro parque de esculturas submarino, em 2006, localizado nas águas de Granada.
Essas peças, no entanto, por estarem sob a água aparentam ser 25% maiores. No mar, a luz incide de forma diferente; o movimento da água e as partículas nela contidas modificam a percepção dos objetos e a natureza age sobre o material de forma imprevisível. Com o tempo, as esculturas começam a agregar elementos da vida marinha em sua superfície, e se integram ao ambiente.

VÍDEO: O MUSEU SUBAQUÁTICO DE ARTE

Jason deCaires Taylor e o Museu Subaquático de... por superalbertofilho

A mais recente exposição do artista, realizada em 2010 nas águas de Cancun, chama-se ‘Silent Evolution’, e está localizada no mar do Parque Nacional Costa Ocidental de Isla Mujeres, Punta Cancún e Punta Nizuc, na costa do México.
São 400 esculturas instaladas, numa área de 420m², entre homens, mulheres e crianças – com feições impressionantes, que expressam preocupação com os problemas ambientais, mas de uma forma otimista, com esperança.
Os personagens da instalação são pessoas comuns, mas especialmente mexicanos, como a freira Rosario, de 85 anos, ou o pequeno Santiago, um menino de três anos. Há também pescadores, acrobatas, carpinteiros, uma professora de ioga, um contador...

Esse é o quarto projeto do escultor-mergulhador em Cancun, mas sem dúvida nenhuma, o maior deles. A produção das 400 esculturas levou cerca de um ano e meio, junto com quatro assistentes, além de uma equipe de biólogos, engenheiros e outros mergulhadores. Elas foram feitas com um tipo especial de cimento marinho, que tem pH neutro e é muito mais resistente que o cimento normal. Além disso, foram fixados nas esculturas extratos de corais vivos, uma técnica que estimula ainda mais o crescimento do coral.

VÍDEO: ESCULTURA SUBMERSA – UMA VIDA AQUÁTICA SILENCIOSA

Escultura submersa - vida aquática silenciosa por superalbertofilho

O objetivo do projeto é transformar as esculturas em recifes artificiais, por causa do avanço do processo de degradação que ocorre devido ao enorme fluxo de turistas – aproximadamente 750 mil por ano. Com a nova área de mergulho ao redor da instalação, o parque nacional caribenho poderá ser poupado e com o tempo, regenerar a vida marinha. Taylor afirma que “que aproximadamente mil peixes já adotaram o local como habitat, inclusive uma espécie bastante rara que não víamos há muito tempo na região”. O projeto é uma iniciativa conjunta entre o artista, o Parque Nacional Marinho e a Associação Náutica de Cancun.

Os especialistas do projeto esclarecem que apenas 10% a 15% do solo submarino têm sedimentos sólidos para a formação de recifes naturais. Deste modo, para estimular o crescimento e aumento dos recifes, áreas artificiais têm sido criadas com material durável e ambientalmente seguro. E esses projetos têm se revelado bastante eficientes, ajudando a equilibrar o ecossistema marinho e a minimizar a depredação dos recifes naturais. Alguns pesquisadores prevêem que até 2050, cerca de 80% dos recifes naturais do planeta irão desaparecer.

Segundo o artista, “há planos de levar o projeto para outros lugares, entretanto, o planejamento e a realização levam bastante tempo. É necessário conseguir a autorização dos órgãos ambientais do local, fazer uma extensa pesquisa para descobrir onde é a região mais apropriada para se colocar as esculturas. Já houve contato de outras entidades interessadas, mas ainda estamos estudando as possibilidades.”

O processo de vivenciar a arte de uma galeria tradicional e submarina é descrito com detalhes em seu site. A execução, absolutamente incrível, funde arte, vida e o mar, numa estética em constante evolução, texturizados pelo tempo.
LINK EXTERNO: www.underwatersculpture.com

INTERNET: “GOOD COPY, BAD COPY” É O MELHOR DOCUMENTÁRIO SOBRE DIREITOS AUTORAIS E CULTURA JÁ FEITO ATÉ HOJE

2011-11-14T10:49:00.004-02:00

Divulgado no site do Creative Commons, o documentário ‘Good Copy, Bad Copy’ agora tem legendas em português, traduzidas e sincronizadas por Ztrust.
Andreas Johnsen, Ralf Christensen e Henrik Moltke realizaram o melhor documentário sobre direitos autorais e cultura já feito até hoje.
Com entrevistas que vão desde o DJ Girl Talk, até o produtor nigeriano Charles Igwe e passando pelo presidente da International Federation of the Phonografic Industry, John Kennedy, os diretores conseguiram captar a tensão existente no debate atual entre detentores de conteúdo da indústria tradicional e artistas da nova indústria.
O nome "good copy, bad copy" não poderia ser melhor para ilustrar este contraponto, alertando para o papel que o direito autoral pode desempenhar tanto para aprisionar estas novas formas de expressão cultural, quanto para libertar a cultura, permitindo uma revolução criativa mais profunda.

VÍDEO: “GOOD COPY, BAD COPY” - O DOCUMENTÁRIO COMPLETO E LEGENDADO

Good Copy, Bad Copy por superalbertofilho

INSTITUTO INHOTIM: TRANSFORMANDO PESSOAS PARA UM MUNDO MELHOR

2011-11-12T12:41:00.013-02:00

O Instituto Inhotim é a sede de um dos mais importantes acervos de arte contemporânea do Brasil e considerado o maior centro de arte ao ar livre da América Latina. Surgiu para abrigar a coleção do empresário Bernardo Paz.

Instituto Parque Inhotim por superalbertofilho

O Inhotim integra a arte à natureza e surpreende os visitantes com uma experiência sensorial única. O espaço oferece um grande conjunto de obras de arte, expostas a céu aberto ou em galerias temporárias e permanentes, situadas em um Jardim Botânico de rara beleza, onde são encontradas espécies vegetais raras, dispostas de forma estética, em um terreno que conta com cinco lagos e reserva de mata preservada.

VIDEO: ESCOLA CONTEMPORÂNEA

Escola Contemporânea por superalbertofilho

Além desses espaços de fruição estética e de entretenimento, o instituto desenvolve também pesquisas na área ambiental, ações educativas e um significativo programa de inclusão e cidadania para a população do seu entorno. Pesquisas e projetos botânicos e paisagísticos são desenvolvidos em parceria com órgãos governamentais e privados.

Obras no Jardim por superalbertofilho

Localizado em uma área de 100 hectares na cidade de Brumadinho (MG), a 60 quilômetros de Belo Horizonte, o Inhotim abriu as portas para o público em 2004.
Seu projeto paisagístico teve o toque de Roberto Burle Marx e ao redor de suas trilhas, lagos, alamedas e viveiros, encontram-se diversas coleções botânicas entre as quais se destacam a de Aráceas - uma coleção de orquídeas da espécie Vanda - com 350 indivíduos de diferentes espécies, e uma das maiores coleções de palmeiras do mundo, com cerca de 1500 espécies. Além disso, diversas áreas do parque recriam os ambientes da floresta amazônica e da mata atlântica.

VIDEO: GALERIA ADRIANA VAREJÃO

Galeria Adriana Varejão por superalbertofilho

Toda essa exuberância é parte integrante do acervo artístico do instituto, com mais de 500 obras espalhadas - ao ar livre e em galerias - pelo espaço do instituto. Extremamente visuais, mas também sonoros, táteis e olfativos, os trabalhos são assinados por artistas de mais de 100 nacionalidades, como os norte americanos Chris Burden, Matthew Barney e Doug Aitken, o tailandês Navin Rawanchaikul, a japonesa Yayoy Kusama, a canadense Janet Cardiff e os brasileiros Hélio Oiticica, Tunga, Cildo Meireles e Adriana Varejão, entre outros.

Galeria Cildo Meireles por superalbertofilho

O Inhotim se diferencia de outras instituições por oferecer ao artista condições para a realização de obras que apenas em seu parque poderiam ser construídas. Muitas das obras foram erguidas a partir do conceito ‘site-specific’, em que o trabalho do artista está definitivamente integrado no espaço que o abriga.
O resultado é incrível: passear pelo Inhotim tornou-se uma experiência inigualável, onde todas as pessoas podem caminhar por edifícios de arquitetura arrojada, interagir com construções espelhadas e, ao mesmo tempo admirar um lago cheio de cisnes ou árvores com mais de 30 metros de altura.

Sonic Pavilion - Doug Aitken, 2009 por superalbertofilho

Um dos grandes exemplos dessa integração entre arte e natureza é o 'Pavilhão Sônico', do artista Doug Aitken. No centro da construção feita com aço e vidro, em uma das colinas do parque, ele perfurou um poço tubular com 202 metros de profundidade e ali inseriu seis microfones conectados a amplificadores sonoros.
No interior do edifício, enquanto admira uma vista panorâmica do Inhotim, o visitanta ouve os sons - quase sempre parecidos com ventos e sussurros - provenientes das profundezas terrenas. Algumas vezes é possível escutar o eco das explosões feitas dentro das minas que operam na região de Brumadinho.

VIDEO: BEAM DROP - CHRIS BURDEN, 2008

Beam Drop - Chris Burden, 2008 por superalbertofilho

Outro trabalho interessante é o 'Beam Drop', de Chris Burden, realizado em dos pontos mais altos do parque: nele o artista subiu em um guindaste e, de uma altura de 45 metros, soltou 71 vigas em direção a uma vala com cimento fresco. Todas ficaram em pé, de modo caótico, criando um contraste entre sua ferrugem e o verde da paisagem.
O Inhotim também possui 17 galerias (algumas com 1.000 m²) que apresentam ao público temas instigantes e, às vezes, polêmicos. Na galeria Rio Branco, o artista espanhol Miguel Rio Branco mostra em vídeos e fotografias, a rotina da população extremamente pobre na região do Pelourinho, em Salvador (BA).

Cosmococa CC5 Hendrix War por superalbertofilho

Já a galeria Cosmococa reúne instalações desenvolvidas pelos brasileiros Hélio Oiticica e Neville D'Almeida, onde o visitante pode assistir, entre colchões, redes e bexigas, a slides montados pelos dois artistas: as projeções mostram imagens de ícones pop como Marilyn Monroe e Jimi Hendrix desenhadas por ‘fileiras’ de cocaína, e exibidas ao som da guitarra de Hendrix ou de uma sanfona de forró.

VIDEO: NEVILLE D’ALMEIDA E AS COSMOCOCAS

Neville d'Almeida e as Cosmococas por superalbertofilho

A CONVITE DE INHOTIM, O ‘CANAL’ ESTEVE NA INAUGURAÇÃO DOS NOVOS PAVILHÕES, NOVAS OBRAS EXTERNAS E NOVAS SALAS, EM SETEMBRO DE 2010. VEJA O PROGRAMA.

VIDEO: CANAL EM INHOTIM - Parte 01

Canal em Inhotim - Parte 01 por superalbertofilho

VIDEO: CANAL EM INHOTIM - Parte 02

Canal em Inhotim - Parte 02 por superalbertofilho

VIDEO: BERNARDO PAZ FALA SOBRE A IMPORTÂNCIA DA ARTE CONTEMPORÂNEA NO PROGRAMA DE MARÍLIA GABRIELA

Bernardo Paz: a importancia da Arte Contemporanea por superalbertofilho

SERVIÇO:

Reserve pelo menos dois dias para visitar o Inhotim - o lugar é enorme e reúne centenas de atrações. O visitante irá caminhar bastante pelo parque, portanto, vista roupas e tênis confortáveis.
O Inhotim funciona das 9h30 às 16h30 entre terça e sexta-feira, e das 9h30 às 17h30 aos sábados domingos e feriados. O valor da entrada é acessível: R$ 20 (entrada inteira). Pagando mais R$ 10 o visitante tem direito de usar o transporte motorizado dentro do instituto.
Os ônibus da empresa Saritur saem de terça a domingo (e feriados) da rodoviária de Belo Horizonte com destino ao Instituto Inhotim. Saiba dos horários pelo telefone 0XX31 - 3419-1800

PARA AMPLIAR E VISUALIZAR O MAPA CORRETAMENTE CLIQUE NA IMAGEM COM O BOTÃO DIREITO DO MOUSE E SELECIONE A OPÇÃO 'ABRIR LINK EM UMA NOVA JANELA', DEPOIS CLIQUE SOBRE A IMAGEM DA NOVA JANELA

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Para visualizar ou baixar a apresentação do Instituto Inhotim em PDF clique aqui
Veja mais fotos do Instituto Inhotim – em alta resolução - clicando aqui

INSTITUTO INHOTIM NO CIRCUITO CULTURAL PRAÇA DA LIBERDADE

O governador Antonio Anastasia assinou, no dia 29 de setembro deste ano (2011), no Palacete Dantas, o protocolo de intenções com o presidente do Conselho Administrativo do Instituto Inhotim, Bernardo Paz, para a criação do Inhotim Escola, que integrará o Circuito Cultural Praça da Liberdade.

Instituto Inhotim no Circuito Praça da Liberdade por superalbertofilho

ART REVIEW DIVULGA SUA FAMOSA LISTA DOS 100 MAIS PODEROSOS DO MUNDO DAS ARTES - E UM BRASILEIRO ESTÁ ENTRE ELES

Todos os anos, o ranking da revista Art Review elenca artistas, críticos de arte, mecenas e donos de galeria, a grande maioria deles americanos e europeus. Em 2011, na 76ª posição, aparece o nome do idealizador e criador do Instituto Inhotim, Bernardo Paz, o único brasileiro a figurar na lista.
O artista chinês Ai Weiwei encabeça a lista.
"A prisão de Weiwei e as reações que se seguiram a ela só fizeram aumentar o apetite do público já interessado em ver seu trabalho", diz o texto da "Art Review", lembrando que o artista mantém uma programação "intensa" de exposições. No ano passado, Weiwei figurava em 13º no ranking.
O curador e crítico Hans Ulrich Obrist figura na segunda posição, como no ano passado. O galerista Larry Gagosian caiu do topo para a quarta posição.

GOVERNO CHINÊS CONDENA O ARTISTA AI WEIWEI

2011-11-11T15:44:00.005-02:00

O governo chinês deu duas semanas para que Ai Weiwei pague 15 milhões de iuans (2,4 milhões de dólares) em impostos e sanções. O valor, originalmente citado em $770,000, foi alterado e largamente aumentado. O montante é referente a supostos impostos atrasados e multas da companhia para a qual ele trabalha, a Beijing Fake Cultural Development, de propriedade de sua esposa, Lu Qing.
A ordem de cobrança do Escritório Local de Tributação de Pequim foi entregue ao artista na casa dele, localizada em um dos distritos artísticos da capital chinesa.

Ai disse que as autoridades o apontaram como controlador da empresa que ajudou suas obras a conquistarem prestígio internacional.
- Eles criaram esse pequeno título - disse Weiwei - Sou um designer da empresa. Não sou diretor nem mesmo gerente. Claro, sei que essa questão é para me atingir.
O artista ainda disse que não teve acesso aos documentos que deram origem à acusação de sonegação nem sabe a que impostos e taxas ela se refere. "Onde está a prova? Se o governo quer fazer uma acusação, ele tem de mostrar as evidências."
Em julho, as autoridades de Pequim fizeram uma audiência a portas fechadas sobre o caso de evasão fiscal. Weiwei tentou participar da audiência, mas foi barrado na porta. Em junho, quando foi libertado, o governo havia afirmado que Weiwei continuava sob investigação de crimes econômicos.
O dissidente afirmou que, se não pagar o que deve, estará sujeito a uma pena que pode variar entre 2 e 7 anos de prisão. "Eu ainda não sei o que fazer. Tenho de conversar com advogados e especialistas em tributação", disse.
— Se for um problema de impostos, vou pagar. Mas se não for, não vou pagar — disse.
O artista colocou mensagem no Twitter dizendo que as autoridades ameaçaram o contador e o administrador da empresa e os alertaram para que não se encontrassem com ele.

VÍDEO: AI WEIWEI DETAINED. HIS TED FILM

TED: Ai Weiwei detained por superalbertofilho

Weiwei considera que esta é mais uma tentativa de silenciá-lo. Para ele, a denúncia de sonegação tem motivação política e seu objetivo é dar um verniz de legalidade à sua prisão - além de ser uma tentativa de intimidá-lo, na opinião de simpatizantes.
Ai foi preso em 3 de abril e permaneceu detido durante 81 dias sem a apresentação de nenhuma acusação formal contra ele. Quatro dias depois de sua prisão, o governo chinês afirmou que o dissidente era investigado por "crimes econômicos", sem dar detalhes das suspeitas.
SAIBA MAIS SOBRE A DETENÇÃO DE AI WEIWEI CLICANDO AQUI.
Ele foi libertado em junho. Como condição para a libertação, Ai foi proibido de dar entrevistas, escrever na internet e sair de Pequim pelo período de um ano.
Porém, não demorou muito para que Weiwei voltasse a manifestar suas opiniões e criticar o governo. Em agosto, ele publicou um artigo na revista “Newsweek” e suas mensagens no Twitter se tornaram cada vez mais frequentes. Ele conta com cem mil seguidores na rede.

VÍDEO: WHO IS AFRAID OF AI WEIWEI

Who is Afraid Of Ai Weiwei por superalbertofilho

Ai é o mais célebre dos críticos do regime presos desde meados de fevereiro, quando teve início a mais violenta onda de repressão na China em pelo menos uma década. As autoridades de Pequim reagiram a e-mails anônimos que convocavam manifestações semelhantes às que derrubaram regimes autoritários em países muçulmanos, em uma tentativa de criar uma versão local da primavera árabe.
Os protestos não chegaram a ocorrer, mas dezenas de ativistas, blogueiros, intelectuais e advogados que atuam na área de direitos humanos foram presos, alguns dos quais acusados de subversão.

VÍDEO: A MOBILIZAÇÃO DOS CIDADÃOS CHINESES

A mobilização dos cidadão chineses por superalbertofilho

O fato causou mobilização nos cidadão chineses, que até agora já enviaram mais de US$ 800 mil em contribuições para o artista. Cerca de 20 mil pessoas já enviaram dinheiro para Ai Weiwei através de transferências bancárias e envelopes.
Em retribuição, sementes de cerâmica comemorativas da instalação "Sunflower Seeds", que Ai Weiwei apresentou em sua instalação na Tate Modern, são preparadas para serem enviadas às pessoas que estão colaborando com o artista.
Um jornal estatal publicou na segunda-feira (07) que Weiwei pode ser acusado de “captação ilegal de recursos” e que “é absolutamente normal para um certo número de pessoas demonstrar seu apoio a ele com doações. Mas essas pessoas são um número extremamente pequeno quando comparado com a população total da China”.

VIDEO: DOCUMENTÁRIO BBC - AI WEIWEI, WITHOUT FEAR OR FAVOR

BBC: Ai Weiwei, Without Fear or Favor por superalbertofilho

‘SUNFLOWER SEEDS’

Há 14 anos, a Tate Modern de Londres expõe ‘The Unilever Series’ em que artistas plásticos renomados pelo mundo expõem seus trabalhos no Turbine Hall.
O convidado da edição de novembro de 2010 foi Ai Weiwei, que mais uma vez surpreendeu com a instalação "Sunflower Seeds", colocando 100 milhões de sementes de girassol feitas de porcelana na galeria.
Os visitantes foram convidados a tocar e a andar por cima do tapete de sementes, com uma massa de dez centímetros de altura e pesando mais de 150 toneladas, que cobriu uma superfície de mil metros quadrados.

VÍDEO: ‘SUNFLOWER SEEDS’ NO TURBINE HALL

Sunflower Seeds No Turbine Hall por superalbertofilho

Para concluir a obra foi necessário que 1,6 mil pessoas se empenhassem durante dois anos e meio na confecção das sementes, em que cada colaborador contribuiu com cerca de 60 mil réplicas. Ai Weiwei contribuiu apenas com três.
Na conferência de imprensa de apresentação da exposição, Ai Weiwei explicou que todas as peças foram produzidas segundo os métodos tradicionais na antiga cidade de Jingdezhen, na China, famosa pela sua produção de porcelana para a corte imperial.

VÍDEO: VEJA OS BASTIDORES DE ‘SUNFLOWER SEEDS’

Making of de Sunflower seeds por superalbertofilho

ARQUITETURA: ‘VILLA SAVOYE’ DE LE CORBUSIER

2011-11-10T11:37:00.002-02:00

A Villa Savoye, obra do arquiteto franco-suíço Le Corbusier (Charles-Edouard Jeanneret-Gris, 1887-1965), é uma residência projetada e construída entre 1928-29 em Poissy, na região parisiense. Forma com a residência Farnsworth (de Mies van der Rohe) e a Casa da Cascata (de Frank Lloyd Wright) uma tríade de residências paradigmáticas das diferentes tendências da arquitetura moderna que surgiram no início do século.

A residência é responsável por influenciar o pensamento projetual de arquitetos em todo o mundo devido à um século marcado pela máquina, pela razão e pelo progresso. Segundo Le Corbusier, ‘a casa é uma máquina de morar’ e a Villa Savoye foi projetada seguindo essa idéia, de forma plena.

Encomendada por um jovem casal com um filho, a edificação constitui um dos mais importantes exemplares da arquitetura moderna de raiz funcionalista, sintetizando as pesquisas para a arquitetura doméstica que Le Corbusier desenvolveu. A Villa expõe em si mesma os ‘Cinco Pontos para uma Nova Arquitetura’, propostos na obra teórica de Le Corbusier, formulada em 1927:

1. Pilotis, liberando o edifício do solo e tornando público o uso deste espaço antes ocupado, permitindo inclusive a circulação de automóveis;

2. Terraço jardim, transformando as coberturas em terraços habitáveis, em contraposição aos telhados inclinados das construções tradicionais;

3. Planta livre, resultado direto da independência entre estruturas e vedações, possibilitando maior diversidade dos espaços internos, bem como mais flexibilidade na sua articulação;

4. Fachada livre, também permitida pela separação entre estrutura e vedação, possibilitando a máxima abertura das paredes externas em vidro, em contraposição às maciças alvenarias que outrora recebiam todos os esforços estruturais dos edifícios;

5. A janela em fita, também conseqüência da independência entre estrutura e vedações, se trata de aberturas longilíneas que cortam toda a extensão do edifício, permitindo iluminação mais uniforme e vistas panorâmicas do exterior.

VIDEO: VILLA SAVOYE PROMENADE CREATION

Villa Savoye, promenade por superalbertofilho

Associado aos cinco pontos, o conceito da promenade architecturale, ou o passeio arquitetural, é fundamental para a compreensão desta residência. A valorização do percurso como uma estratégia conceitual, a ordenar tanto interna como externamente a Villa Savoye, é evidenciada desde a chegada, pontuando a experiência de fruição do objeto arquitetônico com surpresas constantes. O conceito se realiza através da variação do percurso, obrigando a experiência do objeto arquitetônico em diferentes posições e pontos de vista, e variando constantemente a relação entre o objeto e o fruidor.

O próprio Le Corbusier revela a origem do conceito da Promenade:
“A arquitetura árabe nos dá um ensinamento precioso. Ela é apreciada no percurso a pé; é caminhando, se deslocando que se vê desenvolverem as ordenações da arquitetura. Trata-se de um princípio contrário à arquitetura barroca que é concebida sobre o papel, ao redor de um ponto teórico fixo. Eu prefiro o ensinamento da arquitetura árabe”

A casa se caracteriza por um volume prismático branco, de planta quadrada, elevado do solo por pilotis (colunas de betão). A parede exterior, tratada como uma membrana sem funções estruturais foi rasgada por longas janelas horizontais que enquadram as perspectivas sobre o exterior da casa.

No exterior, sob o bloco principal da casa, o recuo do volume que articula as entradas define um espaço coberto, de transição entre o interior e o exterior, que protege contra as intempéries de quem chega e cria a possibilidade de um caminho coberto para o automóvel chegar até a garagem, passando pela entrada principal. Também, os pilotis reforçam a idéia da liberação do solo para o uso comum e a circulação, estabelecendo um espaço aberto e iluminado naturalmente, porém em sombra.

No interior, a inversão de sentidos entre escada e rampa evidencia o conceito da promenade architecturale, ou seja, a variação de percursos faz com que a fruição se dê de forma complexa, produzindo estímulos diversificados e distintos na medida em que se caminha no espaço interior. A experiência do percurso se faz mais importante do que a apreensão da forma estática, a relação entre espaço e tempo acontece também do lado de dentro.

O piso térreo concentra os espaços de serviço (garagem e quartos dos empregados) assim como a entrada e respectivos dispositivos de circulação. Uma parede curva em vidro contém o átrio da habitação, no interior do qual se encontra uma rampa que conduz aos outros pisos, assim como uma escada auxiliar de serviço.

No primeiro andar ficam os espaços nobres da habitação (os quartos, a sala comum e a cozinha), organizados em torno de um terraço-jardim.
A partir do primeiro piso, a rampa continua exteriormente em direção à cobertura - um terraço - onde algumas paredes curvas emolduram as vistas sobre a paisagem. Esta rampa, que substituiu a solução tradicional das escadas, cria um percurso interior, contínuo, em que se sucedem acontecimentos espaciais e visuais.

A Villa Savoye torna manifesto um novo modo de vida que toma lugar nos espaços que o conceito da promenade architecturale possibilita. Intimidade e controle se realizam no equilíbrio entre abertura e fechamento - integração visual e isolamento físico, proporcionando uma sensação de proteção realizada pelas divisões e a possibilidade de visualização panorâmica do exterior.

A resposta às demandas relativas à utilidade se fazem, na Villa Savoye, através da criação de equipamentos e suportes para o dia a dia (bancadas, armários, mesas e etc.) e da incorporação das inovações tecnológicas, como o automóvel. Tal inclusão elimina a possibilidade de leitura da obra corbusiana como arte pura, revelando a consideração de uma finalidade que é externa à própria forma.

A Villa Savoye aponta para a possibilidade de que a arquitetura possa regular as relações humanas e atingir um grau de ‘invenção arquitetural’ na medida em que promove deslocamentos em todas as demandas que interagem na criação e na realização do edifício, o que sugere uma reinvenção da finalidade a que a arquitetura deve atender.

VIDEO: VILLA SAVOYE POR ARCHITECTURAL WONDERS

Architectural Wonders: Villa Savoye por superalbertofilho

INTERNET: INSTITUTO CLARO INCENTIVA TECNOLOGIAS NA ESCOLA

2011-11-09T18:03:00.001-02:00

O Instituto Claro lançou, em 2010, a cartilha “Tecnologias na Escola”, elaborada por Carlos Seabra - consultor e coordenador de projetos de tecnologia educacional e redes sociais e autor de diversos artigos, softwares e sites educacionais sobre o tema. O objetivo é ajudar os educadores a repensarem o formato tradicional de educação, através da utilização de ferramentas digitais. A cartilha pode ser baixada na internet, clicando aqui.

Além da discussão teórica, “Tecnologias na Escola” traz exemplos práticos e dicas de aplicativos a serem usados no dia a dia. Carlos Seabra explica que a ideia é dar uma noção geral de que a tecnologia é uma ferramenta facilitadora do trabalho em sala de aula e, por isso, deve ser apropriada pelos professores.

Nesse sentido, ele quer desmistificar alguns tabus, como o de que o uso da tecnologia representa necessariamente mais trabalho para o docente. Ao contrário, se bem utilizada, ela é capaz de otimizar o tempo do profissional. E o consultor é categórico: o docente só conseguirá atrair seus alunos se conseguir entendê-los, mas, para isso acontecer, precisa compreender as novas tecnologias. “As pessoas hoje nascem com o mouse na mão”, diz.

VIDEO: CARTILHA SOBRE O USO DE TECNOLOGIAS NA ESCOLA

Instituto Claro: cartilha sobre o uso de... por superalbertofilho

Para facilitar sua utilização, a cartilha foi dividida em dez temas: navegação, comunicação, vídeo, som, imagens, blogs, textos e planilhas, mapas, redes sociais e jogos e simulações. De forma clara e direta, o educador tem acesso aos principais programas e aplicativos disponíveis na rede que podem facilitar o uso da tecnologia no processo de educação.

EDUARDO KAC: ‘AROMAPOETRY’ - UM LIVRO PARA SER LIDO COM O NARIZ

2011-11-08T11:38:00.002-02:00

Aromapoetry é um novo tipo de poesia em que a unidade de composição (o poema) é composta de cheiros. O poeta "escreve" os cheiros ao conceber o poema como uma experiência olfativa, empregando procedimentos químicos múltiplos para alcançar seus objetivos poéticos. Nem é preciso dizer que, como em qualquer tipo de poesia, o leitor é um participante ativo que interpreta e, portanto, atribui o seu significado próprio para o poema além das motivações originais do escritor.

Em Aromapoetry, o primeiro livro escrito exclusivamente com os cheiros, os leitores encontram doze aromapoemas que variam muito em sua estrutura material e ressonância semântica. Enquanto alguns aromapoemas são compostos por apenas uma ou duas moléculas, a maioria restante é composta por dezenas de moléculas, cada. Em alguns casos, um único poema tem distintas zonas olfativas na sua página, em que o aroma de cada zona é composto por por dezenas de moléculas. Em outras palavras, o nível de complexidade molecular das obras em Aromapoetry varia desde o simples ao extremamente complexo.

Eduardo Kac compôs os doze poemas em Aromapoetry, de modo a fornecer ao leitor um amplo campo de experiências aromáticas. Os títulos simultaneamente delineam e inauguram a esfera semântica de cada obra. Cada poema é uma composição distinta e independente. Ao mesmo tempo, o livro tem um ritmo interno dinâmico, produzido através da alternância de cheiros diferentes ou contrastantes.

Qualquer poema no livro emprega nanotecnologia, vinculando uma camada extremamente fina de vidro poroso (200 nanômetros de espessura) em cada página, prendendo os odores (ou seja, as moléculas voláteis) e liberando-os muito lentamente.
Sem esta nanotecnologia, as fragrâncias poderiam se dissipar rapidamente e os cheiros não poderiam ser experimentados depois de alguns dias. Para assegurar a longevidade ainda maior, um conjunto de pequenos frascos está integrado no livro, permitindo ao leitor recarregar cada página individualmente. Com um olho no futuro distante, o sumário do livro apresenta as moléculas utilizadas na produção de cada poema.

VIDEO: “AROMAPOETRY”

Eduardo Kac: Aromapoetry por superalbertofilho

Estréia mundial de Aromapoetry:
A mostra "Invisible & Insaisissable / Elusive & Invisible" acontece desde 23 setembro e vai até 16 dezembro de 2011, no Centro de Artes da cidade de Enghien-les-Bains, na França
Aromapoetry é o Livro do artista, de Eduardo Kac, apresentado em uma caixa, com envólucro deslizante e composto por doze poemas, com aromas exclusivos - feitos especialmente para a obra - inseridos em uma nanocamada de vidro mesoporoso. O livro possui texto impresso, frascos de 16.2 ml com títulos gravados, mede 29,7 cm x 21,0 cm x 5,08 milímetros, e tem tiragem de 10 edições assinadas e numeradas pelo artista.
Aromapoetry foi patrocinado pelo OpenLab, em Paris, e produzido com o apoio de Niki Baccile, Balzerani Margherita, e Azaïs Thierry.

MEIO AMBIENTE: INDÚSTRIA DE PAPEL AMEAÇA TIGRES NA SUMATRA

2011-11-06T11:34:00.000-02:00

A taxa e a escala do desmatamento da floresta em Sumatra, pelos grandes produtores de papel, se aproxima de um ‘Armageddon’ ecológico e abrange preciosos habitats naturais, que são destruídos, criando níveis devastadores de emissões para o efeito estufa.
A cobertura de floresta na Sumatra, Província de Riau, abriga alguns dos animais selvagens mais raros do mundo, incluindo o tigre de Sumatra – em extinção. Mas seu território está sob ataque implacável e menos de 400 deles sobrevivem.

Cerca de sessenta por cento das florestas de Riau já foram desmatadas para dar lugar a uma vasta plantação de óleo de palma para a produção de celulose e de papel. "O que está acontecendo lá [Sumatra] em larga escala industrial é bastante assustador ... uma das piores devastações florestais que eu já vi em qualquer lugar", diz Bill Laurance, um biólogo conservacionista. Para Pairan, um fazendeiro local, as conseqüências do desmatamento são potencialmente devastadoras. "Eu não posso imaginar o que vai acontecer com a minha família ... a única coisa que eu tenho, a minha única esperança, é a minha terra."

O Filme é da ABC Australia, distribuído pela Journeyman Pictures - Agosto 2011

Paper Kills - Indonesia por superalbertofilho

INTERNET: BLOGUEIROS ROUBAM A CENA NO NY FASHION WEEK

2011-11-04T14:07:00.001-02:00

Com o encerramento da Nova York Fashion Week, em 15/ 09, os fashionistas confirmam estar apostando menos nas revistas e mais em blogueiros na hora de saber o que usar na próxima estação.
Muitos podem nunca ter ouvido falar de Tavi Gevinson, Scott Schuman, Susie Bubble e Bryanboy, mas estes são nomes conhecidos dos interessados no mundo fashion. Todos os quatro integram a revolução dos blogs, fenômeno que vem transformando radicalmente o mundo da moda.

Fashion Bloggers por superalbertofilho

Por anos, a moda foi algo determinado por um pequeno número de publicações - bíblias fashion como ‘Vogue’, ‘Elle’ e ‘Harper’s Bazaar’ - cujos autores protegiam seus acessos a desfiles e aos estilistas. Mas os blogs vêm tomando o espaço da mídia tradicional, à medida que mais pessoas querem saber o que eles dizem sobre moda na vida cotidiana.

VIDEO: COMO OS BLOGGERS MUDAM A MODA

Como os Bloggers mudam a moda por superalbertofilho

Assim como os consumidores, os blogs surgem em diferentes formas e tamanhos.
O Sartorialist, de Scott Schuman, retrata o estilo das ruas, encontrando inspiração no modo de vestir de pessoas comuns, sejam as que usam roupas de estilistas famosos ou as que vestem uniformes de trabalho.
Tavi Gevinson, hoje com 15 anos, começou o blog Style Rookie aos 11, ficou famosa por traduzir as passarelas pelo prisma de uma adolescente fanática por moda.
Bryanboy é o diário e a janela para o mundo de Bryan Grey-Yambao, com comentários por vezes cáusticos de sua vida e obsessões.
No Style Bubble, a blogueira Susie Bubble comenta o sucesso dos blogs de moda e elege seus estilistas preferidos

VIDEO: BLOGS DE MODA

Blogs de moda por superalbertofilho

O sucesso desses blogs mostra que a hierarquia da moda sofreu fortes mudanças com o advento das mídias digitais. Além da palavra escrita, vídeos online, fotos digitais e mídias sociais estão revolucionando a relação entre consumidores e marcas. Agora, qualquer um pode se tornar um crítico. Quando as grifes colocam suas coleções online, as pessoas podem postar suas impressões instantaneamente. E muitas empresas passaram a dar importância e a capitalizar essas recomendações aparentemente independentes vindas de pessoas que querem comprar seus produtos.
Os blogs se destacaram por permitir o diálogo, por terem textos curtos e opiniões longas – e por serem confessionais. Mas o grande segredo do sucesso dos blogs é uma voz original e um senso de estilo diferenciado.

VIDEO: FASHION BLOGGERS SÃO EDITORES DE MODA?

Fashion bloggers são editores de moda? por superalbertofilho

Robin Derrick, ex-diretor da Vogue inglesa, diz que há poucos blogs realmente bons. E que eles tiveram uma ascensão meteórica porque a mídia impressa foi lenta ao ocupar o vasto e emergente espaço online.
“Nada se compara a essa mudança de cenário. Foi uma incrível colisão de tantas coisas, tudo de uma só vez.”
Lisa Armstrong, editora de moda do jornal britânico Daily Telegraph, insiste que os jornais precisam se engajar mais com o público jovem, que se informa pela internet.
“Os blogs não estão contra nós. Os editores de moda de jornais têm uma vasta experiência e sabem do que estão falando.”

VIDEO: BRIAN BOY FALA DA INFLUÊNCIA DOS BLOGS DE MODA

Bryan Boy e influência dos blogs de moda por superalbertofilho

MODA MAIS ACESSÍVEL
Para muitas pessoas, a moda é algo inóspito e intimidante. Mas os blogueiros ajudaram e acabar com essa percepção de que você precisa ser do ramo para entender de moda.
“Eles tornaram tudo mais acessível”, diz Bryanboy.
A velha-guarda, antes minada pelo crescimento dos blogueiros, reagiu com duas coisas que eles não tinham: dinheiro e acesso aos grandes eventos de moda.
Derrick vê a era dos blogueiros como uma imprensa alternativa, com vozes independentes, mas que está chegando ao fim à medida que eles buscam se manter a partir de seus sites e de suas reputações.
Bryanboy adimite que atualmente é mais difícil se destacar na blogosfera fashion.
“Será que precisamos mesmo de outra garota tirando fotos de si mesma nas ruas e postando em seus blogs todos os dias? Para um novo blogueiro conseguir algum impacto hoje, ele precisa oferecer algo realmente novo.”

VIDEO: ONDE NASCE A MODA?

Onde nasce a moda? por superalbertofilho

INTERNET: TRIBUNAL CONDENA FUNDADOR DO WIKILEAKS

2011-11-03T13:37:00.005-02:00

Um juiz britânico da Alta Corte de Londres confirmou nesta quarta-feira (02) a extradição, para a Suécia, do fundador do site Wikileaks, Julian Assange, após uma batalha jurídica de 11 meses.

VÍDEO: TRIBUNAL BRITÂNICO CONFIRMA EXTRADIÇÃO DE ASSANGE

Tribunal britânico confirma extradição de Julien... por superalbertofilho

O tribunal rejeitou o argumento da defesa de que os atos, qualificados como estupro na Suécia, eram considerados um ato consensual na Grã-Bretanha.
Durante uma audiência de dois dias, ocorrida em julho deste ano, a defesa questionou a proporcionalidade do pedido de extradição, já que não foram apresentadas acusações formais contra ele, na Suécia, pelos quatro supostos crimes de agressão sexual denunciados por duas mulheres durante o período que Assange passou no país em agosto de 2010.

VÍDEO: A DECLARAÇÃO (COMPLETA) DE JULIAN ASSANGE APÓS A CONDENAÇÃO

Fala de Assange após condenação (completo) por superalbertofilho

Julian planeja apelar para o recurso no prazo de 10 dias, mas segundo a promotoria, para obter autorização para uma nova apelação é necessário que ela seja baseada em um ponto jurídico de interesse geral - um aspecto que vai além do caso jurídico de Assange.
Sua equipe de defesa argumenta que sua extradição para a Suécia pode resultar em uma segunda extradição, para os Estados Unidos, onde o crime de divulgação dos documentos confidenciais pelo Wikileaks pode resultar em pena de morte.

SAIBA MAIS SOBRE O CASO CLICANDO AQUI

VIDEO: GLENN GREENWALD COMENTA O CASO DA EXTRADIÇÃO DE JULIAN ASSANGE

Glenn Greenwald comenta a estradição de Assange por superalbertofilho

O site Democracy Now! Entrevistou o advogado de direito constitucional e blogueiro legalizado, Glenn Greenwald, sobre o caso Assange, as alegações de tortura cometida pelo exército dos EUA contra o denunciante Bradley Manning, e sobre uma trama, recentemente divulgada por três empresas de inteligência privada ao WikiLeaks, de que os seus apoiantes, incluindo Greenwald - que tem defendido publicamente a organização, também seriam alvos de ataque.

VIDEOS: JULIAN ASSANGE FALA AO RUSSIAN TODAY
O homem por trás do Wikileaks afirma que as revelações divulgadas pelo seu site são apenas a ponta do iceberg. Em uma entrevista exclusiva com o Russian Today, Julian Assange afirma que é apenas uma questão de tempo antes que as informações mais prejudiciais se tornem conhecidas.

ASSANGE FALA COM EXCLUSIVIDADE AO RT - parte 1

Assange fala com exclusividade ao RT - parte 1 por superalbertofilho

ASSANGE FALA COM EXCLUSIVIDADE AO RT - parte 2

Assange fala com exclusividade ao RT - parte 2 por superalbertofilho

A REVOLUÇÃO ROBÓTICA ESTÁ PRÓXIMA

2011-11-01T10:37:00.008-02:00

Especialistas acreditam que estamos prestes a testemunhar o início de uma revolução robótica que será tão marcante quanto a que foi proporcionada pela informática a partir dos anos 1980. De funções domésticas a educacionais, incluindo o cuidado de idosos, os pesquisadores acreditam que em breve robôs devem ser comuns em residências e locais de trabalho.

Ainda, o governo da Coréia, através do seu Ministério da Indústria, Comércio e Energia, estima que a indústria dos robôs deve superar a automobilística nas próximas décadas, passando a ser o motor da economia mundial - (Veja mais clicando aqui)
Neste sentido, os estudiosos vêm desenvolvendo novas leis para regular o comportamento dos robôs e pensando em novas formas de interação entre humanos e máquinas. Já são comercializados robôs que desempenham tarefas domésticas como passar aspirador de pó no chão.

VIDEO: REVOLUÇÃO ROBÓTICA

Revolução robótica por superalbertofilho

A companhia I Robots, fundada por três ex-alunos de ciência da computação do MIT, desenvolve, normalmente, androides para o Exército americano. Baseada na mesma tecnologia usada para criar robôs capazes de desmantelar bombas, a empresa acaba de criar um ''aspirador de pó inteligente'' que é capaz de desviar de pernas de mesa e outros obstáculos.
Os criadores de robôs estão também se inspirando nos movimentos e atributos de animais para desenvolver novos produtos, como um andróide que conta com ''quatro patas'' resistentes que o impedem de deslizar no gelo ou outro que possui sensores similares aos do bigode de um gato.

VIDEO: ROBÔS IMITAM SERES VIVOS

Robôs imitam seres vivos por superalbertofilho

No Japão, protótipos ajudam idosos a se levantar de suas camas ou após quedas, além de lembrar horários de remédios e ajudá-los a lavar os cabelos.
"Idosos não gostam de usar computadores, mas podem falar com um robô" diz Hiroshi Ishiguro, diretor do Laboratório de Inteligência Robótica da Universidade de Osaka.
A equipe liderada por Maja Mataric, da Universidade do Sul da Califórnia, vem desenvolvendo robôs para atuar com idosos e pacientes que sofreram derrames.
"A questão é: quem vai cuidar de todo mundo? Embora a melhor forma de atenção dada a uma pessoa venha de outra pessoa, simplesmente não vai existir gente o suficiente. É aí que a tecnologia robótica pode fazer a diferença", afirma ela.

VIDEO: MAJA MATARIC EM 'KINDER, GENTLER ROBOTS', 2008

Maja Mataric em 'Kinder, Gentler Robots', 2008 por superalbertofilho

Mas antes de as pessoas abrirem suas casas para robôs, elas vão ter que gostar e, principalmente, confiar neles. E há grupos se dedicando a facilitar a comunicação entre humanos e robôs. Estudos mostraram que crianças autistas, que frequentemente têm dificuldades de comunicação, podem interagir com mais facilidade com robôs do que com outras pessoas.
Especialistas britânicos esboçaram princípios éticos para a fabricação de robôs, resumidos da seguinte forma:

1 – Robôs não podem ser projetados com o objetivo primário de matar ou ferir humanos.
2 – Os humanos e não os robôs são agentes responsáveis. Robôs são ferramentas projetadas para cumprir metas traçadas por humanos.
3 – Os robôs devem ser projetados de modo a garantir uma operação segura.
4 – Eles são artefatos. Não devem ser projetados para explorar usuários vulneráveis ao evocar respostas emocionais ou dependência. Deve ser sempre possível diferenciar um robô de um humano.
5 – Deve ser sempre possível identificar o responsável legal por um robô.

O professor Alan Winfield da Universidade do Oeste da Inglaterra (University of the West of England) diz que este código representa apenas algumas ideias, mas estas devem ser debatidas antes da chamada “revolução robótica”.

VIDEO: DOCUMENTÁRIO COMPLETO – ‘OS NOVOS ROBOS’ (DUBLADO)

Discovery Channel - Os Novos Robos por superalbertofilho

UM CASO ROBÓTICO: ROBOT FISH

Em 7 de outubro de 2005, o Aquário de Londres revelou a mais nova "espécie" para se juntar a sua coleção: a carpa-robô.
Cientistas da computação da Universidade de Essex, no Reino Unido desenvolveu o peixe-robô auto-guiado, visto aqui nadando no aquário. Na época, os designers disseram que ele era o robô mais inteligente já criado.

Robot Fish por superalbertofilho

O peixe usa inteligência artificial e sensores embutidos para evitar obstáculos e responder às mudanças ambientais. A sua bateria dura até cinco horas, mas os cientistas esperam desenvolver um programa para o robô pesquisar e acessar uma estação de recarga quando ela estiver se esgotando.
Segundo o líder do projeto, Huosheng Hu, "Este trabalho tem muitas aplicações do mundo real, incluindo a exploração dos fundos marinhos, detecção de vazamentos em oleodutos, as contramedidas de minas, e melhorar o desempenho de veículos submarinos".
O robô, que se assemelha a uma carpa comum, com meio metro de comprimento, imita os movimentos ondulantes de um peixe real.

‘ArtBots’

A‘Science Gallery’ é um centro cultural público localizado no coração de Dublin. A galeria reúne pessoas com diversos interesses e conhecimento, incluindo pensadores criativos e jovens inovadores, para conectar, explorar, criar, debater e trocar idéias sobre ciência, tecnologia e as artes, abrindo esses campos para novos públicos.
O espaço consiste em um teatro multimídia para 144 assentos, estúdios, café e um impressionante espaço de galeria, proporcionando um local ideal para novos talentos, criativos, emergentes, para ser descoberto através de um programa de exposições, eventos e workshops.

VIDEO: ArtBots NA SCIENCE GALLERY

The Science Gallery - ArtBots por superalbertofilho

Com um público-alvo de jovens acima dos 15 anos e uma ênfase na criação de uma comunidade colaborativa, a ‘Science Gallery’, realizou, em 2008, um festival que explorou a arte e a ciência da robótica.
A mostra de talentos robóticos ‘ArtBots' se propôs a celebrar a união entre a arte e a tecnologia, e as aplicações não-violentas e ''não-muito-competitivas'' da robótica, mostrando ''robôs artísticos'' ou ''arte feita por robôs''.

VIDEO: NOVE VISÕES DE FUTURO POR ESPECIALISTAS, 2010

Nine Visions of the Future - 2010 por superalbertofilho

SOTHEBY’S: IMPRESSIONIST & MODERN ART EVENING SALE

2011-10-27T11:42:00.005-02:00

A casa de leilão Sotheby´s inaugura sua temporada de outono em grande estilo e apresenta, em sua noite para a arte impressionista e moderna, no próximo dia 2 de novembro, várias obras de museus do mundo todo. Um grupo de pinturas impressionistas do Museu de Belas Artes de Boston será disponibilizado juntamente com uma escultura de Max Ernst da Coleção Menil, em Houston, e exemplares da arte modernas do Museu de Israel em Jerusalém, incluindo óleos de Magritte, Chagall, Soutine e Pissarro.

VIDEO: HENRI MATISSE, ‘NU DE DOS’

Henri Matisse, Nu de Dos (1er état) por superalbertofilho

Um destaque da noite será o monumental relevo de Matisse - Nu de Dos (1er état) - primeira encarnação da famosa série de quatro relevos com nús femininos de costas. Criado no auge do movimento fauvista, em 1908-1909, esta escultura seminal tornou-se o trampolim de onde a estética de Matisse viria evoluir continuamente.

VIDEO: DESTAQUES DO SURREALISMO

Destaques do Surrealismo por superalbertofilho

O leilão da Sotheby’s ainda contará com uma seleção excepcional de imagens surrealistas, da grattage (técnica de pintura surrealista) única e as pinturas decalcomania de Max Ernst, passando pelos nus voluptuosos de Delvaux, até os ícones da imagem surreal de Magritte e Dalí.

VIDEO: PICASSO, ‘L'AUBADE’

Pablo Picasso, L'Aubade por superalbertofilho

É importante destacar ‘L'Aubade’ de Picasso, um óleo monumental de sua fase tardia, onde figuram amantes em serenata, e uma paisagem espectacular de Gustav Klimt.
Oferecido em leilão pela primeira vez na história na sequência da sua restituição pelo Museu de arte moderna de Salzburg, este óleo brilhantemente colorido retrata as encostas verdejantes do Attersee, onde o artista costumava passar seus verões durante o início de 1900.

VIDEO: GUSTAV KLIMT, ‘LITZLBERG AM ATTERSEE’

Gustav Klimt, Litzlberg Am Attersee por superalbertofilho

Ainda, o leilão vai apresentar uma obra rara da artista Tâmara de Lempicka, Le Rêve (Rafaëla Sur Fond Vert), um óleo sobre tela de grandes dimensões datada em julho de 1927, de propriedade de uma coleção privada européia

VIDEO: TAMARA DE LEMPICKA, ‘LE RÊVE’

Tamara de Lempicka, Le Rêve (Rafaëla Sur Fond... por superalbertofilho

Veja o catálogo do leilão clicando aqui

BARCELONA RECEBE GRANDE RETROSPECTIVA DE MIRÓ

2011-10-25T20:00:00.000-02:00

"La escalera de la evasión" (imagem acima), uma das obras mais emblemáticas de Joan Miró (Barcelona, 1893 - Palma de Mallorca, 1983), empresta seu título à exposição mais espetacular dedicada a Miró. A fundação que leva o nome do artista reúne até 25 de março 170 de obras do criador espanhol, entre pinturas, esculturas e obras sobre papel, procedentes de vários museus e coleções.
A mostra, a mais importante do artista realizada na Espanha nos últimos 20 anos, reúne obras de coleções públicas e privadas de todo o mundo e foi organizada em conjunto com a Tate Modern de Londres e a National Gallery of Art de Washington, com um orçamento que beirou um milhão de euros.

VIDEO: RETROSPETIVA DE MIRÓ EM BARCELONA

Retrospetiva de Miró em Barcelona por superalbertofilho

A mostra inclui a vertente mais política da obra do artista que, ao contrário de muitos de seus conterrâneos, nunca foi um ativista político militante. Mas sua obra é impregnada dos grandes acontecimentos históricos e sociais que estremeceram o mundo ao longo de uma extraordinária carreira de seis décadas, como a Guerra Civil espanhola e a Segunda Guerra Mundial. O título da exposição busca refletir sobre essa posição "ambígua" do artista diante do que ocorria ao seu redor.

A mostra percorre três períodos-chave da carreira de Miró, começando por seus anos de formação na Catalunha por volta dos anos 1920, dominados por quadros realistas, mas cheios de detalhes nos quais já aparecem alguns dos elementos onipresentes em toda a sua obra como a escada ou a barretina (gorro) catalã.
Os anos 1930 foram marcados por suas sombrias "pinturas selvagens", que coincidem com o começo da Guerra Civil, depois da qual Miró decidiu ir para Paris.
Mais tarde, com o franquismo instalado na Espanha, Miró viveu a última parte de sua vida em Mallorca, onde continuou explorando os diferentes terrenos da arte. Desta época, data a série Tela Quemada, na qual o pintor desmaterializa o objeto artístico e convida o espectador a olhar o mundo ao redor e, sobretudo, o tríptico La Esepranza Del Condenado a Muerte (1974), uma obra que reflete sobre a condição humana depois da execução do jovem anarquista catalão Salvador Puig Antich.

Esta exposição, previamente exposta na Tate Modern, onde foi visitada por 303.000 pessoas, surge agora em Barcelona. Depois viaja para a National Gallery of Art de Washington, onde se poderá vista a partir de maio de 2012.

EMICIDA + THE CREATORS PROJECT = ARTE + CIÊNCIA + TECNOLOGIA

2011-10-22T15:56:00.000-02:00

O rap nacional passou por um experimento científico tecnointerativo: o rapper paulistano Emicida emprestou suas ondas cerebrais e sua rima improvisada à ciência, para realizar seu novo vídeo “Processador Humano”. A gravação aconteceu durante a noite de encerramento do The Creators Project, realizado pelo segundo ano no Brasil, entre os dias 29 e 31 de julho deste ano, no Pavilhão da Bienal em São Paulo.
No show, Emicida surgiu no palco com uma mochila cheia de fios nas costas e a cabeça plugada a um computador que transformava seus impulsos cerebrais em imagens, transmitidas ao vivo no telão. A música foi feita ali, na hora, dentro de outro experimento, interativo, com seus fãs no Twitter.
No desafio, nomeado “Os seus tweets contra o meu cérebro”, o cantor improvisava um rap em freestyle com as palavras que a galera enviava pelo Twitter, sob a hashtag #emicidacreators. O resultado foi uma mistura de improvisação e arte visual.

VIDEO: A APRESENTAÇÃO

Processador Humano - Emicida por superalbertofilho

Na mesma noite foi lançado o CD/EP (extended play) do rapper –‘Doozicabraba e a Revolução Silenciosa’– produzido pela The Studio, uma incubadora global que produz e distribui o trabalho de artistas de diversas disciplinas criativas, revelados pelo The Creators Project.
O arquivo, zipado, vem com as músicas, letras e ainda as artes do cd - capa e encarte – e está disponível para download gratuito clicando aqui.
Nesta edição além do Rapper, o projeto trouxe também apresentações de K-Salaam & Beatnik, renomados produtores nova-iorquinos responsáveis pelo novo disco do artista. O DJ Zegon, Database e shows internacionais das bandas Atlas Sound e Charlifit também fizeram parte das atrações. Ainda foi exibido o filme Scenes from the Suburbs, feito pela parceria entre o cineasta Spike Jonze e a banda Arcade Fire, além de muitas outras atrações.

O The Creators Project é uma iniciativa cultural e tecnológica global realizada em uma parceria entre a Intel e a Vice - uma rede global dedicada a celebrar a criatividade, cultura e tecnologia. O projeto surge em um momento da história da arte em que as tecnologias digitais têm revolucionado a sua distribuição, democratizado o acesso e reimaginado o escopo e a escala com que cada artista pode alcançar um público. O projeto é um canal de artes e cultura completamente inovador desenvolvido para um mundo completamente novo.
O evento conta com alguns dos principais artistas, músicos, cineastas e designers do mundo. Durante os dias do evento é realizada uma série de instalações multimídias, exibições de filmes, painéis de discussão, oficinas e shows.

Para completar, o Emicida disponibilizou no seu site o vídeo “The Rise of Emicida”, que fala da produção do CD, pelos produtores Beatnick e K.Salaam, do seu processo criativo e conta algumas histórias que o trouxeram até sua realidade atual. A infância pobre, a perda do pai e a dificuldade de imaginar uma realidade diferente. ‘Meu maior projeto social é mostrar para as pessoas que estou vencendo vindo do zero’, frisou ele.

VIDEO: “THE RISE OF EMICIDA” PARTE 1

The Rise of Emicida - 1 por superalbertofilho

VIDEO: “THE RISE OF EMICIDA” PARTE 2

The Rise of Emicida - 2 por superalbertofilho

VIDEO: “THE RISE OF EMICIDA” PARTE 3

The Rise of Emicida - 3 por superalbertofilho

FOTOGRAFIA: A ESTÉTICA ‘SNAPSHOT’ DE TERRY RICHARDSON

2011-10-19T11:27:00.000-02:00

Terry Richardson nasceu em Nova Iorque em 1965, filho do famoso fotógrafo de moda dos anos 60, Bob Richardson, e da produtora de moda Norma Kessler. Passou os primeiros anos da sua vida em Paris, quando o pai deixou a Harper’s Bazaar americana e passou a trabalhar para a Vogue francesa. Aos cinco anos, a família retorna a Nova Iorque.

VIDEO: SNAPSHOT

Terry Richardson on the Snapshot por superalbertofilho

Pouco tempo depois pai inicia uma relação com a então modelo Angelica Houston (23 anos mais nova), e a mãe envolve-se com Jimmy Hendrix e mais tarde com Kris Kristoferson, até se mudarem para Woodstock. “Lembro-me de estar com todas estas pessoas nos estúdios - Rick Danko e a sua banda e o Bob Dylan. Era ótimo nas festas porque todo mundo ficava completamente doido com as drogas e o álcool, e nós, as crianças, andávamos por ali até às tantas. Lembro-me de curtir com a Maria Muldaur, filha do Jimmy Hendrix.”

Terry começou a fotografar na época da escola, em Hollywood, mas seu pai o desencorajava a fazer da fotografia um modo de vida. Foi guitarrista de uma banda durante cinco anos, até o grupo acabar e a mãe o apresentar ao fotógrafo Tony Kent, que o contratou como assistente. Hoje é frequente ver o trabalho de Richardson em revistas como a Vogue, i-D, GQ, Harper’s Bazaar e Purple. A 37ª edição do calendário Pirelli foi dirigida e fotografada por Richardson.

Calendario pirelli - 2010 por superalbertofilho

Terry é um dos fotógrafos mais conceituados da estética ‘snapshot’ - imagens banais do dia-a-dia, não encenadas, que teve origem nos EUA dos anos 60. Seu trabalho e os corpos que fotografa são identificados com facilidade. Outra marca é a sua própria figura, inspirada nas estrelas pornô dos anos 70: óculos, camisa xadrez, braços tatuados e bigode. Foi assim que a Uncle York, fabricante de bonecos, em parceria com as lojas Tokyo Element e Collete, lançou o boneco/caricatura do fotógrafo.

Ao longo dos anos, Terry tornou-se mais hardcore e mais descritivo da sua própria vida sexual. Ele sabe que quer fazer muito sexo, ficar nu e quer que todo mundo veja. Talvez por isso ele seja o fotógrafo que mais se fotografa.

VIDEO: SESSÃO EXCLUSIVA

Exclusive Photoshoot por superalbertofilho

Se a magia das imagens de moda está na relação criada entre fotógrafo e fotografado, nas suas imagens dá para ver que ele é perito em escolher quem fotografar. Para Terry, o segredo está no casting dos figurantes. “Se o casting corre mal está tudo fodido. Se consigo pessoas que sabem o que é que vai acontecer e que estão nessa, basta deixá-los entrar nas suas personagens”. As suas fotografias são normalmente sobre assuntos pessoais e frequentemente de conotação sexual. O sexo, o exibicionismo, tudo isso sempre foi urgente para Terry.

VIDEO: COM AMY WINEHOUSE

No set, entrevistando Amy Winehouse por superalbertofilho

Em abril de 2007 Richardson esteve no Brasil para a produção do livro sobre a cidade do Rio de Janeiro. Foram produzidas fotos de vários lugares tradicionais da cidade: favelas, bailes funk, praias, etc. Como personagens do livro, foram escolhidos diversos anônimos e personalidades brasileiras como Camila Pitanga, Ricardo Tozzi, Adriane Galisteu, Danielle Winits, entre outros. Os destaques ficaram por conta de Luiza Brunet e sua filha, Yasmin, que posaram completamente nuas para as lentes do fotógrafo. O livro foi lançado no Brasil em Dezembro de 2007.

VIDEO: ESCAPANDO COM KATE MOSS

The Great Escape, com Kate Moss - 2011 por superalbertofilho

Desde o natal de 2009 que Terry atualiza diariamente o seu fotoblog, relatando os bastidores das sessões de fotos e curiosidades da sua vida.

VIDEO: MERCEDES BENZ FASHION WEEK

Mercedes Benz Fashion Week - 2012 por superalbertofilho

GRAFITEIROS CRIAM MUSEU ABERTO DE ARTE URBANA EM SÃO PAULO

2011-10-17T11:06:00.000-02:00

As pilastras sujas e cinzas da Av. Cruzeiro do Sul, na zona norte de São Paulo, dão lugar a 68 painéis de grafite - 58 grafiteiros realizam do 1º Museu Aberto de Arte Urbana de São Paulo.
O projeto surgiu após a detenção de 11 artistas, em abril deste ano (2011), quando eles grafitavam o mesmo local. Dessa vez, eles contam com o apoio da Secretaria do Estado da Cultura e do Metrô, que contribuíram com tinta e spray.

Grafiteiros criam museu a céu aberto por superalbertofilho

"Pensamos na delegacia que não era mais possível responder por crime. Somos artistas, reconhecidos pela cidade. A ZN é o nosso bairro, sempre pintamos na região e ali sempre é muito sujo. Foi uma surpresa para gente receber esse apoio", afirmou Chivitz, que idealizou o projeto com Binho enquanto estavam na delegacia aguardando o registro da ocorrência de crime ambiental.

Entre os artistas participantes estão Zezão, Tinho, Ricardo AKN, Minhau, Speto, Presto e Highraff. "Além dos mais experientes, também convidamos artistas jovens, que estão começando, e que são da zona norte. A intenção é que moradores e grafiteiros cuidem da sua região", explicou Chivitz.
O projeto também desenvolverá ações educativas em escolas da região para incentivar o gosto pela arte urbana em crianças e adolescentes.

Curador, Binho fala do social por superalbertofilho

"Reconhecer o valor da arte urbana é promover a diversidade dos olhares sobre a cultura e sobre a cidade. O grafite feito dessa forma, organizada, ajuda no desenvolvimento de talentos artísticos e a preservar e embelezar um lugar deteriorado. Nem todo mundo gosta de grafite e não é obrigado a gostar, mas nas pilastras públicas não vai incomodar ninguém", afirma o secretário de Estado da Cultura, Andrea Matarazzo, que confessa já ter mandado apagar muitos grafites que não tinham autorização.

1º Museu a céu aberto de Arte Urbana por superalbertofilho

Baixo Ribeiro, curador e proprietário da galeria Choque Cultural que colaborou no projeto, destaca a importância da ação para o modo de se pensar o espaço público urbano.
"O grafite não tem a ver com moda. A arte pública, como nesse caso, é importante para aproximar mais a população da arte, desde especialistas até pessoas mais simples. É a democratização do acesso à arte. Grande parte da população vive em centros urbanos, precisamos aprender a lidar com esse espaço público que cada vez mais será dividido por mais pessoas".

Além da Av.Cruzeiro do Sul, outros espaços públicos estão sendo destinados para arte urbana em São Paulo, como o painel de Daniel Melim na Luz e de Osgemeos no Vale do Anhangabaú, ambos na região central.
"Berlim é um exemplo de ações nesse gênero. É uma cidade que já tem essa cultura de conciliar a arquitetura com a arte em espaços públicos", afirmou Ribeiro.

ARQUITETURA CONTEMPORÂNEA: VILLA MAHINA

2011-10-16T16:14:00.000-02:00

VIDEO: PROMENADE PELA VILLA MAHINA

Villa Mahina: promenade por superalbertofilho

Uma mansão futurista, digna de um filme de James Bond, divide a comunidade de uma pequena ilha - seus moradores estão discutindo se devem ou não permitir a sua construção. Investidores de toda parte do planeta manifestam interesse na luxuosa casa, prevista para ser construída em Kawau Island, cerca de 60 km ao norte de Auckland, Nova Zelândia.

A residência Mahina (o nome Maori para a Lua) foi projetada em curva, na forma de uma Lua crescente. De frente para o mar, ela oferece uma vista deslumbrante, já que todas as paredes, do chão ao teto, são feitas de vidro. Tudo lá dentro é completamente branco: o piso, as portas, os móveis e os objetos. O imóvel possui uma área de 827 metros quadrados e contará com uma estufa para plantas, deck, piscina e uma "massa térmica" para regular a temperatura interna.

O site da vila Mahina diz que o conceito é vendido na forma de um pacote com design, construção e o terreno em Kawau Island, mas a casa também pode ser construída em algum local pré-qualificado de qualquer lugar do planeta.
"A residência, predominantemente moderna, sugere os velhos tempos de James Bond, época glamourosa dos martinis e do smoking", afirma o site. "Acabar com o equívoco que o branco é ‘starck’ ou austero. Aqui ele é abundante, suntuoso, rico."

A empresa neozelandesa responsável pelo projeto, a Weber Consulting, demorou três anos para concluir o projeto. A ilha de Kawau possui apenas 450 propriedades e 70 moradores, que transitam, essencialmente, de barco. Não há iluminação pública e serviços de telefonia são limitados.

Os moradores pouco sabiam dos planos para a Mahina, há cerca de quatro anos. Helen Jeffery, da ‘Kawau Island Resident and Ratepayer’s Association’, viu os desenhos do arquiteto a pouco mais de três anos atrás e comentou que a propriedade deveria cumprir estritamente os planos de desenvolvimento definidos pelo Rodney District Council.

O morador da ilha e presidente do ‘Kawau Island Advisory Committee’, Michael Marris, disse que o desenvolvimento do projeto racharia a comunidade se fosse adiante.
"Eu posso imaginar que a ilha seria totalmente dividida sobre o assunto. Eu tenho ouvido algumas pessoas chamarem o projeto de "fabuloso" de "bizarro" e de "fora do planeta”. "Muitas pessoas não querem alguém voando de helicóptero para chegar à propriedade, que é realmente o melhor caminho para esse ponto."

Villa Mahina: especificações por superalbertofilho

INICIATIVA PRIVADA E A ARTE CONTEMPORÂNEA NO BRASIL: INSTITUTO FIGUEIREDO FERRAZ ABRE AS PORTAS EM RIBEIRÃO PRETO

2011-10-15T12:27:00.000-03:00

O colecionador e empresário do setor sucroalcooleiro João Carlos de Figueiredo Ferraz inaugurou, em Ribeirão Preto - interior paulista, o instituto que leva seu nome e pretende pôr a região no mapa das artes do país. Com um acervo de quase mil obras, entre quadros, esculturas e instalações, o paulistano pode ser considerado um dos maiores colecionadores do país.
Segundo o site da instituição, o Instituto Figueiredo Ferraz é um espaço concebido para a difusão de arte e cultura. Para aproximar o público do conhecimento e estimular reflexões o IFF oferece, além do espaço expositivo, uma agenda de cursos e palestras com artistas, críticos, curadores e outros agentes das diversas áreas culturais.

VIDEO INSTITUCIONAL

IFF: institucional por superalbertofilho

Ferraz começou a colecionar no fim da década de 1970. Em 2001, foi exibida a mostra O Espírito de Nossa Época - Coleção Dulce e João Carlos de Figueiredo Ferraz nos Museus de Arte Moderna de São Paulo e do Rio, apresentando destaques do acervo. Entre os artistas representados na sua coleção, estão Adriana Varejão, Cildo Meireles, Ernesto Neto, Sued, José Resende, Rosângela Rennó, Leda Catunda, Vik Muniz, Tunga, Iole de Freitas e Nuno Ramos, além de estrangeiros.

Com vocação para as artes plásticas, o Instituto tem como ponto de referência a coleção Dulce e João Carlos de Figueiredo Ferraz, exposta em caráter permanente, e se propõe a trazer exposições temporárias através de parcerias com as mais importantes instituições culturais do país.
Agnaldo Farias curador da exposição de abertura do instituto, "O Colecionador de Sonhos" - com 154 obras do acervo de Ferraz, comenta que um acordo com a Pinacoteca do Estado, o Instituto Tomie Ohtake e o Itaú Cultural deverá propiciar a ida de exposições desses espaços, para exibição no Instituto Figueiredo Ferraz.

VIDEO: CURADORIA E COLECIONISMO

IFF: curadoria e colecionismo por superalbertofilho

O colecionador quer, agora, concretizar um segundo desejo: promover em 2013 uma exposição inédita que reúna obras de artistas que despontaram na década de 1980 em torno do ateliê Casa 7. Nuno Ramos, que fez parte do grupo e está na mostra atual, diz que faltam ações no país como a de Ferraz: "Vejo um número razoável de colecionadores, mas poucos que conseguem mostrar a coleção ao público."

Já faz tempo que o empresário e colecionador João Carlos de Figueiredo Ferraz quer levar a público seu acervo de arte contemporânea. Em 2006, ele havia anunciado que faria uma parceria com a Pinacoteca do Estado para doar ao museu, em regime de comodato, sua coleção particular. Mas a idéia era de que a Pinacoteca administrasse um espaço em Ribeirão Preto. O projeto não foi adiante. Houve ainda a tentativa de criar um espaço para sua coleção em Piracicaba.

Link externo: http://www.institutofigueiredoferraz.com.br

"DE DENTRO E DE FORA" FICA NO MASP ATÉ 23 DE DEZEMBRO

2011-10-13T14:14:00.000-03:00

Desde 17 de agosto o Museu de Arte de São Paulo - MASP recebe a exposição “De Dentro e De Fora”, a versão internacional da mostra de graffiti “De Dentro pra Fora e De Fora pra Dentro” que ocupou o museu em 2009. A exposição, que fica em cartaz até o dia 23 de dezembro, reúne trabalhos de um time seleto de artistas urbanos internacionais.

VIDEO: O ATELIER ABERTO NO 'METRÓPOLIS'

Atelier aberto - Metrópolis por superalbertofilho

Com curadoria de Mariana Martins, Baixo Ribeiro, Eduardo Saretta e coordenação de Teixeira Coelho, a mostra é composta pelos trabalhos de oito artistas urbanos vindos de 4 países, que fizeram uma residência - aberta ao público - de aproximadamente um mês para a produção das obras. Eles são os franceses Remed, JR e Invader, o tcheco Point, os argentinos Tec, Defi e Chu e a norte-americana Swoon. Em integração com artistas urbanos brasileiros, também exploraram a parte externa do museu, já que a mostra abrange os arredores, permitindo que o visitante esteja nela mesmo quando está fora do MASP.

São obras e intervenções artísticas de site specific. Pinturas, murais, esculturas, instalações, colagens, objetos, fotografias, mapas, impressos, vídeos e animações são as principais mídias utilizadas. E é exatamente pela experiência do site specific que o diálogo entre os estrangeiros e o Brasil fica claro.

Point, por exemplo, fez instalações que dão continuidade aos corrimões vermelhos característicos da Galeria Clemente de Faria, com direito a uma piscina de bolinhas vermelhas.

VIDEO: SWOON TRABALHANDO

De Dentro e De Fora: Swoon por superalbertofilho

Swoon, representante feminina da mostra, fez pinturas enormes com lindas mulheres olhando para o céu, fixadas em placas de madeira no centro da galeria.

Já os representantes argentinos, produziram murais espetaculares e uma escultura feita a partir de ripas de madeira encontradas na rua, em que os três artistas trabalharam, meticulosamente, nichos por entre as ripas, ornando objetos, brinquedos e acessórios relacionados à cultura de rua.

Tudo resulta numa explosão de cores. A exposição mostra a importância das galerias a céu aberto que dialogam sem fronteiras, com artistas virtuosos interagindo entre si, e de museus que abrem suas portas para eles (e para nós).

VIDEO: 'DE DENTRO E DE FORA', A MOSTRA

De Dentro e de fora - Expo por superalbertofilho

VEJA AQUI, OS ARTISTAS ARGENTINOS DEFI, CHU E TEC TRABALHANDO EM SEU MURAL PARA A EXPOSIÇÃO "DE DENTRO E DE FORA".

De Dentro e De Fora: Defi+Chu+Tec por superalbertofilho

CRISTO REDENTOR FAZ 80 ANOS

2011-10-12T13:27:00.000-03:00

VIDEO

BBC - Cristo Redentor comemora 80 anos por superalbertofilho

O Cristo Redentor, imponente estátua que simboliza o Rio de Janeiro, eleita uma das sete maravilhas do mundo moderno em 2007, completa 80 anos nesta quarta-feira (12).
O monumento é o ponto mais famoso do parque nacional da Tijuca. Imersa na natureza, a estátua feita de cimento e revestida de pedra-sabão, mesmo material usado pelo escultor barroco Aleijadinho, tem 30 metros e o pedestal 8 metros. O conjunto encima o morro do Corcovado, a 709 m de altitude e é o único trecho do parque que cobra ingresso para a visitação.

VIDEO: PÃO DE AÇUCAR E CORCOVADO DISPUTARAM O CRISTO REDENTOR

HISTÓRIA: Pão de Açucar e Corcovado disputaram o... por superalbertofilho

As celebrações - que foram antecedidas por obras de restauro e novo sistema de iluminação - começaram ontem, com uma vigília e continuam hoje com a celebração de uma missa pelo arcebispo do Rio, Orani Tempesta, na capela aos pés da estátua, onde se encontra a imagem de Nossa Senhora Aparecida, padroeira do Brasil, que aniversaria na mesma data.
Também, serão inaugurados dois bustos dedicados aos idealizadores e realizadores do monumento: o arquiteto e engenheiro Heitor da Costa e Silva e o cardeal dom Sebastião Leme, arcebispo do Rio há 80 anos – mas o Cristo Redentor tem definitivamente uma participação européia: foi o escultor francês (de origem polonesa) Paul Landowski, que criou cabeça e mãos da estátua.
Depois disso, um bolo com oito metros de comprimento será servido, um por cada década de história, e decorado com imagens da estátua,e com os símbolos da Copa do Mundo de 2014 e das Olimpíadas de 2016.
Os DJs Mam e Rodrigo Sha se apresentarão com a canção "Redentor", vencedora do concurso em que concorreram mais de 2.000 artistas para eleger a música tema do aniversário.

VIDEO: 'REDENTOR', MUSICA VENCEDORA DO CONCURSO

"Redentor", de Rodrigo Sha e DJ Mam por superalbertofilho

O espetáculo continuará com o Concerto pela Paz. O evento, que vai virar CD e DVD, contará com a apresentação do Coral 80 anos Cristo Redentor e do Ballet da Paz, no Aterro do Flamengo, na altura do Monumento aos Pracinhas. Na sequência, haverá apresentações do reitor do Santuário, Padre Omar Raposo, e de artistas populares como Zeca Pagodinho, Miúcha, Sandy, Leila Pinheiro, Beth Carvalho, Jorge Aragão, Fernanda Abreu, Tiago Abravanel, Emílio Santiago, Davi Moraes, Thaís Gulin, Elba Ramalho, Bossacucanova, Roberto Menescal, Bochecha e da bateria da Mangueira. Também está confirmada a apresentação da cantora de jazz americana Stacey Kent, que se apresentará junto com Marcos Valle.
Os 80 anos da estátua contarão ainda com a exposição "Cristo Redentor", que percorrerá, sem data estabelecida, as principais cidades do país e depois viajará para Canadá, Itália, Moçambique e Japão.

HOMENAGEM - Imagens do Cristo Redentor por superalbertofilho

VIK MUNIZ: RETROSPECTIVA E MOSTRAS INTERNACIONAIS EM 2011

2011-10-11T11:53:00.000-03:00

Vik Muniz, um dos artistas brasileiros mais famosos, pop e bem-sucedido, vive no Rio, mas está sempre viajando para expor seu trabalho. Até dezembro deste ano ele apresenta no Museu Coleção Berardo - Centro Cultural de Belém, em Portugal, uma retrospectiva de toda a sua produção - que lida com a questão da imagem pela fotografia – que ele considera conceitual.

Com a agenda lotada, seu projeto ‘Semana de Arte’, formado por instalações de peso de artistas internacionais, teve de ser engavetado. Mas, em novembro ele inaugura mostra no Palazzo Pamphili - Embaixada do Brasil em Roma, e depois vai expor em Avignon, na França. Além disso, Vik exibe na sua galeria de Nova York, trabalhos sobre a questão da mídia e do lixo apropriando-se de materiais dos meios de comunicação. "Tenho uma tendência a continuar com essa série."

Vik Muniz no Starte / Globonews por superalbertofilho

A marca registrada da obra de Vik Muniz é a fotografia de trabalhos realizados a partir de técnicas variadas e materiais inusitados. Entre suas mais famosas criações estão a Mona Lisa feita de pasta de amendoim, o Che Guevara desenhado em geléia, o soldado criado com soldadinhos de plástico e o retrato de Elizabeth Taylor montado com centenas de diamantes. Mais recentemente, Vik surpreendeu o mundo da arte com a série de imagens feitas a partir de lixo.

VIK MUNIZ NO TED: COMO JUNTAR ARTE, CINEMA E TRABALHO SOCIAL

Vik Muniz no TED: Como juntar arte, cinema e... por superalbertofilho

Este ano, Vik Muniz esteve no tapete vermelho de Hollywood quando concorreu ao Oscar com o documentário “Lixo Extraordinário”, que retratou seu projeto de trabalho realizado no lixão do Jardim Gramacho, no Rio.

VEJA “LIXO EXTRAORDINÁRIO” COMPLETO, AQUI

THE LEOPOLD COLLECTION: ‘WIEN 1900’

2011-10-10T11:32:00.000-03:00

'WIEN 1900'
O Museu Leopold está apresentando a exposição ‘Viena 1900’, realizada de itens da ‘Coleção Leopold’ e curada, de forma não convencional, pelos gestores do projeto Diethart Leopold e Peter Weinhäupl, em estreita colaboração com Rudolf e Elisabeth Leopold.

VIDEO: 'WIEN 1900'

Leopold Museum: 'Wien 1900' por superalbertofilho

O Jugendstil - movimento Art Nouveau de Viena, procurou abranger todas as áreas da vida dentro do conceito "Gesamtkunstwerk" ("obra de arte total"). Seus principais expoentes Gustav Klimt, Koloman Moser e Josef Hoffmann são sinônimo de arte da Secessão de Viena por volta de 1900.

Esta mostra do Museu Leopold - complementada pelo empréstimo de várias obras significativas – á composta por obras-primas austríacas que vão desde a secessão vienense até o fim da Primeira Guerra Mundial. São pinturas e gravuras de Egon Schiele, Oskar Kokoschka, Anton Kolig, Herbert Boeckl e muitos outros, assim como vários exemplos do projeto Wiener Werkstätte. Móveis, prata, vidro e joalheria são apresentados juntamente com as pinturas e a arte gráfica, representando a era mais exitante na história da arte vienense, proporcionando uma experiência estética única.

COLEÇÃO LEOPOLD
Composta por obras-primas do Movimento Separatista vienense, do Movimento Modernista de Viena e do Movimento expressionista austríaco, a ‘Coleção Leopold’ é uma das mais importantes coleções de arte austríaca moderna no mundo.
Os mais de 5.000 itens da coleção foram coletadas por Rudolf e Elisabeth Leopold durante mais de cinco décadas, e consolidades por Rudolf Leopold em 1994 com o apoio da República da Áustria e do Banco Nacional da Áustria, introduzindo o Leopold Museum - uma fundação privada sem fins lucrativos

EGON SCHIELE
Localizado no bairro dos museus, o Museu Leopold abriga a maior coleção de Egon Schiele no mundo, juntamente com grandes obras de Gustav Klimt, Kokoschka Oskar, Richard Gerstl e Albin Egger-Lienz.
O museu também mostra pinturas e gravuras de Herbert Boeckl, Hans Böhler, Faistauer Anton, Kolig Anton, Alfred Kubin, e Thöny Wilhelm. Além disso, apresenta obras notáveis do século 19 por Ferdinand Georg Waldmüller, Gauermann Friedrich, August von Pettenkofen, Romako Anton, Jakob Emil Schindler e Carl Schuch, entre outros.

VIRADA DO SÉCULO E ARTE NÃO-EUROPÉIA
A coleção Leopold também contém objetos importantes das artes decorativas austríaca da virada do século por Otto Wagner, Adolf Loos, Josef Hoffmann, Moser Koloman e Peche Dagoberto. Objetos genuínos da África e da Oceania, assim como obras de arte chinesa e japonesa antiga completam a apresentação.

LEILÃO DE ARTE CONTEMPORÂNEA E HISTÓRIA NATURAL NA SOTHEBY’S

2011-10-08T11:43:00.000-03:00

O Leilão de arte contemporânea da Sotheby’s que acontece no dia 13 de outubro vai apresentar 47 obras raras e de qualidade excepcional, abrangendo um período que vai do pós-guerra até os dias atuais.

VIDEO: A ESCOLA DE LONDRES

The School of London por superalbertofilho

Incluídas como as obras mais notáveis, entre os muitos destaques a serem oferecidas na noite do leilão, está o trabalho excepcional do grupo da ‘Escola de Londres’, encabeçado por três obras extraordinárias do início da carreira de Lucian Freud, um magistral Frank Auerbach e a paisagem mais importantes de Leon Kossoff já oferecida em um leilão.

VIDEO: WARHOL E BASQUIAT

Andy Warhol e Jean-Michel Basquiat por superalbertofilho

O Pop americano é sintetizado pelas obras que representam dois dos ícones mais famosos de Andy Warhol: o chefe de Estado Mao e Marilyn Monroe, enquanto obras-primas de Miquel Barceló, Doig Peter, Anselm Kiefer, Jean-Michel Basquiat, Ofili Chris e outros são o testemunho do mais excitante período de desenvolvimento da pintura, ocorrido nos últimos 30 anos.

Baixe o catálogo do leilão (com 186 pgs), em Pdf, clicando aqui

HISTOIRE NATURELLE

Enquanto isso a Sotheby’s de Paris coloca à venda, também no dia 13 de outubro, três raríssimos esqueletos de dinossauros, dentro do lote 85, na noite de História Natural.
Cada um deles foi confirmado pelo consultor da Sotheby’s, Eric Mickeler e certificado pelos especialistas Dr. Oliver Rauhut do Staatssammlung Bayerische München, Dr. Roberto Zorzin do Musée d'Histoire Naturelle de Verona, e o paleontólogo Pete Larson.

O fóssil mostrado aqui é do Prosaurolophus maximus, que apresenta exemplos importantes de pele fossilizada. Ele é acompanhado por um dos dois únicos exemplares conhecidos de Suuwassae Emiliae: a sub specie do Diplodocus herbívoro, e do Tenontosaurus. Este último é apenas parcialmente liberado para exibição para permitir um estudo mais aprofundado – 98 por cento do seu esqueleto permanece intacto.

VIDEO: O ACERVO DE FÓSSEIS NA SOTHEBY'S DE PARIS

Histoire Naturelle, com Eric Mickeler por superalbertofilho

FESTIVAL INTERNACIONAL DE ARTE CONTEMPORÂNEA MAPEIA PRODUÇÃO DO HEMISFÉRIO SUL E TRAZ OLAFUR ELIASSON A SÃO PAULO

2011-10-07T12:45:00.000-03:00

Com novo nome e mudanças estruturais importantes em relação às edições anteriores, o 17º Festival Internacional de Arte Contemporânea SESC_Videobrasil assinala uma ampliação no escopo do projeto, e passa a abranger novos suportes e linguagens. Antes restrita a obras em vídeo, agora passa a aceitar outras experiências artísticas, como instalações, performances, livros de artista, fotografia e pintura.
Essa mudança alinha o Festival à natureza das práticas artísticas contemporâneas e confronta a enorme produção de representações que constitui a visualidade no mundo de hoje.

A produção artística contemporânea do Sul geopolítico do mundo e a obra do artista dinamarco-islandês Olafur Eliasson são o foco do 17º Festival Internacional de Arte Contemporânea SESC_Videobrasil, que fica em cartaz no SESC Belenzinho, SESC Pompeia e Pinacoteca do Estado de São Paulo até janeiro de 2012.
Conversas com Eliasson e Karim Aïnouz abriram a intensa programação educativa do Festival, que terá um programa semanal no SESCTV e se estende até janeiro de 2012.

1º EIXO
Composta por vídeos, performances, instalações, objetos, publicações, pinturas, fotografia e outras experiências artísticas, a mostra Panoramas do Sul mapeia a produção recente da América Latina, África, Europa do Leste, Oriente Médio, Ásia (exceto o Japão) e Oceania, e cria uma situação de protagonismo para a produção do Sul geopolítico do mundo.

Entre os 97 participantes, há nomes conhecidos no circuito internacional, como o libanês Akram Zaatari, o australiano Shaun Gladwell, o argentino Marcello Mercado e os brasileiros Marcellvs L., Cinthia Marcelle e Eder Santos, e outros que começam a expor internacionalmente agora – como Gianfranco Foschino (Chile), que está no Pavilhão Latino-Italiano da Bienal de Veneza de 2011.

A mostra Panoramas do Sul inclui quatro trabalhos comissionados pelo Festival, por meio do Prêmio Ateliê Aberto Videobrasil, edital que beneficia artistas jovens, residentes em São Paulo, escolhidos por projetos. Os trabalhos foram desenvolvidos de abril a julho na Casa Tomada, espaço paulistano voltado à produção artística, reflexão e convivência, sob a orientação de artistas, curadores e pesquisadores.

2º EIXO
A exposição 'Seu corpo da obra', primeira individual de Olafur Eliasson na América Latina, reúne uma obra colaborativa e dez instalações site specific, que dialogam com a cidade e a arquitetura dos três espaços expositivos. Os trabalhos instigam o público a experimentar com sua percepção de cor, orientação espacial e outras formas de envolvimento com a realidade. A curadoria é de Jochen Volz, diretor artístico do Instituto Inhotim, em Minas Gerais.

VIDEO: OBRAS DE OLAFUR ELIASSON EM S.P.

Olafur Eliasson Your Body of Work por superalbertofilho

Para o SESC Belenzinho, Olafur Eliasson cria um dispositivo rotativo que projeta faixas de luz no espaço. Na Pinacoteca do Estado, concentra experiências com o espelho, ferramenta clássica da arte, para dialogar com a arquitetura do prédio neo-clássico eclético, que sofreu intervenção do arquiteto Paulo Mendes da Rocha há uma década.

No SESC Pompeia, um conjunto de obras que envolvem cor, luz e fumaça transforma a área de convivência, com 1.500 metros quadrados, em um labirinto de experiências sensoriais. No Galpão, Eliasson experimenta com o conceito de afterimage – a contra-imagem que permanece na retina exposta à luz – e com imagens de São Paulo, em obra criada em colaboração com o cineasta brasileiro Karim Aïnouz.

A mostra inclui ainda a obra Waterfall, uma cachoeira instalada no deck da unidade.
'Seu corpo da obra' será tema de palestras, de um livro a ser lançado em novembro, e de um filme da série Videobrasil Coleção de Autores, com direção de Aïnouz (Madame Satã, O céu de Suely, O abismo prateado) e lançamento previsto para 2012.

Com curadoria-geral de Solange Farkas, o evento ganha um formato inédito e se torna o primeiro festival de arte contemporânea do país.
O 17º Festival Internacional de Arte Contemporânea SESC_Videobrasil é uma realização do SESC e da Associação Cultural Videobrasil.

A programação educativa completa está disponível em www.sescsp.org.br/17festival

MUMIA: FESTIVAL MUNDIAL DE ANIMAÇÃO EM B.H.

2011-10-06T16:14:00.000-03:00

Neste mês, de outubro, a Mostra Udigrudi Mundial de Animação – Múmia - chega à sua 9ª edição (2011) e traz uma programação com curtas de animação, conceituados internacionalmente, para Belo Horizonte, assim como Betim e Nova Lima. Crianças, jovens e adultos poderão conferir, durante 25 dias, o melhor da animação mundial.

Vinheta: Mostra Udigrudi Mundial de Animação por superalbertofilho

Nesta edição serão exibidos curtas-metragens regionais, nacionais e internacionais, com diversas linguagens na arte da animação -186 trabalhos compõem a mostra. O Brasil apresenta 42 curtas, de 12 estados. De outras partes do mundo serão apresentados 69 filmes, de 30 países. Uma das novidades neste ano é o destaque para os trabalhos desenvolvidos no Estado de Minas Gerais.
A mostra principal acontece de 5 a 12 de outubro, no Cine Humberto Mauro – Palácio das Artes, mas outros espaços de Belo Horizonte também recebem exibições do Festival - o Centro de Cultura Belo Horizonte, a Casa do Baile, Cine Clube Joaquim Pedro de Andrade, Cine Clube Sabotage e Cine Clube uma Tela no Meu Bairro.

TRAILER DE “TEMPESTADE”, DE CÉSAR CABRAL

Trailer do curta 'Tempestade' por superalbertofilho

A abertura do evento, no Cine Humberto Mauro, aconteceu ontem - 5 de outubro, com a apresentação do longa, premiado em diversos festivais internacionais, “Sita sings the blues”, da diretora norte-americana Nina Paley – feito com a sombra de marionetes da indonésia -, e do curta “Tempestade”, do diretor César Cabral, a grande atração nacional, que será exibido no Festival Cultura Inglesa, que acontece em 2012, em São Paulo. O curta foi inspirado numa canção dos Beatles e na obra do pintor inglês William Turner.

VEJA “SITA SINGS THE BLUES”, DE NINA PALEY (COMPLETO)

A Mostra Udigrudi Mundial de Animação – MUMIA, realizada desde 2003, em Belo Horizonte, foi criada no do Centro de Referência Audiovisual (CRAV), que também sedia o projeto. O evento é consolidado entre os festivais de cinema e vídeo no Brasil, integra o calendário turístico da cidade e recebe diversos convites internacionais. É através da visibilidade do MUMIA que a animação brasileira tem sido exibida na Finlândia, Chile, Colômbia e Holanda e neste ano esteve na Armênia.

SERVIÇO:
Mostra Udigrudi Mundial de Animação – Mumia
Data: 04 a 30 de outubro de 2011
Local:Belo Horizonte – Betim – Nova Lima
Entrada franca.
Mais informações em http://mostramumia.blogspot.com/

MORRE STEVE JOBS, FUNDADOR DA APPLE

2011-10-06T13:07:00.000-03:00

O fundador da Apple, Steve Jobs, 56, morreu na quarta-feira (5). O executivo, que sofria de câncer, se afastou da companhia de tecnologia em agosto. Ele ocupava a presidência-executiva da Apple desde 1997, em sua segunda passagem pela empresa.
Jobs deixa a mulher, Laurene Powell, e quatro filhos - Lisa, que teve com a ex-namorada Chris-Ann Brennan, e Reed, Erin Siena e Eve, do casamento com Laurene.
No comando da Apple, Jobs fez a Apple se tornar a empresa mais valiosa do mundo e criou produtos que se tornaram símbolos de tecnologia e design, gerando legiões de fãs, os "applemaníacos".

Steve Jobs: nota de falecimento por superalbertofilho

A família de Steve Jobs divulgou o comunicado sobre sua morte:
“Steve morreu em paz hoje cercado por sua família.
Em sua vida pública, Steve ficou conhecido como um visionário; em sua vida privada, ele amou sua família. Somos gratos às muitas pessoas que compartilharam seus desejos e orações durante o último ano da doença de Steve; um website será lançado para aqueles que quiserem oferecer tributos e lembranças.
Somos gratos pelo apoio e pela bondade daqueles que compartilharam nossos sentimentos por Steve. Sabemos que muitos de vocês vão chorar conosco, e pedimos a vocês que respeitem nossa privacidade durante nosso período de luto”.

Tim Cook, substituto de Jobs no comando da Apple, divulgou um comunicado aos funcionários da empresa sobre a morte de Steve Jobs:
“Tenho uma notícia muito triste para compartilhar com todos vocês. Steve faleceu hoje cedo.
A Apple perdeu um gênio criativo e visionário, e o mundo perdeu um ser humano extraordinário. Aqueles de nós que fomos felizes o suficiente para conhecer Steve e trabalhar com ele perdemos um amigo querido e um mentor inspirador. Steve deixa para trás uma empresa que apenas ele poderia ter criado, e seu espírito será para sempre o alicerce da Apple.
Estamos planejando uma celebração da vida extraordinária de Steve para funcionários da Apple, que acontecerá em breve. Se você quiser compartilhar seus pensamentos, lembranças e condolências nesse ínterim, pode simplesmente enviar um e-mail para rememberingsteve@apple.com.
Não há palavras capazes de expressar nossa tristeza sobre a morte de Steve ou nossa gratidão pela oportunidade de trabalhar com ele. Honraremos sua memória ao nos dedicar a continuar o trabalho que ele tanto amava.”

A repercussão da morte de Jobs foi forte e quase imediata. Um dos primeiros a comentar a morte foi Mark Zuckerberg, fundador do Facebook.
"Steve, obrigado por ter sido um mentor e um amigo. Obrigado por mostrar que o que você constrói pode mudar o mundo. Sentirei sua falta."
Em fevereiro, Jobs e Zuckerberg jantaram com o presidente dos Estados Unidos, Barack Obama, em Woodside, Califórnia.

Outro executivo do setor que prestou homenagem a ele foi Bill Gates, fundador da Microsoft - empresa que disputou com a Apple de Jobs o posto de mais importante empresa de tecnologia do mundo.
"Estou verdadeiramente entristecido ao saber da morte de Steve Jobs. Melinda [mulher de Gates] e eu estendemos nossas sinceras condolências a sua família e a seus amigos, e para todos que Steve tocou ao longo de seu trabalho", disse Gates. "Steve e eu nos conhecemos há cerca de 30 anos, e fomos colegas, concorrentes e amigos ao longo de mais de metade de nossas vidas."

O presidente dos Estados Unidos, Barack Obama, disse através de seu blog no site da Casa Branca que Jobs "mudou o modo como cada um de nós vê o mundo", o que disse ver como "um dos feitos mais raros da história da humanidade".
"Steve estava entre os maiores inovadores americanos --corajoso o suficiente para pensar diferente, ousado o suficiente para acreditar que ele poderia mudar o mundo e talentoso o suficiente para fazê-lo” , apontou Obama.

VIDEO: O LEGADO DE STEVE JOBS

Steve Jobs: legado por superalbertofilho

O legado de Jobs vai muito além da empresa que criou, sua visão colocou os dispositivos tecnológicos no dia a dia da população.
O impacto de Jobs começou na década de 70 quando, juntamente com Steve Wozniak, ele criou o primeiro computador pessoal, o Macintosh – uma máquina fácil de usar, equipada com mouse e ícones para ativar programas ou abrir arquivos.

O carismático empresário também deixou sua marca nos filmes de animação: após comprar a Pixar, em 1986, quando teve que renunciar à Apple devido a uma disputa interna pelo poder, "redefiniu a ideia de que um desenho animado poderia ser feito no computador", assinalou Gartenberg. Isso levou ao sucesso de "Toy Story" e "Carros".

Ainda, Jobs reinventou o modelo econômico da música com o tocador de MP3 iPod e a loja virtual iTunes. Proporcionou uma nova forma de ouvir música - em qualquer lugar, e o controle, pelas gravadoras e artistas, da distribuição de suas obras.

VIDEO: BREVE BIOGRAFIA DE STEVE JOBS

Steve Jobs: breve biografia por superalbertofilho

O ex-chefe da Apple também modificou os critérios do mercado de smartphones. Com o iPhone, ele iniciou a mudança para a informática portátil que as gigantes da internet Google e Facebook adotaram. Embora já houvesse telefones com acesso à internet, o iPhone colocou esse serviço "à disposição do grande público", acrescentou.

O último gadget da marca, o tablet iPad, foi apresentado por Jobs como "a chegada à era pós-PC", e voltou a revolucionar a forma como o computador é utilizado.
Jobs criou, inclusive, um novo modelo de distribuição, com as lojas Apple, que gerou mais lucro por metro quadrado do que qualquer outro fornecedor de produtos de informática.

VIDEO: HOMENAGEM A STEVE JOBS

Steve Jobs: homenagem por superalbertofilho

MAIOR BIENAL CULTURAL DA EUROPA DESTACA O BRASIL

2011-10-05T11:02:00.003-03:00

A cultura brasileira é destaque na Europa desde ontem, quando começou o festival Europalia.Brasil, a 23ª edição da maior bienal multidisciplinar do continente, com cerca de 500 atividades culturais na Bélgica e países vizinhos.
Até 15 de janeiro de 2012, um total de 127 concertos, 57 espetáculos de dança, 40 de teatro, 20 exposições de artes visuais em 15 museus e 80 conferências literárias, todos protagonizados por brasileiros, serão oferecidos principalmente em Bruxelas, mas também em algumas cidades da França, Alemanha, Holanda e Luxemburgo.

VIDEO: TEASER DA EUROPALIA.BRASIL

Teaser Europalia.Brasil por superalbertofilho

A programação cultural do Festival foi organizada pelo Ministério da Cultura (MinC), com investimento de cerca de R$ 30 milhões. Os recursos foram alocados no orçamento próprio do ministério e com incentivos da Renúncia Fiscal, tendo o patrocínio de grandes grupos empresariais brasileiros. Também apoiaram o evento parceiros institucionais como o Ministério das Relações Exteriores (MRE), a Embaixada do Brasil em Bruxelas, a Fundação Nacional de Artes (Funarte), o Instituto Brasileiro de Museus (Ibram), o Instituto do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional (Iphan) e a Cinemateca Brasileira, entre outros.

VIDEO: MOSTRAS DE ARTE NA EUROPALIA.BRASIL

Abertura do Europalia.Brasil por superalbertofilho

Para coordenar o projeto do Brasil foi criado um comissariado brasileiro presidido pelo secretário de Políticas Culturais do MinC, Sérgio Mamberti. O comissariado, integrado por representantes do MinC e do Ministério das Relações Exteriores, tem a função de organizar o programa das distintas áreas e curadoria. Além de Adriano de Aquino, como curador-geral, a área de Música tem curadoria de Benjamin Taubkin; de Teatro e Dança, de João Carlos Couto; de Literatura e Conferências, de Flora Süssekind; e de Audiovisual, da Cinemateca Brasileira.

Os primeiros eventos e destaques do festival são as exposições Brasil.Brasil, com obras produzidas entre 1808 e 1950, e "Art in Brazil", que mostra peças contemporâneas, ambas no Palácio Bozar, em Bruxelas. Entre os artistas estão Aleijadinho, Victor Meirelles, Cândido Portinari, Pedro Américo Hélio Oiticica, Alfredo Volpi e Tarsila do Amaral.
Ao mesmo tempo, uma exposição sobre a arquitetura de Oscar Niemeyer e Lucio Costa e sobre Roberto Burle-Marx completa o panorama sobre a identidade do país.
As raízes do Brasil são tema de duas mostras: "Índios no Brasil" reúne 300 objetos de tribos indígenas da Amazônia, como cocares, cerâmicas, máscaras e instrumentos musicais; enquanto "Terra Brasilis" mostra, através de pinturas, desenhos e gravuras, a influência recíproca entre Europa e Brasil.

Para traçar um quadro completo da música tradicional brasileira, o Europalia mostra choro e forró, além da MPB, a bossa nova e o samba. A lista de artistas inclui Tom Zé, Hermeto Pascoal, Renato Borghetti, o grupo Uakti e a Velha Guarda da Portela.
A seleção de dança segue a mesma linha: maracatu, frevo, xaxado, samba de roda e capoeira serão apresentados em plena rua no centro de Bruxelas, ao lado de barracas com comidas e bebidas típicas de várias regiões do Brasil.

Em paralelo, companhias de balé clássico e dança moderna e contemporânea, entre elas o Grupo Corpo e Quasar Cia. de Dança, se apresentam em diversas salas europeias.
O programa ainda inclui mostras retrospectivas do cinema brasileiro, com clássicos como Bye Bye Brasil, de Cacá Diegues, e Terra em Transe, de Glauber Rocha, e ciclos dedicados a Suzana Amaral e Walter Salles.
A organização estima que 2 milhões de pessoas participarão das atividades.

Discurso da presidente Dilma na Europalia por superalbertofilho

A inauguração do festival coincidiu com o último dia da 5ª Cúpula UE-Brasil e contou com a presença da presidente Dilma Rousseff, da ministra da Cultura, Ana de Hollanda, e o ministro de Relações Exteriores, Antonio Patriota.
A delegação brasileira chegou em Bruxelas no domingo (2). O primeiro compromisso da ministra Ana de Hollanda, ainda no domingo, foi a visita ao Museu Magritte, na companhia da presidente Dilma Rousseff.

Na segunda (3), a ministra da Cultura visitou a montagem da Exposição Brazil.Brasil, no Palácio Bozar - onde foi realizada a cerimônia de abertura do festival, que retrata a evolução da arte e da sociedade brasileira de fins do século XVIII até a época do Modernismo. No início da tarde, a ministra participou do encontro entre a presidenta Dilma Rousseff e o primeiro ministro belga Yves Leterme, no Palácio de Egmont.
O compromisso seguinte da ministra Ana de Hollanda, acompanhada do diretor-executivo do Comissariado Brasileiro no Europalia, Marcelo Dantas, foi com o comissário-geral da Bélgica no festival, Pierre Alain de Smedt, na sede da Federação das Empresas Belgas.

No encontro, a ministra falou sobre o grande empenho do Ministério da Cultura (MinC) para preparar a participação brasileira no Europalia, em um curto espaço de tempo, tendo em vista as alterações ocorridas com a mudança de governo no país.
Smedt disse que era uma honra para o festival receber a primeira visita oficial da presidenta Dilma Rousseff à Bélgica e comentou que a cidade espera, com ansiedade, a chegada de uma comitiva de índios Metutires brasileiros, que vão representar as culturas dos povos tradicionais do Brasil, no festival.

Jantar com a comissão européia por superalbertofilho

À noite, a ministra participou de um jantar oferecido pelos presidentes do Conselho Europeu, Herman Van Rompny, e da Comissão Europeia, José Manuel Durão Barroso. Ontem (4), dentro da programação da 5ª Reunião de Cúpula Brasil – União Europeia, a ministra teve um encontro bilateral com a comissária para a Educação, Formação, Cultura e Juventude da Comissão Europeia, Androulla Vassiliou, no qual firmará um acordo conjunto sobre Cultura.
O Europalia ocorre a cada dois anos e virou tradição na Europa desde os anos de 1960. Até a década de 1990, apenas países europeus eram homenageados, mas depois a coordenação do festival mudou. O México, o Japão, a Rússia e a China também já foram destaques no evento. Depois do Brasil, a Índia será o próximo país homenageado, em 2013.

Link externo: http://www.europalia.be/europalia/home/?lang=en

‘ALEXANDER MCQUEEN: SAVAGE BEAUTY’

2011-10-04T21:08:00.000-03:00

Alexander McQueen: Life and Death por superalbertofilho

Em fevereiro de 2010, o mundo da moda lamentou profundamente a morte de Alexander McQueen, um dos gênios da moda contemporânea. Mas 2011 inaugurou a mostra ‘Alexander McQueen: Savage Beauty’ - uma retrospectiva da carreira de quase vinte anos do estilista, contada através das suas coleções e de seus artigos pessoais.
O anúncio da exposição aconteceu no Hotel Ritz, em Londres e o lançamento durante o tradicional baile de gala do MET – Metropolitan Museum’s Costume Institute
, em Nova York. A exposição permaneceu de 4 de Maio a 31 de Julho.

O catálogo da mostra, colocado em pré-venda na Amazon.com, foi clicado pelo fotógrafo Sølve Sundsbø em modelos vivas, para dar mais movimento na fotografia. Depois de prontas as fotos, as modelos foram transformadas digitalmente em manequins para realçar o foco nas roupas.

A exposição, elaborada por Sam Gainsbury e Joseph Bennett, designers de McQueen, e coordenada por Andrew Bolton com o apoio de Harold Koda, ambos do Costume Institute do MET, foi montada sob o signo do Romantismo e das dicotomias que percorreram o trabalho do estilista, conforme o título da mostra.

Pensada como uma exposição de artes visuais, em que a moda se apresenta como o meio, os manequins-esculturas foram expostos como obras escultóricas sobre plataformas rotativas, dispostos em caixas-instalações, ou em prateleiras, como num “Gabinete de Curiosidades”, e ainda, foram apresentados vídeos com o trabalho do estilista.

O pensamento de McQueen foi distribuído ao longo das galerias, em temáticas combinadas que marcaram sua obra: a Beleza e a Lealdade, o Sublime e o Mundano, a Vida e a Morte. Mas o grande destaque da mostra foi o poder provocativo de Macqueen de quebrar barreiras, transpor limites, propor mudanças, ou agitar convenções. O resultado foi impresso nas suas coleções, não pela ordem cronológica de produção, mas pelas diferentes lentes do Romantismo.

Savage Beauty por superalbertofilho

Começando em uma sala inspirada no primeiro ateliê de McQueen em Hoxton Square, Londres, intitulada “A Mente Romântica” (The Romantic Mind), a exposição termina com a última coleção apresentada antes da morte do estilista - Plato’s Atlantis, inspirada na Origem das Espécies de Charles Darwin, mas pensada no sentido da devolução das espécies ao seu estado primitivo. As roupas parecem procurar camuflar o corpo numa realidade sublime, próxima da natureza.

Plato's Atlantis por superalbertofilho

A repercussão da exposição foi surpreendente. Um dos recordes de público no Metropolitan Museum Of Art de Nova York, a mostra promete seguir para outros países.
O próximo destino cogitado é Londres. A vontade de levar a exibição de MacQueem a sua terra natal gerou uma petição online organizada pela revista Grazia.
Representantes da grife estão negociando com alguns museus ingleses para definir o espaço da mostra. Outro impasse dos organizadores está relacionado com a montagem, já que a mostra foi planejada para o Costume Institute, do MET. Ainda, as roupas e adereços, extremamente frágeis e delicados, exigem uma infra-estrutura para o transporte e conservação, especializados.
Com os mais de 600mil visitantes em Nova York não restam dúvidas que Alexander McQueen – Savage Beauty será sucesso em qualquer lugar do mundo.